Flaiano se enfrenta a la realidad de una vida sin valores ni fe, una época de total decadencia de la historia, del hombre, de la moral. Son palabras que se pueden ajustar perfectamente refiriéndose a Azcona, salvo la cuestión de la "responsabilidad".
Ennio Flaiano
Ennio Flaiano y su mundo
Ese mismo año ganó el Nastro d'Argento23 junto con Fellini y Tullio Pinelli por el argumento original de La dolce vita. La misma crítica es la que mueve al cine italiano de aquella época, en el que todavía no ha empezado a colaborar activamente:
De Luci del Varietà a Giulietta degli spiriti. Flaiano y Fellini
Cuny), el intelectual homicida y suicida; y así todos los personajes hasta llegar a Marcello (Marcello Mastroianni), símbolo máximo de mezquindad y miseria moral. Ya nos hemos referido a la centralidad en la obra de Flaiano del problema de la crisis del intelectual, y también hemos mencionado como ejemplos La Dolce Vita y Otto e mezzo.
El cine español en los años 50. Luis García Berlanga
Por tanto, está claro que dentro del cine disidente hay tendencias muy diferentes. En cualquier caso, hay una marcada diferencia en las películas de Berlanga de los años cincuenta con las de la década siguiente.
Calabuch
Quizás más discutible fue la adecuación del carácter del maestro, con el toque poético del barco en la botella.89. Tras la experiencia de Calabuch, Berlanga y Flaiano han manifestado en repetidas ocasiones su deseo de volver a trabajar juntos.
Rafael Azcona
Rafael Azcona y el cine 1. Azcona guionista
Esta es la historia de Rodolfo, un pequeño empleado que vive en el departamento de la anciana Doña Martina. La primera película importante de la era italiana de Azcona es Una storia modern: l'Ape regina (1963). Además, junto a Carlos Saura, Azcona comienza a explorar el pasado y el mundo de la memoria.
La fascinación por mirar el pasado y los caminos ocultos de la memoria no es nueva para el guionista. Rafael Azcona en la Barcelona de la Divina Gauche”, en Luis Alberto Cabezón, Rafael Azcona, con perdón, op. La evolución que representa Plácido dentro de la filmografía de Berlanga continúa en las siguientes películas.
La imagen que tiene Michel de la mujer, de la opresión y la castración, se refleja en la muñeca, y él mismo la convierte en el medio de su destrucción.
HISTORIA DE UN UNIVERSO COMPARTIDO
El universo compartido de Flaiano y Azcona 1. La difícil tarea del guionista
Ahora todo era diferente, aunque allí, en la calle Luna, el olor acre del aceite de freír seguía invadiendo el aire. Ambos luchan contra la insolidaridad que ven imperar en una sociedad a la que sólo le preocupa la apariencia de una situación que en el fondo no existe. Rodolfo, que se había quedado dormido sentado sobre la taza, se despertó alrededor de las ocho de la mañana.
Por eso, rechaza todo y todos los que de alguna manera se salen de la fachada establecida. Liza Baldwin es una joven rica aburrida de la sociedad moderna de Nueva York. Sin duda, el tema central de la obra de Flaian es la metamorfosis.
Especialmente en su obra literaria, el italiano evolucionó hasta el límite de la disolución de los géneros. En efecto, no se trata sólo de un experimento formal, sino todo lo contrario: es una búsqueda continua que el autor emprende para simbolizar en el conjunto de sus escritos el absurdo y el caos de la época en la que vivió. El escepticismo, en mi opinión, es una de las claves fundamentales de la obra literaria de Rafael Azcona225.
El Anacoreta y La cagna/ Melampo
Por lo tanto, queda inmediatamente claro que El Anchoreta ocupa una posición importante dentro de la investigación de Azcona sobre el poder destructivo de las mujeres. De esa manera, y desde el principio, queda muy clara la intención de Arabel, quien al final de la película logrará exactamente lo que se propuso al principio. Por tanto, Liza se desarrolla a lo largo de la película, a diferencia de su compañero, Giorgio Fabro, uno de los muchos ineptos de Flaiano que se deja llevar por la mujer por motivos que él evidentemente no comprende.
Es él quien ha elegido la soledad de su isla desierta, vive allí desde antes de la llegada de la mujer. Pero en el momento en que parece que Liza ha vuelto a ser la misma de antes y comienza a preocuparse por él, es él mismo quien una vez más se condena a su prisión compartida y odiada, lo que a su vez favorece la transformación de la mujer. En un primer nivel de interpretación, ambas obras resaltan sin duda el papel de la mujer como destructora del hombre.
Tu situación, una vez que tomas conciencia, no puede ser la que era antes y no hay vuelta atrás.
EL VERDUGO
Rafael Azcona y El Verdugo
La muerte y el leñador es la adaptación cinematográfica de una triste fábula de La Fontaine. Por tanto, este sketch supone, aparentemente, un gran avance en relación a Plácido, en la absoluta soledad del protagonista y en su incomprensión por parte de la sociedad. Por tanto, el personaje de José Luis parece muy propio de Azcona (y de Flaiano, como señalaremos más adelante) y su profundización en el universo de la incapacidad del individuo frente a la sociedad.
Por otra parte, 1963, año de creación de Krvnik, es también el año de las películas de Ferreri (ya analizadas en su momento) Una storia modern: L'ape regina y La donna scimmia. Sea como fuere, como ya señalamos en el segundo capítulo, antes de la experiencia de Plácido, el humor negro que sería tan característico de sus películas posteriores nunca aparece en el cine de Berlanga. Pero desde El Pisito e incluso antes de su obra literaria, en Azcona el humor negro y la deformación grotesca de la realidad fueron uno de los elementos más inmediatamente reconocibles.
El ruido es infernal y salvo el conductor de la carretilla elevadora, que lleva un casco protector en la cabeza, todos los demás tienen que taparse los oídos: así, con las orejas en las manos, José Luis y Álvarez siguen discutiendo sin entender nada de lo que están están diciendo. .
El Verdugo y Ennio Flaiano
Era un guionista muy adorado por Federico Fellini y, concretamente, ahora que lo pienso, no creo que haya hecho nada en El verdugo.264. Nos parece que el cambio es bastante acertado, porque no era necesario el pesimismo aún más oscuro que se hubiera conseguido con el final original (porque por el comportamiento de José Luis a lo largo de la película ya sabemos que si lo llamarán a otra ejecución, no tendría el valor de negarse) y también habría provocado un cambio de carácter demasiado repentino e injustificado. Otro tema que hemos visto muy típico de Flaiano es el de la costumbre.
Pero el tema de la costumbre aparece especialmente en la última obra que Flaiano publicó en vida: Le ombre bianche. Otro factor en el que pudo haber influido la presencia de Flaiano es el carácter de Carmen. Ya hemos visto que es un personaje singular por su complejidad y profundidad en el cine del dúo Azcona/Berlanga.
Pero no hay que dejar de decir que en su colaboración cinematográfica Flaiano también profundizó en el mundo de la mujer.
El Verdugo hoy
En la película, como vimos, este tema se refleja en el personaje de Amadeo, que después de tantos años de trabajo se ha acostumbrado y ahora parece lo más natural del mundo y no puede entender el rechazo de José Luis. porque el rechazo que él mismo debió sentir años atrás ha sido completamente borrado de su memoria. En efecto, la pieza teatral sigue muy de cerca el original cinematográfico (con las evidentes y necesarias modificaciones debidas al cambio de medio), y consigue la misma fuerza de denuncia y el mismo efecto en el público. El teatro abarrotado se levantó al final de la función para aplaudir a los actores y su excelente trabajo, aunque ya durante la función algunos momentos especialmente exitosos habían provocado aplausos y risas del público.
El viejo verdugo interpretado por Alfred Luchetti, cuya voz recuerda mucho a la de Pepe Isbert, puede parecer un poco más autoritario que el de la versión cinematográfica, pero el resultado es excelente. La interpretación de Juan Echanove (José Luis) es a veces un poco cargada, pero en otras es simplemente magistral, sobre todo hacia el final de la actuación, donde el personaje revela toda su debilidad e indecisión. Aparte de Álvarez, que adquiere una personalidad diferente en la obra, el personaje más alejado de la versión cinematográfica es Carmen.
Esto ayuda a subrayar una vez más la profundidad que tiene el personaje de Carmen en la película, profundidad que permite interpretarla de maneras diferentes (y opuestas), con buenos resultados en ambos sentidos.
Una moglie americana
Análisis de la obra 1. Ficha técnica y artística
Es una película que se enmarca dentro del género de la comedia italiana, que en los años 60 empezó a definirse según esquemas típicos. Al poco tiempo, los valores de los que tanto hace alarde a lo largo de la película se revelan tan falsos y superficiales como él mismo. Lo más interesante de la película seguramente lo encontramos en el choque de mundos que refleja.
Los italianos (o españoles, por qué no) de aquella época se enfrentaban a los americanos, mucho más libres y sin restricciones. Pero los autores van más allá de un simple retrato de la pasividad del protagonista y nos llevan a los extremos de su humillación. No se trata de la caída del hombre, sino de un hombre pequeño que no va más allá de la contingencia más inmediata; e incluso la dificultad de las relaciones no se explora como en el cine de Ferreri.
En cuanto a la visión de Estados Unidos que se desprende de la película, es necesario subrayar que, si bien puede parecerlo en la superficie, no es en modo alguno una visión negativa.
