Un breve y simple glosario para conocer algunos aspectos de los principales movimientos de la música académica del siglo XX y XXI, técnicas compositivas, y formas de graficación e interpretación musical. El mismo fue realizado por el compositor cordobés, Oscar Bazán (1936-‐2004) y posteriormente revisado para este trabajo.
POLITONALISMO: La simultaneidad y superposición de diferentes tonalidades. Su sistematización pertenece a Darius Milhaud. Innumerables compositores
exploraron la politonalidad a principios de siglo. Stravinsky da un claro ejemplo en Petruchka.
RUIDISMO: En 1912 surgen músicos futuristas en Italia que se declaran ruidistas. Los conocidos Intonarumori (hacedores de ruidos) de Luigi Russolo
intentan imponerse desde 1914.
ATONALISMO: Música sin centro tonal. Abandono de las funciones armónicas y emancipación de la disonancia. El opus 11 de Schoenberg es considerada la
primera obra atonal. Coincide con el abandono de la figura en la plástica expresada en las Improvisaciones de Kandinsky en 1909 (primeras obras pictóricas abstractas)
DODECAFONISMO: El mismo Schoenberg organiza el supuesto caos atonal en una serie de alturas que deberá respetarse durante toda la obra, basándose
en el total cromático y pretendiendo dar igualdad a todas las alturas, sin jerarquizar ninguna. Esta serie es la materia prima de alturas para organizar la composición y se somete a varias operaciones tradicionales: retrogresión, inversión y retrogresión de la inversión de la serie elegida.
SERIALISMO: el mismo sistema de organización de las alturas es series es utilizado en otros parámetros musicales: se hacen series de duraciones,
intensidades, ataques, articulaciones, etc. Los precedentes los sienta Messiaen y Pierre Boulez es un firme cultor de esta técnica a mediados del siglo XX.
ALEATORIO: Como contraposición a una extremada determinación (la música serial), surge la obra abierta que posibilita la intervención creativa del
intérprete que ayuda a completar la idea musical propuesta. Alea significa azar y da a entender que la obra nunca sonará dos veces igual. Compositores ensayan llegar a sonoridades de riqueza serial sin tener que recurrir a la complejidad del solfeo y la lectura tan medidos. Cage es uno de los representantes activos de este movimiento.
CONCRETA: A fines de la década del ‘40 se producen experiencias grabadas en cinta, que a manera de collage sonoro abren el camino a una nueva “pintura
musical”. Pierre Schaeffer, con la ayuda de Pierre Henry graba la Sinfonía para un Hombre Solo (1948) e inaugura una nueva música sin partitura.
ELECTRÓNICA: En Alemania (Colonia) se crea el primer laboratorio para la grabación de experiencias sonoras con el control de los parámetros acústicos
(hertz, decibeles, medidas de cinta). Se genera la música electrónica con la premisa de solo utilizar ondas electrónicas puras. Stockhausen y Eimert son sus primeros músicos.
INFORMALISMO: Las experiencias grabadas (música concreta y electrónica) hicieron replantear la estructura del hecho musical, e influenció notablemente
en la música instrumental de origen acústico. El devenir climático y colorístico es la búsqueda de un grupo de compositores de mediados del siglo XX.
NEO CLÁSICO: Aquellos músicos que negaron olvidar la herencia clásica esbozaron formas antiguas con nuevos estilos armónicos o melódicos. No sólo los
rusos con su “colectivismo” inteligible (Shostakovich, Prokofief) sino otros grandes nombres como Hindemith con su Ludus Tonalis que rememora el consumado arte de J. S. Bach.
NUEVA LUTHERÍA: La experiencia electrónica deja otra motivación: la sugestión tímbrica que es abordado por el instrumento tradicional en la búsqueda de
nuevas posibilidades sonoras, y la incorporación de objetos que modifican la sonoridad del mismo (piano preparado) También objetos insospechados se convierten en nuevos instrumentos. Nuevos instrumentos son creados específicamente para determinados requerimientos estéticos.
ELECTROACÚSTICA: El término se acuña por la convergencia de las experiencias concretas y electrónicas, o sea el uso de toda posibilidad de expresión
grabada. En el “Canto de los Adolescentes”, Stockhausen mezcla voces de niños y sonidos electrónicos puros (1956).
GRAFISMO: El grafismo no apela a una estética ni a un sistema compositivo sino a una manera nueva de escribir la música. Acaso la música aleatoria tuvo
necesidad de este nuevo código y así también las músicas que apelan a recursos no tonales (objetos o sonidos electrónicos). El grafismo analógico pertenece al ordenamiento proporcional en las coordenadas, pero el grafismo de impulso sugiere una libre interpretación.
HUMANISMO: Corriente polaca (desde Lutowslavsky hasta Penderecki) que intenta resignificar la emocionalidad, sin abandonar las técnicas adquiridas,
evitando la pura especulación racional y técnica.
ESTOCÁSTICA: El azar controlado matemáticamente es la estocástica. Su inventor y cultor: Iannis Xenakis.
POST SERIALISMO: Sin apelar al riguroso orden serial, el músico evoca la riqueza estructural de la música puntillista. Compositores que trabajaron en el
serialismo, se liberaron de sus reglas pero no de su influencia (Brown, Berio, Boulez, etc.)
ACCIÓN MUSICAL: El uso de cada instrumento en su máximo potencial tímbrico, apela a recursos nada convencionales que suele extremar las actitudes y
gestos del intérprete (tocar dentro del piano, golpear partes del instrumento, etc.), pero sin llegar a lo teatral. La nueva luthería anticipó este camino.
TEATRO MUSICAL: Este movimiento propone que todo lo que acontece en la escena es música: los movimientos, gestos, luces, espacios y silencios.
Mauricio Kagel tiene en su frondosa literatura muchos ejemplos. John Cage es el máximo cultor.
ESTADÍSTICA: El control numérico de los elementos sonoros (parámetros acústicos) sin un orden serial genera una música cuyo resultado se asemeja al
puntillismo integral. Bo Nilsson utiliza 24 intensidades que van de 0’0 (silencio) hasta 12,0 (lo más fuerte posible). Stockhausen en su Klavierstücke II incorpora valores irracionales de casi imposible lectura y otras dificultades extremas para generar una fuerte tensión en el intérprete que receptará la audiencia.
MÚSICA de PARTICIPACIÓN: El público hace o completa la obra. Nam June Paik (FLUXUS) apaga la luz de la sala para desencadenar la protesta o la reacción
hilarante del público. Juan Hidalgo (ZAJ) reparte sobres con diferentes papeles sonoros para que el público desprevenido, al abrirlos genere la “música” deseada.
EXOTISMO: A partir del impresionismo se incorporan influencias orientales y africanas. Se busca realimentar la fuerza expresiva con los elementos exóticos
o de otras culturas poco frecuentadas. (Harry Partch)
ARCAISMO: Evocaciones medievales, arcaicas y primitivas, se oponen al paisaje sonoro de la música hiperracional.
COLORISMO: Cual neo-‐impresionista, el objetivo máximo puede ser el hecho tímbrico. Ligeti estructura una materia sonora rica acústicamente. La
experiencia electrónica dejó su influencia en la literatura instrumental (Penderecki)
CIBERNÉTICA: La computadora es principio y a veces centro (Milton Babbitt, König) del pretexto creativo. Lejaren Hiller desarrolla ideas que el ordenador
estructuró. A modo de aventura la mano del hombre solo “roza” el resultado.
NO TEMPERADO: La necesidad de nuevos sonidos se extiende a la altura que incorpora valores inferiores al semitono. La música ruidista (Russolo, Cowell)
prepara el camino. Ionisation de Varese, los pianos preparados (Cage) y la experiencia electroacústica invitaron a una nueva percepción de las alturas.
MICROTONAL: Obouhow, Widchnegradsky, Alois Haba, diseñaron divisiones simétricas microtonales. El potencial de discriminación tonal va creciendo.
Oriente es un buen referente para asimilar una nueva cultura tonal. Harry Partch construye una escala de 43 partes y los instrumentos necesarios para poder ejecutarlas.
CONCEPTUAL: Un arte de idea. Camino de contemplación personalizada. Un poema puede ser una partitura (Bussotti), una partitura puede ser una pintura
(Kandinski). Todo es posible en la interioridad del espectador. El grupo ZAJ (España) hace un concierto por correspondencia (Tomás Marco, Juan Hidalgo, Walter Marchetti)
IDEOLOGISMO: Se puede hablar de música comprometida (Luigi Nono). El ideologismo perdura en la música de compromiso social, político o espiritual. NEO EXPRESIVISMO: La secuela del serialismo integral vació de emoción al hecho musical. Los no especuladores de las matemáticas o lo nuevo por lo
nuevo, buscan un camino que rescate el sentimiento (El humanismo polaco, Wolfgang Rihm, etc.)
MINIMALISMO: Terry Riley, Frederic Rjewski abren el camino del minimalismo. Steve Reich, John Adams, Dave Heath, Philip Glass confirman el camino de la
repetición con variaciones microperceptivas.
AUSTERA: Propone la limitación del material sonoro, una minimización que deja espacio a lo emocional o a las posibilidades de ruptura en sectores no
repetitivos. Se jerarquiza lo simple.
INTELECTUALISMO: Los que solo buscan la solidez de la estructura musical (Nilson, Boulez), se inclinan por continuar el camino post-‐serial aunque se
sacrifique la emoción y hacen prescindible la expresión sentimental (Stockhausen)
MESOMUSICALISMO: Músicos preparados que no quieren separarse del oyente medio y tratan de acceder al consumo masivo (Brian Eno, Glass, etc.) MULTIMEDIA: El ordenador personal (PC) ayudó a la expresión integrada de varias disciplinas (plásticas, sonoras, literarias), pero recordemos que los
NUEVA SIMPLICIDAD: A una sociedad tecnológica y ultradinámica se le opone una expresión reflexiva, apacible, con poca información, como desafío.
(Gorecki, Arvo Pärt)
EXPERIMENTALISMO: A veces como hiper-‐vanguardismo (La Monte Young, Takehisa Kosugi, Alison Knowles, Allan Kaprow) o simplemente en posición de
“buscadores” independientes (Henry Pousseur, Dieter Schnebel, Dieter Kaufman, Folke Rabe, Jan Bark), hay siempre una nueva “ventana” o un nuevo ismo por descubrir.
ESPACIALISMO: El espacio físico en donde se desarrolla la composición se torna fundamental en la estructuración discursiva y formal de la obra. Los
antecedentes son muy antiguos y los podemos ubicar en Venecia* (ver nota al pié de pág.) de fines del renacimiento, cuando los compositores jugaban con los coros de la iglesia para generar efectos estereofónicos de gran expresividad. En la actualidad, el espacio forma parte de los elementos estructuradotes de la pieza musical. Esta corriente la encontramos tanto en la música de origen acústico, mixto o electroacústico.
ESPECTRALISMO: El estudio minucioso del sonido en laboratorios fue significativo para el surgimiento de una corriente musical que se apoya en los
conocimientos acústicos para generar piezas musicales en donde las cualidades del sonido son fundamentales para la construcción del discurso.
El Espectralismo es un género musical originado en Francia en la década de los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt). La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa
principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre.
El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux,Marc-‐André Dalbavie, Jean-‐Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citar algunos.
MULTIPARAMETRISMO: Partiendo de la utilización de técnicas ampliadas en el instrumento, el conocimiento del sonido, y la creencia que la escritura
musical debe cambiar para representar a fondo el pensamiento del compositor, se generó una corriente musical compleja que resignifica un tipo de notación musical especial donde se deja constancia de cada aspecto que se debe tener en cuenta para la producción de un sonido determinado.
NUEVA COMPLEJIDAD: Se puede comprender a la nueva complejidad como una continuación extrema de las corrientes post seriales, en donde la escritura
musical es de extrema complicación (sin llegar a lo multi paramétrico), y puede ser ejecutada por muy pocos instrumentistas.
Muchas veces el instrumentista debe tomar una decisión con respecto a la partitura (que tocar y que no) teniendo en cuenta sus propios límites técnicos en la ejecución de las piezas.
Nota: *Muchas de las obras escritas por el compositor Veneciano Giovanni Gabrieli fueron compuestas pensando en la sonoridad de la gran basílica de San Marcos, donde trabajó como organista y maestro de capilla desde el año 1585 en el que ganó la plaza por concurso.
El extraordinario refinamiento de la corte de los dux de Venecia, en la cual sirvió, le dio muchas oportunidades de componer obras de gran envergadura, con dobles y hasta triples coros, ya que en el año 1586 se añadió a la basílica una tercera plataforma con un tercer órgano.
POLIESTILISMO: Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna. Compositores
poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio,William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Ezequiel Viñao, Frank Zappa y John Zorn.
NEORROMANTICISMO: El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años del siglo XX continúa en el período
contemporáneo, aunque no se le considera chocante o controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por
ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.
NEOTONALISMO: El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el atonalismo. Dentro de este género se engloban compositores que utilizan de nuevo la tonalidad después de que ésta fuese marginada en gran medida por las corrientes del género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy amplio que unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo compositor neotonal puede contar dentro de su producción musical con obras neorrománticas, electrónicas o eléctricas. En este género también se emplean técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine, étnica, e incluso el propio atonalismo del siglo XX, confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de composición sino una libertad de
expresión que quedó truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del siglo. Existen muchos compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones en el ámbito atonal, han regresado a esta forma, incluyendo elementos tradicionales que son de una mayor aceptación por el público. Baste como ejemplos de compositores actuales neotonales los citados más arriba: John Corigliano,John Rutter, Arvo Pärt, Henryk Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J. Colomer y Román Alís. LIBRE IMPROVISACIÓN: Libre improvisación o improvisación libre es música improvisada en muchos casos sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La libre improvisación, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EEUU en la mitad y fines de la década de 1960 en mucho en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
BIBLIOGRAFÍA y PARTITURAS
Apuntes de cátedra. Autor: Claudio Bazán. Córdoba. 2006-‐2012
“La estructura de la Música” R. Erickson. Vergara Editora. Barcelona 1959 “Diccionario de Música y Músicos” Axel Roldán. El Ateneo. 1997.
“Enciclopedia Moderna del Conocimiento Universal – Música” R. Stephan. Compañía General Fabril Editora. Buenos Aires, 1964. “Educación Audioperceptiva” Garmendia y Varela. Ricordi, Buenos Aires 1982.
“Método para leer y escribir música” M. Del Carmen Aguilar. Buenos aires. 1998. “Adiestramiento elemental para músicos” Hindemith Ricordi. Buenos Aires. “Pauta”-‐ Cuadernos de Teoría y Crítica Musical 1 y 2 – autores varios
“Lulú” – Revista de Teoría Musical – 1 – 2 –3 – autores varios “Oír, aquí y ahora” Paynter, John. Ricordi-‐
“Puntos de Referencia”. Pierre Boulez. Editorial Gedisa. Barcelona 2001. “Proyectos sonoros” Brian Dennis. Ricordi. Buenos Aires 1975
“La notación de la música contemporánea” Pérgamo. Ricordi. Buenos Aires 1973 “Tratado de los objetos musicales” – Pierre Schaeffer-‐ Alianza Editorial. Barcelona 1988 “Introducción al pensamiento complejo”. Edgar Morin. Gedisa editorial. 1990
“Aprender a escuchar música” – María del Carmen Aguilar-‐ A. Machado libros. Barcelona 2002 “La música contemporánea “Guillermo Graetzer. Ricordi Buenos Aires 1980
“Método para leer y escribir música “ Melodías atonales y escalas por tono Vol. I y II. María del Carmen Aguilar. 1998 “La repetición en música” – Adriana Cornú. Universidad Nacional del Litoral. 2007
Partituras: Le Sacre de Igor Stravinski, De Natura Sonoris de Penderecki, Ionotation de E. Varese, el Opus completo de A. Webern, piezas breves de Bartok, Prokofiev, Schoemberg, Ginastera, Suite Lírica de A. Berg, piezas de C. Ives, piezas de Boulez, Ligeti, Berio, Reich, Mirlo Negro y otras piezas de O. Messiaen, piezas de Xenakis, Dusapin, Debussy, Ravel, Satie, piezas de Honegger, J. C. Paz, Gandini, O. Bazán.