Aportes para la interpretación y solución de dificultades técnicas para la trompeta a partir del estudio de la oObra Legend de Georges Enesco

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(1)TEMA: OBRA LEGEND DE GEORGES ENESCO. TITULO: APORTES PARA LA INTERPRETACIÓN Y SOLUCIÓN DE DIFICULTADES TÉCNICAS PARA LA TROMPETA A PARTIR DEL ESTUDIO DE LA OBRA LEGEND DE GEORGES ENESCO. MARIO ALEJANDRO GUARÍN IBARRA COD: 20062098012 Docente Tutor: Edna Rocío Méndez Pinzón MONOGRAFIA. UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS FACULTAD DE ARTES ASAB BOGOTÁ ABRIL 2018.

(2) APORTES PARA LA INTERPRETACIÓN Y SOLUCIÓN DE DIFICULTADES TÉCNICAS PARA LA TROMPETA A PARTIR DEL ESTUDIO DE LA OBRA LEGEND DE GEORGES ENESCO. Mario Alejandro Guarín Ibarra. UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS FACULTAD DE ARTES ASAB BOGOTÁ ABRIL 2018.

(3) APORTES PARA LA INTERPRETACIÓN Y SOLUCIÓN DE DIFICULTADES TÉCNICAS PARA LA TROMPETA A PARTIR DEL ESTUDIO DE LA OBRA LEGEND DE GEORGES ENESCO. Presentado por: Mario Alejandro Guarín Ibarra. Director: Edna Rocío Méndez Pinzón. Trabajo presentado como requisito para optar por el título de Maestro en Artes Musicales. UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS FACULTAD DE ARTES ASAB BOGOTÁ ABRIL 2018.

(4) TABLA DE CONTENIDO INTRODUCCIÓN 1 JUSTIFICACIÓN. 3. 2 PREGUNTA PROBLEMA. 4. 3 OBJETIVOS. 5. 3.1 OBJETIVO GENERAL. 5. 3.2 OBJETIVOS ESPECÍFICOS. 5. 4 ANTECEDENTES. 6. 5 MARCO TEÓRICO. 8. 5.1 CONTEXTO HISTÓRICO DE GEORGES ENESCO. 8. 5.2 ANÁLISIS MUSICAL DE LA OBRA PARA TROMPETA Y PIANO DE GEORGES ENESCO. 8. 5.3 SOLUCIÓN DE DIFICULTADES TÉCNICAS EN LA TROMPETA Y APORTES A LA INTERPRETACIÓN DE LA PIEZA PARA TROMPETA Y PIANO DE GEORGES ENESCO 6 METODOLOGÍA. 9 11. 6.1 COMPONENTES DE LA PROPUESTA. 11. 6.2 RECURSOS DE APOYO METODOLÓGICO. 11. CAPÍTULO I. CONTEXTUALIZACIÓN HISTÓRICA. 12. 1 ROMANTICISMO. 16. 1.1 ROMANTICISMO TARDÍO. 18. 1.2 POST ROMANTICISMO. 19. 1.3 CARACTERISTICAS MUSICALES SOBRESALIENTES DEL ROMANTICISMO. 19.

(5) 1.4 FORMAS Y GÉNEROS MUSICALES DEL ROMANTICISMO. 21. 2 NACIONALISMO. 28. 3 IMPRESIONISMO. 29. 4 HISTORIA DE LA TROMPETA. 31. 4.1 EL BARROCO Y LA TROMPETA NATURAL. 40. 4.2 TROMPETA DE LLAVES. 45. 4.3 LA TROMPETA EN EL CLASICISMO. 45. 4.4 TROMPETA DE PISTONES SIGLO XIX. 48. CAPÍTULO II. ANÁLISIS DE LA OBRA LEGENDE DE GEORGES ENESCO. 51. 1 FORMA. 52. 2 MATERIAL TEMÁTICO. 54. 2.1 SECCIÓN A: EXPOSICIÓN. 54. 2.2 SECCIÓN B, DESARROLLO. 72. 2.3 SECCIÓN A`, REEXPOSICIÓN. 84. CAPÍTULO III. PROPUESTA PARA LA SOLUCIÓN DE DIFICULTADES TÉCNICAS EN LA TROMPETA EN LA OBRA LEGEND DE GEORGES ENESCO. 89. 1 CONSIDERACIONES TÉCNICAS GENERALES. 89. 1.1 CAMBIOS DINÁMICOS. 89. 1.2 DOBLE Y TRIPLE STACCATO. 96. 1.3 CROMATISMOS Y ESCALAS. 103. 1.4 REGISTRO AGUDO. 108. 7 CONCLUSIONES. 112. 8 BIBLIOGRAFÍA. 113. ANEXOS. 115.

(6) INTRODUCCIÓN Una de las principales inquietudes del intérprete profesional es encontrar la metodología que le permita conocer a profundidad el sonido propuesto por el compositor en su obra. El planteamiento sonoro de un compositor va más allá de lo plasmado en las partituras; es una construcción que en gran medida se transmite de forma oral en las dinámicas propias de la relación maestro – estudiante o en el medio musical de los conciertos, muchas veces a través de la imitación. Por otra parte, con el pasar de los años han ido apareciendo diversidad de ediciones de obras, en las cuales se modifican o adicionan elementos gramaticales como acentos, ligaduras, adornos, etc., cuya función es desarrollar lo interpretativo, pero quizás muchas de estas no son las más adecuadas teniendo en cuenta la propuesta original del compositor. A raíz de esto surgen inquietudes acerca de la correspondencia entre la versión escrita de una obra y la idea original del compositor. El trabajo “Aportes para la interpretación y solución de dificultades técnicas para la trompeta a partir del análisis de la obra Legend de Georges Enesco” tiene como objetivo principal aportar información detallada al estudiante de trompeta sobre los aspectos sonoros del instrumento que debe tener en cuenta para la interpretación de esta obra. Estos aspectos propios de la obra de Georges Enesco se obtienen a partir de varias estrategias: La primera es una contextualización histórica y social de la obra a partir de la revisión de la vida del compositor, sus inclinaciones musicales, sus propósitos compositivos y el desarrollo de su estilo a lo largo de su vida, información elaborada con base en lo registrado en diferentes publicaciones. La segunda es el análisis musical general de la obra “Legend” con el fin de estudiar en detalle su forma, sus características, cambios y funciones armónicas, fraseo, motivos rítmicos y melódicos, entre otros aspectos. Para esto, luego de las correspondientes revisiones de. 1.

(7) documentos, se hizo una selección de trabajos de grado de estudiantes de la Facultad de Artes ASAB que contienen análisis con propósitos y características similares a las propuestas en éste proyecto, haciendo los ajustes pertinentes para el caso de esta obra. Por otro lado, el desarrollo del proyecto fue creando la necesidad de profundizar en los elementos escalísticos y armónicos propios del periodo en el que fue escrita la obra, para lo cual se estableció como referente el texto Armonía del Siglo XX de Persichetti, en el cual hay un capítulo dedicado a las escalas sintéticas y otro que desarrolla los acordes por terceras. La tercera es la compilación de registros de audio que sirven de soporte para aclarar el sonido propio de la obra y, en general, de la propuesta de Enesco. Los audios permiten conocer el criterio de diferentes estudiosos de la obra de este compositor, llegando a la unificación de conceptos sobre la forma adecuada de interpretar ésta obra. La cuarta es la revisión de métodos completos para trompeta, con base en los cuales se definen ejercicios, variaciones de estos ejercicios y rutinas que facilitan la ejecución de la trompeta a la hora de interpretar dicha sonata.. 2.

(8) 1. JUSTIFICACIÓN El presente trabajo contiene información precisa acerca de los elementos que se deben tener en cuenta para la interpretación la obraLegende de Georges Enesco; esto convierte este trabajo en una herramienta importante para el estudiante de trompeta que quiera abordar el estudio de esta obra. Incluye diferentes ejercicios que pueden ser de gran ayuda a la hora de solucionar dificultades técnicas que se presentan en la obra de este compositor y otros con propuestas similares. Por otra parte, esta obra hace parte de las más importantes y representativas del repertorio musical de la trompeta clásica, al punto de que se ha convertido en una pieza casi obligatoria en el proceso de formación profesional universitario de un trompetista. En este sentido aporta a los estudiantes de trompeta una guía de elementos y procedimientos a tener en cuenta para abordar su estudio; así mismo, es de gran utilidad para el profesor ya que facilita su labor pedagógica al brindarle un desglose de la obra y la descripción de sus elementos musicales. Un tercer aporte se dirige a los instrumentistas que desean interpretar obras de este compositor, ya que este trabajo brinda elementos generales que contextualizan la obra de Enesco y resalta las características de su lenguaje, lo que extiende el efecto de la propuesta a toda la obra del compositor.. 3.

(9) 2. PREGUNTA PROBLEMA ¿Cuáles son los elementos que caracterizan el sonido de la propuesta musical de Georges Enesco y cómo obtener una interpretación adecuada de su obra Legende?. Este proyecto muestra cómo a partir del estudio de la obra se desarrollan aspectos técnicos como el sonido, la resistencia, la articulación y los intervalos, entre otros, y se abordan conceptos interpretativos como la conducción de frases y el timbre, todos estos aspectos de la formación del trompetista que ayudan al crecimiento técnico e interpretativo. Para esto, se considera fundamental el estudio del contexto histórico musical de la obra y, en general, de la propuesta del compositor, el análisis de la obra y la ubicación de los problemas técnicos que plantea su ejecución.. La obra Legende implica un proceso de perfeccionamiento de los elementos técnicos e interpretativos de la trompeta por su complejidad armónica y su carácter interpretativo. En esta obra el sonido del instrumento solista adquiere un desarrollo tal que supera lo que hasta ese momento se había explorado. Con el desarrollo del trabajo se pretende hacer un aporte a la interpretación de la obra teniendo en cuenta su estilo, mirando retrospectivamente la época en la que fue creada para que este viaje al pasado permita una interpretación más fiel a lo que el autor quería.. 4.

(10) 3. OBJETIVOS 3.1 OBJETIVO GENERAL Aportar herramientas a los estudiantes de trompeta para la interpretación adecuada de la obra de Georges Enesco a través del análisis y estudio integral de la obra Legende. 3.2 OBJETIVOS ESPECÍFICOS. Contextualizar histórica y musicalmente la obra escogida en aras del mejoramiento de la interpretación de la obra. Conocer las corrientes compositivas de la época del autor a través de la investigación de su vida y obra. Conocer la historia de la trompeta y su evolución. Relevar los elementos sonoros que caracterizan la obra de Georges Enesco a través de un análisis complejo e integral de la obra Legende. Ubicar dificultades técnicas que se presentan a la hora de estudiar la obra y brindar herramientas técnicas para solucionar las dificultades técnicas referenciadas Lograr una interpretación pertinente de la obra seleccionada.. 5.

(11) 4. ANTECEDENTES Al iniciar el largo camino como trompetista, uno de los primeros aspectos que se encuentra es la gran variedad de obras escritas para el instrumento; muchas de estas requieren un nivel técnico bastante alto al igual que un conocimiento profundo del periodo en el que fueron creadas. Al respecto, Legende fue creada en el periodo pos-romántico y forma parte del repertorio obligado para todos los estudiantes de trompeta; realizar su análisis y contextualizarla históricamente, además de aportar ideas para la interpretación, constituyen gran parte de la motivación para su estudio. El tema del proyecto de grado se fue configurando a partir de varias preguntas en torno al cómo tocar o cómo realizar ciertos pasajes del repertorio estudiado en las clases. A partir de ahí se fueron archivando datos importantes de los estudios, en los cuales se desarrollaron aspectos técnicos como la articulación, el registro, los cromatismos y los cambios dinámicos; esto ha servido para conformar un bagaje que es de gran utilidad en lo relacionado con los aportes a la solución de problemas técnicos. Por otra parte, en los diferentes talleres relacionados con la trompeta, en los que el autor de este documento participó, siempre se habló de la forma correcta de tocar el instrumento, pero pocas veces se le dieron respuestas concretas a ciertos problemas que tienen los instrumentistas. De allí se creó la necesidad de elaborar diferentes recursos técnicos a partir de ideas o sugerencias de los maestros de trompeta, intentando superar los problemas expuestos por los instrumentistas. En cuanto a los referentes teóricos, en la tesis Análisis técnico interpretativo de cuatro obras para trompeta compuestas por: Alexander Goedicke, Alexander Arutunian, Vassily Brandt y Jean BaptisteArban, del Proyecto Curricular de Artes Musicales de la Facultad de Artes ASAB (Universidad Distrital, 2011), Alejandro Betancur Herrera desarrolla un análisis. 6.

(12) técnico-interpretativo de varias obras escritas para trompeta por varios compositores del periodo romántico. Este trabajo fue un antecedente importante para el proyecto actual, ya que brinda varias formas de análisis y pautas sobre la manera de realizar un trabajo académico basado específicamente en el repertorio musical para trompeta. Otro de los referentes que brindó herramientas de análisis para este proyecto fue el trabajo de grado Consejos prácticos para el abordaje e interpretación del concertino para trompeta de André Jolivet, del Proyecto Curricular de Artes Musicales de la Facultad de Artes ASAB (Universidad Distrital, 2015), en el cual Luis Carlos Pulido realizó un análisis técnicointerpretativo que aporta ideas para abordar y dirigir la obra en mención, además de realizar una contextualización histórica. En el Diccionario Oxford de Percy A. Scholes (1964) se encuentra información completa en el campo musical con gran cantidad de datos históricos, biografías, significados de términos musicales, entre otros. Por último, la tesis de Danny Suarez Análisis de seis aspectos técnicos interpretativos en tres obras representativas para saxofón alto del Proyecto Curricular de Artes Musicales de la Facultad de Artes ASAB (Universidad Distrital, 2009), es un análisis de tres obras a partir de cuatro aspectos técnicos fundamentales en la ejecución del saxofón: timbre, volumen, duración y ataque. Se contextualizan históricamente las obras al igual que los compositores para tener más claridad a la hora de hablar de la correcta interpretación.. 7.

(13) 5- MARCO TEÓRICO. 5.1 Contexto histórico de Georges Enesco. El libro de Joaquín Navarro El mundo de la música, grandes autores y grandes obras (2002) tiene dos partes, una de lectura y otra de escucha. La parte de lectura tiene varias secciones; una de estas hace un recorrido por la parte histórica de la música de la práctica sinfónica desde sus inicios hasta la contemporaneidad, sus transformaciones en el tiempo a través de los diferentes géneros, compositores y obras; otra sección de esta parte está dedicada específicamente a las piezas más representativas de la música; y otra sección tiene un diccionario donde brinda definiciones del vocabulario musical. Esta parte de lectura aportó información valiosa sobre el contexto social de la obra de Enesco. En el libro La música del Siglo XX (1979), el señor Eric Salzma realiza un estudio de la música de la época en la que se desarrolló la obra de Enesco: compositores, obras, estilos, escuelas y formas. Abarca también gran información de lo social, de cómo los compositores se ven afectados por la Segunda Guerra Mundial y la influencia de este hecho en sus vidas. Este libro es de suma importancia para este proyecto porque tiene información exacta del estilo de composición y de cómo se va transformando al pasar el tiempo, lo que permite tener datos de la manera como se interpretaba la música de Enesco. 5.2 Análisis musical de la obra para trompeta y piano de Georges Enesco En la tesis Análisis técnico interpretativo de cuatro obras para trompeta (2011), Alejandro Betancur da a conocer el resultado del estudio de varias obras del repertorio obligado para trompeta, en el cual desarrolla varias formas de análisis y aporta ideas para la interpretación de las piezas. Este trabajo se convirtió en una propuesta a seguir para el análisis que se muestra en este documento.. 8.

(14) En la tesis de Danny Suárez, Análisis de seis aspectos técnicos interpretativos en tres obras representativas para saxofón alto, desarrolló un estudio en el cual destaca aspectos como timbre, volumen, duración y ataque, por lo cual se convierte en un documento de gran ayuda para la elaboración de éste proyecto. El trabajo Consejos prácticos para el abordaje e interpretación del concertino para trompeta de André Jolivet, Luis Carlos Pulido desarrolla de una forma muy similar a la que se mostrará en este documento; realiza un análisis formal de la obra, contextualiza históricamente al compositor y propone varios ejercicios para facilitar la ejecución de la pieza. En el tratado Armonía del siglo XX,VincentPersichetti brinda herramientas para la elaboración del análisis formal de la obra, sirviendo de apoyo para el análisis armónico y la identificación de diversas escalas encontradas en la obra. 5.3 Solución de dificultades técnicas en la trompeta y aportes a la interpretación de la pieza para trompeta y piano de Georges Enesco. El texto Complete conservatorymethodfortrumpetdel trompetista francés Joseph Jean BaptisteArban (1825-1889) es un método completo para el estudio de la trompeta que tiene la gran mayoría de los elementos técnicos fundamentales para ejecutar la trompeta, por lo tanto fue de gran utilidad para el desarrollo de este proyecto. Muchos de estos elementos técnicos son necesarios a la hora de la ejecución de esta sonata, entre ellos se pueden nombrar la articulación suave y fuerte, los arpegios, los intervalos, el control del aire, la flexibilidad y la resistencia. En el proyecto se citan ejercicios específicos de este método y se explican las diferentes formas de estudio, sus variaciones para obtener un buen resultado. En el libro El intérprete y la música de MoniqueDeschaussées, como bien lo reza su nombre, liga la naturaleza del hombre a la música. El autor hace una reflexión acerca del desarrollo técnico instrumental y su tendencia a anular cualquier posibilidad de vulnerabilidad. 9.

(15) del intérprete, ya que esto ha significado que aspectos como la calidad humana, la sensibilidad, la receptividad del mundo no sean tomados en cuenta dentro de las cualidades del intérprete; es por esta razón que el error y la subjetividad, elementos inherentes a lo humano, no se consideren dentro del desempeño. En relación con este último texto, es necesario señalar que la propuesta que desarrolla Análisis y aportes para la interpretación y solución de problemas técnicos para la trompeta se articula con el planteamiento del error como parte fundamental de los procesos de aprendizaje y enseñanza, pues la imperfección está implícita en la condición humana y hace parte del sello que cada instrumentista le imprime a su trayectoria.. 10.

(16) 6. METODOLOGÍA 6.1 Componentes de la propuesta. Para la elaboración de este proyecto se empleó como soporte la descripción cualitativa, ya que le brinda al estudiante de trompeta una herramienta importante para abordar esta obra de Enesco; podrá recurrir a la propuesta para tener una idea más clara de cómo debe estudiar y cómo debe interpretar. En primer lugar, el análisis musical general de la obra Legend destaca los siguientes aspectos: Forma: Estructura musical general de la obra y puntos climáticos. Fraseo: Registro, respiraciones, dinámicas y articulaciones. Ritmo: Métricas y motivos rítmicos recurrentes y característicos. Melodía: Altura, registro, escalística y movimientos melódicos. Armonía: Acordes, funciones armónicas y centros tonales. Color: Timbres, planos y texturas. Indicaciones interpretativas impresionistas 6.2 Recursos de apoyo metodológico. Los instrumentos utilizados para la exposición de la propuesta fueron los siguientes: Partituras y audio de la obra articulados al análisis general. El desarrollo del análisis se tendrá apoyo en diferentes trabajos de tesis y un tratado completo de armonía. Selección y diseño de ejercicios para facilitar el estudio de pasajes y motivos melódicos con alto grado de dificultad. Esta serie de ejercicios están acompañadas de los audios de muestra.. 11.

(17) CAPÍTULO I. CONTEXTUALIZACION HISTORICA. Imagen 1. George Enesco (Tomada de www.biografiasyvidas.com/biografia/e/enesco.htm). George Enesco (Liveni, 19 de agosto de 1881 — París, 4 de mayo de 1955) fue un compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano, considerado uno de los más importantes músicos de su país. Su carrera estuvo profundamente vinculada a Francia. Desde muy pronta edad empezó a demostrar sus dotes artísticas; comenzó a tocar el violín a los 4 años y a los 5 celebró su primer concierto, siendo su profesor a EduardCaudella. Entre los años 1888 y 1894 estudió en el Conservatorio de Viena, teniendo como profesores a Josef Hellmesberger (hijo), Robert Fuchs y SigismondBachrich, entre muchos otros. Se acomodó muy rápido en la vida musical de Viena y sus conciertos, en los que interpretaba obras. de Johannes. Brahms, Pablo. Sarasate, Henri. Vieuxtemps, FelixMendelssohn-. Bartholdy, entusiasmaron a la prensa y al público; para entonces sólo tenía 12 años. Después. 12.

(18) de la graduación del Conservatorio de Viena con medalla de plata, prosiguió sus estudios en el Conservatorio de París (1895-99) teniendo como profesores a ArmandMarsick, André Gedalge, Jules Massenet y Gabriel Fauré. El 6 de febrero de 1898 hizo su debut como compositor en los Conciertos Colonne de París con su obra Poema Rumano. En el mismo año empezó a dirigir conciertos en Bucarest y paralelamente a sus conciertos de violín. Admirado por la reina Elisabeta de Rumania, fue varias veces invitado para tocar sus obras en el castillo Peleş de Sinaia. De los primeros años del Siglo XX datan sus composiciones más conocidas, como las dos Rapsodias Rumanas (1901-02). Sin embargo, el factor más importante en su evolución musical fueron sus antecedentes rumanos y su conocimiento de la música folklórica de su país; en algunas de sus primeras composiciones, como Poema Rumano, se inspiró en los violinistas de origen zíngaro, pero posteriormente intentó distinguir el folklore puramente rumano de los elementos zíngaros. En sus obras sinfónicas y de cámara se encuentran frecuentemente temas de inspiración folklórica. Otras de sus composiciones son: un Concierto para violín, música de cámara (que incluye un octeto para cuerda) y la ópera en cuatro actos Oedipe. Sus obras Suite Nº 1 para orquesta (1903), Sinfonía de Madurez (1905) y Siete Canciones para los Versos de ClémentMarot (1908), así como sus conciertos como intérprete, lo dieron a conocer en muchos países de Europa; en ocasiones fue acompañado de personas prestigiosas como Alfredo Casella, Pau Casals, Louis Fournier y Richard Strauss. Como compositor, no siguió las tendencias de la música francesa de su época, a pesar de ser co-discípulo en el Conservatorio de París de L. Aubert, Ravel, Florent Schmitt y RogerDucasse. Sólo su Segunda suite para piano (1903) tiene influencia de Debussy y de Ravel. Su estilo lírico y polifónico lo vincula sobre todo a Wagner y Brahms.. 13.

(19) Durante la Primera Guerra Mundial permaneció en Bucarest y dirigió la Sinfonía Nº 9 de Ludwig van Beethoven (fue la primera vez que se tocó completa en Rumanía), obras de HectorBerlioz, Claude Debussy y Richard Wagner, y sus composiciones Sinfonía Nº 2 (1.913), Suite para orquesta Nº 2 (1915) y Oedipo (1936). En 1936 tuvo lugar la primera edición del concurso de composición que lleva su nombre: George Enesco. Se cuenta que muchas de sus creaciones fueron compuestas en Sinaia, en su casa de campo de Luminis. En el año 1923 hizo su debut como director en un concierto de la Orquesta Filarmónica de Filadelfia, en la Ciudad de Nueva York. También dirigió la filarmónica de esa misma ciudad entre los años 1937 y 1938. Al año siguiente contrajo matrimonio con MariaRosetti conocida como la Princesa Cantacuzino, buena amiga de la posterior Reina Marie de Rumanía. Durante su estadía en Bucarest, Enesco vivió en el Palacio Cantacuzino en CaleaVictoriei, ahora Museo Nacional George Enescu en homenaje a su trabajo. Entre sus lugares de residencia se encuentran París y Rumania. Después de la guerra, continuó su actividad dividida entre Rumania y Francia. Han quedado para siempre sus interpretaciones del Poema para violín y orquesta de Ernest Chausson y de las sonatas y las partitas para violín de Johann Sebastian Bach. Hizo algunos viajes a Estados Unidos, donde dirigió las orquestas de Filadelfia (1923) y Nueva York (1938). Su actividad pedagógica tuvo también gran importancia. Entre sus alumnos se encuentran violinista como Christian Ferras, Ivry Gitlis, Arthur Grumiaux, Ginette Neveu y Yehud iMenuhin; éste último manifestó un gran cariño y admiración por Enesco, considerándolo como su padre espiritual. Pero luego de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación soviética de su país natal, se estableció por completo en París hasta su muerte.. 14.

(20) Imagen 1. MerryFranquin Jean Baptiste (tomado de https://en.wikipedia.org/wiki/File:Merri_Franquin_1900.jpg). MerryFranquin Jean Baptiste (Lançon, 19 de octubre de 1848, Bouches-du-Rhône, 1934) fue un trompetista, cornetista y buglista francés, profesor de trompeta en el Conservatorio de París desde 1894 hasta 1925. Franquin fue maestro de los grandes trompetistas Georges Mager (1885-1950), solista de la orquesta sinfónica de Boston desde 1919 hasta 1950, y Eugene Foveau (1886-1957) profesor de corneta del Conservatorio de París en 1925. Su colaboración con el compositor rumano Georges Enesco llevó a la composición en 1906 de Légende para el concurso anual de invernadero, actualmente una de las grandes obras del Siglo XX para solo de trompeta y piano. El libro de Franquin, MethodeComplète de la Trompette Moderno de Cornet un Pistones et de Bugle, ha sido de gran ayuda para la enseñanza de muchos trompetistas, en particular Maurice André, uno de los más reconocidos a nivel mundial.. 15.

(21) En cuanto a Thèo Charlier, uno de los logros más notables de su trabajo junto a Georges Enesco fue impulsar el uso de la trompeta en C en las orquestas sinfònicas, sustituyendo a las trompetas en F utilizadas hasta entonces. Su alumno Georges Mager hizo lo mismo en Estados Unidos y actualmente son las más populares. Fue autodidacta en corneta durante cuatro años antes de trasladarse a Marsella . Allí estudió corneta en el Marsella Casino Musical, luego en el PalaisLyrique y en el Théâtre Chave. En 1870 se convirtió en buglista solista con la banda del Marsella Garde Nacional, y en 1872 fue admitido en el Conservatorio de París donde se unió a la clase corneta del famoso trompetista Jean-BaptisteArban.. 1. ROMANTICISMO El romanticismo en la música lo podemos ubicar prácticamente en todo el Siglo XIX e inicios del Siglo XX, es decir entre 1800 y 1920 aproximadamente. Significó un cambio artístico, social, ideológico y político que se originó a partir del pensamiento de libertad, igualdad y libre expresión de las emociones e las ideas del ser humano propios de la revolución francesa, aquella que terminó con la monarquía de Francia, y se extendió por toda Europa. Otra gran influencia fue la revolución industrial que tuvo su origen en el Reino Unido a mitad del siglo XVIII y que trajo consigo los mayores cambios sociales, económicos y culturales de la historia, influenciando décadas más adelante de entrado el siglo XIX a gran parte de Europa. Antes del romanticismo predominó el clasicismo, periodo en el que los artistas se regían por cánones establecidos por los antiguos maestros con base en las ideas de perfección y divinidad. Una de las características que definió la producción musical de esta época fue el hecho de que los músicos fueran asalariados por un rey o por la iglesia; esto hizo que las. 16.

(22) composiciones, en su mayoría, dependieran del gusto del empleador y del público con quien se relacionaba. En el romanticismo hay una mayor independencia del músico gracias a que se promueve la libre expresión, deja de lado las normas y reglas clásicas y prefiere lo real a lo ideal. Todo esto le posibilita al músico el cambio hacia composiciones novedosas, en el marco del cambio de las relaciones económicas: deja de servir a una corte y empieza a recibir ingresos por sus propios medios gracias a la venta de sus composiciones y a la entrada a sus conciertos, o en el trabajo como directores de orquestas y/o como pedagogos. Algunas de las obras de los compositores del romanticismo fueron bien recibidas por el público; otras fueron criticadas y tuvieron dificultades para ser admitidas en el medio por las resistencias de la sociedades al cambio; y algunas no fueron aceptadas definitivamente, por esta razón un gran grupo de artistas terminaron en el anonimato. A pesar de que el movimiento romántico llegó tardíamente a la música, en comparación con la literatura y la pintura, gracias a la libertad de los compositores empezó a vincularse tanto a las altas sociedades como a las más humildes, lo que convierte este arte en uno de los más sobresalientes ya que logra ser un medio ideal para expresar y comunicar sentimientos y emociones consiguiendo alejar del mundo material a las personas. La intención del músico fue transmitir emociones, sin pensar en simpatizar al público, dándole prioridad a sus impulsos. Uno de los más grandes representantes del romanticismo fue Ludwing Van Beethoven, denominado el último clásico y el primer romántico. Fue considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música y una muestra clara de la evolución de la música si se tiene en cuenta que uno de sus maestros fue Joseph Haydn. Beethoven no ocultaba sus pensamientos liberales: se consideraba una persona autónoma y libre, lo cual lo llevaba a reprochar los atropellos de la aristocracia.. 17.

(23) Entre los compositores más importantes del periodo romántico están Beethoven, Weber, Schubert y Field. Entre los años 1830 y 1850, aproximadamente, el romanticismo tiene su mayor auge. Un poco después aparecen Franz Liszt, FelixMendelssohn, HectorBerlioz y Frédéric Chopin, éste último con un gran aporte compositivo para piano. Berlioz se destaca por su famosa Sinfonía fantástica, Franz Liszt por sus composiciones para piano llenas de virtuosismo y Mendelssohn por ser un prodigio que antes de los 20 años ya había compuesto piezas para cuerdas como cuartetos, octetos y orquesta. Otro de los compositores importantes de esta época fue Guiseppe Verdi, reconocido compositor de óperas italianas como RigolletoyLa Traviata. 1.1. ROMANTICISMO TARDÍO Entre los años 1850 y 1890 aproximadamente se puede ubicar esta fase del romanticismo, llamado por algunos como romanticismo tardío. Richard Wagner es sin lugar a dudas uno de los representantes románticos más importantes, ya que fue el primer artista en hacer una ópera a la que él mismo le creó el libreto y la escenografía; se caracterizó por su temperamento fuerte que lo llevó a tener bastantes problemas, en especial por sus opiniones políticas y sociales. También fue objeto de muchas críticas por su forma compositiva caracterizada por sus cambios del centro tonal, el desarrollo del contrapunto y el uso continuo del cromatismo. Wagner mandó a construir un teatro para poder realizar sus óperas a su gusto y actualmente se mantiene vigente para este propósito. Entre sus obras más importantes se encuentran Los Maestros Cantores de Núremberg, El Anillo del Nibelungo, Parsifal y Tristán e Isolda. Un poco más tarde, se puede decir que hacia la mitad del siglo XIX, en la búsqueda de rescatar las músicas populares surge el nacionalismo. Entre los representantes más importantes están Músorgski, de quien se destaca la obra Cuadros de una Exposición; RimskyKorsakov, famoso por las obras Capricho Español y Scheherezade; Chaikovski cuyas obras más. 18.

(24) populares son los ballets El Lago de los Cisnes y Cascanueces, la obertura 1812, el Concierto para Piano No. 1 y la Obertura-Fantasía Romeo y Julieta; y Richard Wagner que es el puente para la exploración de nuevas sonoridades y el desarrollo de la tonalidad y el cromatismo. 1.2. POST-ROMANTICISMO Se puede ubicar a finales del Siglo XIX e inicios del Siglo XX, es decir, en la última etapa del romanticismo. En esta etapa no se puede hablar de un género o un estilo sobresaliente por la gran variedad de influencias y pensamientos de la época; es una mezcla de muchos estilos, a diferencia de los compositores de la primera parte del romanticismo. Nacen grandes músicos que siguen la corriente de Richard Wagner, entre estos Gustav Mahler, SergéiRachmaninov y Richard Strauss cuyas obras exploran el cromatismo en su gran esplendor, con orquestas gigantescas y sonoridades extraordinarias. A la par de la línea wagneriana están Johannes Brahms y ÁntonBruckner que mantienen su estilo con influencias de Beethoven y sus formas clásicas, conservando y dando un trato importante a la sonata; al respecto, aunque ÁntonBruckner se caracteriza por sus sonoridades grandes, en su forma compositiva se asemeja más a las formas tradicionales. Los compositores de esta última etapa del romanticismo tratan de preservar los ideales principales del romanticismo como los sentimientos de libertad, de belleza, de lo exótico en una sociedad que tiene como telón de fondo la frialdad del desarrollo industrial. Se crea un movimiento que reconoce la música de Wagner como fiel al espíritu alemán, lo que se llama Wagnerismo y a sus críticos como anti wagnerismo. 1.3.. CARACTERISTICAS. MUSICALES. SOBRESALIENTES. DEL. ROMANTICISMO Gran riqueza en lo matices, pasando de un pianissimo a un fortísimo en momentos muy cortos, al igual que el uso de crescendos y diminuendos.. 19.

(25) El tempo varía mucho a lo largo de toda la pieza, con cambios de métrica, acelerandos y ritardandos como elementos importantes del romanticismo. Hay superposición de ritmos y métricas; este aspecto crea diferencias entre los compositores por el tratamiento de las rítmicas, por ejemplo, Beethoven utiliza mucho la síncopa en sus composiciones. Hay una gran exploración y creación de timbres, como por ejemplo sonidos de la naturaleza representados por nuevos instrumentos y la incorporación de instrumentos antiguos y de las tradiciones nacionales. Esto hizo que la orquesta creciera en número, casi al doble de músicos (aproximadamente 90, en algunas ocasiones más) y toman mayor relevancia los instrumentos de percusión como triángulo, tamtam, xilófono, timbales, tambor militar, entre otros. Se llevaba al límite técnico a los instrumentistas, ya que los compositores no tenían restricciones a la hora de escribir lo que querían expresar. Esto impulsa la expansión de los registros tanto en el grave como en el agudo; la creación de nuevos instrumentos como el saxofón y la flauta grave en G, por ejemplo; la ampliación del registro que tiene su expresión en el desarrollo de las familias (piccolo, soprano, contralto, tenor, bajo y contrabajo); y el aumento del número de elementos por línea. El piano se convierte en el gran protagonista, ya que es el preferido por los compositores por sus posibilidades polifónicas; se produce una gran cantidad de obras para piano solo y como solista con acompañamiento de orquesta. Se expande la tonalidad a través de varios procedimientos: tránsitos de tonalidad a modalidad, cromatismo y enarmonías; acordes con grados alterados, como la sexta napolitana y el “Acorde Tristán”1.. 1. El Acorde Tristán fue llamado así porque está en el motivo principal de la ópera de Wagner; es el acorde de la dominante pero alterado. Su estructura parte de una nota pedal a la que se le agrega un tritono ascendente, una sexta. 20.

(26) Aunque se mantiene la prevalencia de las formas del clasicismo - como la sonata, el concierto y la sinfonía - estas se vuelven un poco más libres y se expanden. Por otra parte, nacen nuevas formas compositivas. El músico incursiona en la literatura. Hay un desarrollo importante de la música programática. Las composiciones están llenas de simbologías, metáforas y representaciones. Se hizo popular el uso del Opus según el orden de publicación. 1.4. FORMAS Y GÉNEROS MUSICALES DEL ROMANTICISMO El ballet La palabra significa baile. En esta manifestación artística se integraron el baile, la mímica y el teatro. En el romanticismo el ballet adquiere mayor popularidad y alcanza su punto más alto en términos compositivos, técnicos, de escenografía, entre otros aspectos. El compositor se rige firmemente a un libreto, al coreógrafo y a la escenografía. Piotr Ilich Tchaikovsky es uno de los compositores más importantes del romanticismo y uno de los más grandes representantes del ballet con obras como El Lago de los Cisnes, Cascanueces y La Bella Durmiente. El lied En español significa canción. Es una forma musical alemana, por lo general poemas musicalizados, que musicalmente puede tener varias estructuras: el Lied Estrófico(A - A´ A´´), el Lied procedente del rondó (A - B - A - C - A - D - A - E - A, etc.); el Lied de tres estrofas o tripartita (A - B - A). Básicamente se compone de la voz acompañada,. aumentada y una novena aumentada; en la obra de Wagner las notas utilizadas son un pedal en Fa, Si, Re sostenido y Sol sostenido. 21.

(27) generalmente, por el piano; en ocasiones intervienen otros instrumentos pero con formando formatos muy pequeños. Nocturno Es una forma musical de un solo movimiento, inicialmente empleada para composiciones pianísticas. Se caracterizaba por sus melodías románticas y cantábiles cuyos textos evocaban la noche. Su forma estructural es A - B - A, una de las formas más empleadas y populares del periodo romántico en obras de corta duración. Consiste en una melodía cantábile acompañada de acordes en forma de arpegios. A John Field se le considera el padre del Nocturno, ya que fue el primero en llamar con este nombre a las piezas con melodías muy delicadas y llenas de sensibilidad y pasión, algo raro para la época donde predominaba el virtuosismo. El compositor más importante de nocturnos es Frédéric Chopin con 21 en su producción. Tiempo después, algunos compositores hicieron nocturnos orquestales; Félix Mendelssohn compuso un nocturno para orquesta que fue usado como música incidental en Sueño de una Noche de Verano. Nocturno Forma que habitualmente se escribe para piano. En un principio se crearon con la intención de mejorar aspectos técnicos en el instrumento, como cromatismos, intervalos, secuencias de octavas, entre otros. Uno de los más famosos es el Estudio en Do Menor Op. 10, llamado “Revolucionario” del compositor Frédéric Chopin. Los estudios en su mayoría tienen formas libres pero hay una tendencia hacia la forma Lied. A pesar de que son escritos con propósitos técnicos, también son obras llenas de sensibilidad y esto los hizo arte del repertorio de concierto.. 22.

(28) Impromptu Es una forma que se basa en la improvisación del instrumentista. Consiste en una pequeña composición instrumental, libre y de sonoridad brillante, escrita en forma libre pero en un solo movimiento. La forma más común es A - B - A, similar al Lied. Bagatela Es una composición de carácter rápido y no tan extensa. Su forma es A - B - A con una Coda al final. Las bagarelas por lo general se escribieron para piano. Beethoven, Webern y BélaBartók son algunos de los compositores que crearon piezas en esta forma. Barcarola Es una pieza musical escrita en 6/8, con tempo moderato, vocal o instrumental, inspirada en canciones de los gondoleros venecianos. Algunas veces esta forma es introducida en las óperas como uno de los movimientos de la obra. Cadencia Se refiere a un pasaje en el cual el instrumentista o el cantante de una obra, desarrolla una interpretación cuyos contenidos musicales están basados en los temas importantes del concierto. La cadencia puede ser improvisada o puede estar ya creada con anterioridad. Para un mismo concierto se pueden encontrar varias cadencias; esto sucede por lo general al final del primer movimiento pero se puede encontrar en otros. Concierto Forma musical en la cual el desarrollo musical se basa en la relación entre solista y orquesta. Básicamente la obra está escrita para que el solista desarrolle su virtuosismo, sobre todo en las cadencias.. 23.

(29) Forma cíclica Forma compositiva que consiste en el desarrollo de un tema o motivo que se expone y que aparece recurrentemente durante toda la obra, con variaciones de alturas, duraciones, métrica, entre otras. Por lo general termina con el motivo o tema en la misma forma como inició. La Sinfonía No. 5 de Beethoven es uno de los ejemplos de forma cíclica, donde se expone un motivo pero con diferentes orquestaciones. Mazurca De origen polaco. Su métrica es 3/4 y su carácter es moderato. Es una forma conocida dentro de las músicas de salón. Momento musical Pieza instrumental corta, de carácter lírico y con forma tripartita, A - B - A, tomada del Lied, aunque fue compuesto en diferentes formas. Su mayor exponente fue FranzSchubert con sus Seis Momentos MusicalesOp. 94. Polca Pieza instrumental de carácter alegre que tuvo su origen en el Minueto. Su métrica es 2/4 y tempo allegro. Se compone de una introducción, un desarrollo del tema y una coda final. Polonesa Forma musical que nació como una danza en la que se trataron temas diversos de la vida cotidiana. En su origen era una marcha solemne que marcaba el inicio y el fin de la fiesta. Su métrica es 3/4 con velocidad moderada. Poema sinfónico Es una forma musical en la cual se narra una historia en la cual cada personaje es identificado con un instrumento. La audición de la historia se apoya en un guión que se le. 24.

(30) entrega al oyente. Es de forma libre, de un solo movimiento, rico en dinámicas y cambios de ritmo para darle vida a la historia. Preludio En sus inicios el preludio era considerado como una pieza corta que servía de introducción a movimientos más largos como la fuga, la obertura, la ópera, el ballet o el oratorio; su propósito era exponer al oyente los elementos musicales centrales de la obra. También se refiere a una pieza de carácter improvisatorio con la que los instrumentistas verificaban la afinación de su instrumento y los elementos musicales más importantes del desarrollo musical de la obra (escalas y arpegios, por ejemplo). Se le encuentra escrita en forma libre. En el clasicismo perdió protagonismo pero fue rescatada en el romanticismo donde se establece como una forma independiente; ejemplos de esto son Preludio y Fuga Sobre Bach de Franz Liszt, Seis Preludios y Fugas Op. 35 de FelixMendelssohn, 24 Preludios Op. 28 de Frédéric Chopin y 24 Preludios Para Piano de Claude Debussy. Rapsodia Es una composición que se compone de varias partes que no se relacionan entre sí, por lo general unas de carácter lento y dramático y otra las ágiles y alegres. Esta forma se asemeja mucho a la Fantasía o al Rondó. Scherzo En italiano significa broma. Nace del Minueto, forma del barroco, la diferencia básicamente es el carácter y la rapidez, ya que formalmente es la misma, poco a poco los compositores fueron sustituyendo el minueto que es el segundo o tercer movimiento de una sonata y/o sinfonía por el Scherzo, es de carácter alegre generalmente. Beethoven y Schubert fueron los primeros en desarrollar ampliamente esta forma, dándole una importancia considerable al Scherzo, estableciéndose como el tercer movimiento de la sinfonía. Casi en. 25.

(31) todos los casos está en 3/4, pero hay ocasiones donde están en 2/4. Es de forma ternaria A-BA, la parte A es la exposición del primer tema donde se hace generalmente una modulación a la relativa menor o a la dominante, la parte B es un trío la cual es la exposición de un tema nuevo con pocos instrumentos un poco más ligero, no necesariamente tienen que ser un trío en si, en algunas composiciones el Trío aparece dos veces como en la Sinfonía No 6 de Beethoven, la segunda vez con variaciones, esto sucede también en las sinfonías 4,5, y 7 de Schumann. En el siglo XX se ratifica como forma estándar en las sinfonías, algunos compositores la convierten como forma independiente y las desarrollan a tal punto que se vuelven mucho más extensas y libres llegando hasta el margen de la forma, no solo son de carácter alegre si no que también son de carácter oscuro y dramático, como los Scherzos de Chopin, los Scherzi de Brahms son de carácter románticos y apasionados, también hay otros que son considerados de carácter violento como es evidente en las sinfonías de AntonBruckner. Sinfonía Se dice que es una sonata para orquesta. La sinfonía se compone de 4 movimientos: el primero con forma sonata y tempo allegro; el segundo movimiento es lento, adagio y, por lo general, en forma de tema y variaciones; el tercer movimiento fue antiguamente un minueto y trío pero después de Beethoven se vuelve popular el Scherzo caracterizado por la métrica de 3 tiempos en tempo rápido; y el cuarto movimiento en forma sonata o rondó y con un tempo mucho más ágil entre presto y allegro. Se conocen otras formas de sinfonía como la Sinfonía Concertante, término empleado por Mozart para denominar aquellas piezas escritas en forma de sinfonía con uno o más solistas entre la orquesta; no pone a los solistas como centro de las obra sino que posibilita la intervención de éstos dentro del desarrollo musical. Otra de las forma es la Sinfonietta,. 26.

(32) término que se refiere al tamaño del formato instrumental: es más grande que una orquesta de cámara pero menor que una orquesta; este término lo empleó por primera vez RimskyKorsakov. Sonata Con el nombre de Sonata se conoce tanto a una gran estructura musical como al primer tiempo de esa gran forma. La forma Sonata se le denomina a la forma empleada en las sinfonías, conciertos, tríos de cuerdas y cuartetos, compuesta de cuatro movimientos: el 1er. movimiento es allegro cuya forma es la sonata; el 2o. movimiento es adagio o lento y su forma es lied o tema y variaciones; el 3er. movimiento fue antiguamente el minueto de tempo moderato, pero después en el romanticismo se emplea el scherzo de tempo allegretto; y el 4to. Movimiento es presto y puede tener nuevamente la forma del primer tiempo de la sonata o la forma Rondó. En cuanto al 1er. movimiento de la Sonata, tiene la siguiente estructura: Exposición: Tema A en la tonalidad principal. Puente para conectar tonalmente con el tema B. Tema B en la tonalidad relativa o en la dominante de la tonalidad del tema A. Cadencia en tonalidad del tema B. Desarrollo: En esta sección los motivos de los temas A y B se desarrollan entrelazados y se modulan abiertamente; la mayor o menor creación de variaciones sobre estos mismos motivos depende del periodo estilístico del compositor. Re exposición: Vuelven los temas principales; el tema A está en el tono principal pero algunas veces tiene pequeños cambios.. 27.

(33) El puente por lo general no modula y si lo hace, vuelve a la tonalidad inicial. El tema B aparece en la tonalidad principal; al igual que el tema A, tiene pequeñas alteraciones. Cadencia final en el tono principal. Vals Es de origen alemán y significa girar. Es un género danzario y musical de métrica 3/4. En su forma se pueden evidenciar 3 partes: la 1ra. es una pequeña introducción en tiempo lento o adagio; la 2da. empieza ya el tiempo de vals con varios temas, distintos entre ellos, muchas veces en tonalidades diferentes; y termina con una coda final usando motivos desarrollados durante la pieza. 2. EL NACIONALISMO A mediados del Siglo XIX y mediados del Siglo XX se generó en gran parte de Europa un movimiento musical paralelo al romanticismo en su gran esplendor y al posromanticismo. Nace a partir de la necesidad de rescatar y preservar el folclore, y se expresó tanto en la parte música como en lo ideológico, lo conceptual y lo social. En lo musical se instaló en las óperas, en los libretos y en los vestuarios; los compositores basaron sus melodías en armonías y ritmos característicos de sus países. Entre los países más representativos del este movimientos se encuentran Rusia, Polonia, Checoslovaquia, Rumania, Hungría, Finlandia, Suecia, Grecia, España y los países escandinavos, entre otros. Estos países buscaban apartarse un poco del dominio musical impulsado por Francia, Alemania e Italia, no obstante sus estilos compositivos se impusieron en toda europa volviéndose muy populares. Gracias a este movimiento el romanticismo se hace cada vez más rico musicalmente, con muchos elementos por explorar y desarrollar.. 28.

(34) Uno de los primeros compositores en crear obras nacionalistas es Frédéric Chopin con piezas de características folclóricas como las Mazurcas y las Polonesas. Franz Liszt también es uno de los primeros representantes del nacionalismo con sus famosas Rapsodias Húngaras. Hay dos momentos del nacionalismo. El primer momento del nacionalismo, ubicado en la segunda parte del Siglo XIX, se caracterizó por su estilo romántico muy marcado; los compositores más representativos fueron los rusos que, además de rescatar su música folclórica, pusieron contenido político a sus composiciones, en lo que se observó el impacto de la Revolución Francesa que apenas llegaba a Rusia. El segundo momento tuvo un desarrollo mucho más completo musicalmente, con elementos armónicos, rítmicos y melódicos tradicionales del folclor, dejando a un lado el estilo romántico. Las características principales del Nacionalismo son: Se adaptan formas musicales folclóricas al entorno sinfónico y sus formas pasan a ser las más usadas. Una de las formas más importantes del Nacionalismo es la Suite por la posibilidad de componer pequeñas piezas diferentes y contrastantes en una gran forma. Hubo un crecimiento de los elementos armónicos, rítmicos y melódicos. Una de las razones es la inclusión de nuevos conceptos armónicos con influencia asiática, notorio sobre todo en la música Rusa. La música es usada como uno de los símbolos identitarios populares y un apoyo a los movimientos revolucionarios. En las óperas los temas principales son los folclóricos, representados en los libretos y en los vestuarios 3. IMPRESIONISMO El Impresionismo nace como movimiento artístico en el año 1872 a partir de la obra del pintor francés Claude Monet llamada Impression, soleillevant (que traduce Impresión, sol. 29.

(35) naciente). El impresionismo tuvo gran influencia en las demás artes sobre todo en la música y la literatura. El Impresionismo en la música aparece a finales del Siglo XIX por la influencia de los por poetas y pintores franceses. Los representantes musicales más importante son Claude Debussy (1862 - 1918), Maurice Ravel (1875 - 1937) y Erik Satie (1866 - 1925), los tres de nacionalidad francesa. Otro de los principales responsables de la evolución de la música francesa fue Gabriel Fauré, uno de los compositores influyentes en el cambio del romanticismo al modernismo. Desde la antigua Grecia se empleaban las 7 escalas derivadas de la escala jónica y el paso por todos los modos. Este conocimiento pasó después a Roma y finalmente la iglesia lo empleó en el Canto Llano. Durante el barroco también se emplearon, pero hubo una tendencia notoria hacia el uso de la escala mayor el modo Jónico y la menor en el modo eólico. Con la llegada de Fauré a finales del Posromanticismo hubo un nuevo desarrollo de estas escalas y los compositores experimentaron con ellas en busca de colores sonoros, lo que fue la base para el desarrollo del Impresionismo. En el Romanticismo las emociones son el centro de la experimentación; la búsqueda de los compositores es tratar de transmitir los sentimientos. Esto cambia en el Impresionismo ya que la idea principal de la creación es lograr la descripción sonora de un ambiente; aspectos como el clima, el paisaje, el aire, el agua, el mar, la lluvia, un desierto, son representados a través de los acordes, las escalas y los timbres. Las características musicales principales del Impresionismo son: Se utilizan diferentes escalas entre ellas todos los modos (jónico, Dórico, frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, Locrio), las escalas orientales y las consideradas exóticas. Este uso llega a. 30.

(36) caracterizar a un buen número de compositores, ya que utilizaron escalas propias de sus regiones. Se desarrolla el cromatismo con gran intensidad. Las formas más usadas son la sinfonía, el poema sinfónico, la obertura, el rondó, la romanza, la suite y los preludios; sin embargo, son usadas con relativa libertad e, incluso, hay una tendencia hacia las formas sin estructura definida. Hay libertad en el tempo y el rubato es usado a gusto del intérprete, respetando las indicaciones del autor. El aspecto más importante en la composición es la experimentación con los timbres como parte de la búsqueda de crear las atmósferas sonoras. 4. HISTORIA DE LA TROMPETA La trompeta es uno de los instrumentos más populares y reconocidos a los largo de la historia, con una evolución lenta en el tiempo; cuando se habla de la trompeta se tiene que hablar de casi todas las etapas de las civilizaciones. Su nacimiento se puede ubicar entre los comienzos de la humanidad, al lado de la flauta que para muchos es el instrumento más antiguo de la historia. En sus comienzos las trompetas se hicieron con huesos de buey, colmillos de elefantes, caracoles, conchas, cañas de bambú y ramas huecas. Con estos instrumentos las personas crearon nuevos sonidos que se transformaron en sus voces y hablaron por ellos. Los emplearon para sus rituales mágicos y ceremonias religiosas, y se tenía la creencia de que los sonidos producidos por estos instrumentos ahuyentaban a los espíritus. También fueron empleados para las danzas, la caza y la comunicación, creando códigos que más adelante serían empleados en ceremonias de carácter militar. Uno de los instrumentos derivados de esta tradición es el didgeridú, que consta de un tubo largo y ahuecado naturalmente por las termitas. Es de procedencia australiana y fue creado a. 31.

(37) partir de un árbol llamado Yidaki, un tipo de eucalipto que puede tener entre 5 y 13 centímetros de diámetro y puede llegar a crecer más de 2 metros; entre más largo el tubo base del instrumento, más grave es el sonido. En la parte superior del didgeridú se colocaba cera de abejas para evitar daños en los labios. Actualmente es muy utilizado en la práctica de la musicoterapia porque su sonido se asocia a lo relajante.. Imagen 1. Didgeridú (Tomada de https://estrelladanzante.wordpress.com/2011/07/11/el-sonido-v-didgeridoo/) Otro instrumento considerado antecedente de la trompeta es el alpenhorn, más conocido como cuerno de los alpes, elaborado de madera con un largo entre 1 y 4 metros. Su sonido se produce por la vibración de los labios. La parte superior del instrumento es delgada y se va agrandando gradualmente hacia abajo.. Imagen 2. Alpenhorn (Tomada dehttp://www.alphorn.ca/). 32.

(38) Al paso del tiempo, con el descubrimiento de los metales, surgieron nuevas herramientas para la elaboración de instrumentos como el oro, la plata y el bronce; este último fue uno de los más utilizados para la construcción de instrumentos de viento. El bronce reemplazó rápidamente a los cuernos, huesos y caracoles de las épocas anteriores porque era un material fácil para darle diferentes formas y tamaños. En 1922 se descubrieron dos trompetas en la tumba del faraón egipcio Tutankamón, una de plata y otra de bronce; se dice que tienen más de 3000 años de existencia y por su forma se deduce que son de carácter militar.. Imagen 3. Trompetas encontradas en la tumba del emperador Tutankamón (Tomada de: http://marcianosmx.com/las-trompetas-de-tutankamon/) Otros instrumentos de la antiguedad que se consideran antecedentes de la trompeta son: Salpinx Instrumento de viento de la familia de las trompetas, hecho principalmente de metal (plata, hierro o bronce) o madera. Su origen es griego y se cree que la diosa Palas Atenea es la creadora. Este instrumento era empleado principalmente para iniciar los juegos olímpicos, pero también había concursos de intérpretes que consistían en producir el mayor sonido posible en volumen. Su forma es alargada; inicia con un diámetro muy delgado que se expande gradualmente formando una especie de campana.. 33.

(39) Imagen 4. Salpinx (Tomada de: https://es.pinterest.com/pin/349099408594779473/) Buccina Está fabricado en metal. Tiene un largo aproximado de 3 metros, aunque se han encontrado de mayor longitud. El tubo se enrosca sobre sí mismo y tiene una barra que lo hace mucho más estable y más cómodo para el intérprete. Su sonido se produce al soplar una boquilla en forma de copa.. Imagen 5. Buccina (Tomada de: https://es.wikipedia.org/wiki/Buccina). 34.

(40) Cornu Este instrumento es muy parecido a la Buccina en su forma. Mide alrededor de 3 metros y está hecho de cobre. Fue utilizado por los romanos para transmitir órdenes militares. La palabra cornu en español traduce cuerno.. Imagen 6. Cornu (Tomada de: https://es.pinterest.com/pin/366691594635425848/) Carnyx Fue usado como instrumento en la era de hierro celta. Era un tipo de trompeta fabricado en bronce con una campana en forma de cabeza de jabalí. Se dice que esta forma fue hecha de esta manera para intimidar al ejército enemigo. Su forma es vertical ascendente para que el sonido sobresaliera sobre todo el ejército.. 35.

(41) Imagen 7. Carnyx (Tomada de: https://es.pinterest.com/pin/431149364317531366/) Lituus Era un instrumento de bronce de tesitura aguda, empleado principalmente por las caballerías en batalla. También se le usaba en las ceremonias religiosas y funerarias. Medía entre 70 cm y más de un metro.. Imagen 8. Lituus (Tomada. de:. http://eduardo0024.blogspot.com.co/2014/07/muchos-de-los-trompetistas-. comienzan.htmlx) Tuba romana Instrumento de cobre de forma recta y parecido al Salpinx, fabricado aproximadamente por lo años 500 A.C. Fue utilizado por la infantería para comunicar órdenes y el intérprete era respetado. Después de muchos años se le empezó a transformar enrollando el tubo en sí mismo. Mide alrededor de 1,5 metros. Se decía que el sonido era ronco y aterrador.. 36.

(42) Imagen 9. Tuba Romana (Tomada de: https://www.pinterest.co.uk/explore/instrumentos-de-viento/) Shofar Instrumento fabricado con los cuernos vaciados de una cabra o gacela, preferiblemente aquellos con más curvas. Fue utilizado por lo judíos para actos religiosos como acompañante de textos sagrados. Es uno de los instrumentos más antiguos descubiertos por el ser humano y ha sido usado por más de 3.000 años. El Shofar es muy mencionado en la biblia donde se pueden encontrar varios pasajes que la referencian. . Imagen 10. Shofar (Tomada de :http://makomshalomyah.com/estudios/el-shofar/) Lur Instrumento hecho de bronce, de 2 metros de largo, aproximadamente, con forma ondulada y una campana al final del tubo. Su sonido era grueso, algo parecido al trombón de hoy en día. Se cree que pertenece a la época de bronce.. 37.

(43) Imagen 11. Lur (Tomada de:https://es.wikipedia.org/wiki/Lur) Suoma Trompeta encontrada al norte de China. Con un sonido agudo fue utilizada al aire libre como acompañante de músicas populares y ceremonias militares.. Imagen 12. Suona (Tomada de: https://es.slideshare.net/veralca82/un-viaje-a-china). 38.

(44) Añafil Tipo de trompeta usada por los españoles y de origen árabe. Es un tubo alargado que se ensancha progresivamente de uno a otro extremo. Fue usado principalmente en batallas.. Imagen 13. Añafil (Tomada. de:. http://desdemiceldadomestica.blogspot.com.co/2015/09/musica-maestro-. leccion-octava.html) Serpentón Instrumento de madera, en forma de S y con un sonido grave. Debe su nombre a su parecido con la serpiente. Fue usado para acompañar los coros religiosos, reemplazando en ocasiones al órgano.. Imagen 14. Serpentón (Tomada de:https://es.wikipedia.org/wiki/Serpent%C3%B3n). 39.

(45) En los años 700 de la civilización medieval persa se empezaron a construir trompetas con pequeños orificios que se consideran las primeras trompetas con estas características similares a las actuales. En la edad media se empezaron a usar aleaciones de metal, fundamentales para la elaboración de instrumentos de viento metal. Desde este momento empieza a evidenciarse las derivaciones de estos instrumentos hacia la trompeta y hacia el trombón. Entre los instrumentos de este periodo se puede nombrar el Sacabuches, considerado un antecesor del trombón en la edad media y derivado de la trompeta de la antigüedad. En la edad media las trompetas fueron muy populares por su gran sonoridad y versatilidad. 4.1. EL BARROCO Y LA TROMPETA NATURAL En el Siglo XIV empiezan a aparecer las primeras trompetas curvas que consistían en tubos de 2,30 metros aproximadamente y de forma curva. En un extremo terminaba en una boquilla en forma de cono y en el otro en una campana que daba forma al pabellón de la trompeta. No tenían orificios y su sonido se daba por la vibración de los labios. Producían los sonidos de la serie armónica natural y sus tonalidades son C, D y F, siendo más popular la segunda. Su uso fue mayoritariamente militar y ceremonial. Se exploraron tanto sus posibilidades sonoras que aunque posteriormente apareció la trompeta con llaves, aún así se seguía utilizando. Las piezas musicales interpretadas en estas trompetas eran complejas por el manejo de los armónicos y los instrumentistas que las interpretaban eran muy respetado. En una ceremonia todas las trompetas eran iguales, es decir estaban en una misma tonalidad, y solo una de ellas se ejecutaba con una boquilla mucho más pequeña para que pudiera interpretar las partes más agudas. En la actualidad se siguen interpretando trompetas naturales en algunos rituales; por ejemplo, la trompeta usada por las caballerías. Las primeras composiciones para orquesta sinfónica que incluyeron trompeta dentro del formato aparecieron en el Siglo XVII pero tenían poco protagonismo. Una de las más. 40.

(46) reconocidas es la ópera Orfeo del compositor italiano Claudio Monteverdi (1607). En esta obra las 5 trompetas están en registros diferentes (clarino, quinto, alto, vulgano y bajo).. Imagen 15. Trompeta natural (Tomada de:http://www.finkehorns.de/Espanol/Detail_NatTrLang.html) A finales del Siglo XVII la trompeta empezó a tener mucho más protagonismo en el formato de orquesta y los compositores exploraron su sonoridad dentro de la orquesta. Serie armónica de la trompeta natural La nota fundamental, la más grave, se produce con la posición de los labios muy relajada. Esta nota define la tonalidad en la que está el instrumento y la serie armónica que produce. La serie se produce ascendentemente dependiendo de la velocidad del aire y la tensión de los labios; si la primera nota es Do, el segundo parcial es el Do de la octava ascendente; el tercer parcial es el Sol (quinta); el cuarto parcial es el siguiente Do; el quinto parcial es Mi seguido del sexto parcial que es Sol; el séptimo parcial es Sib pero tiende a ser un poco bajo, razón por la cual se le denomina armónico impuro; el octavo parcial es nuevamente Do; aparecen luego Re, Mi, Fa (que tiende a ser un poco alto), Sol, La, Sib, Si y Do. Entre más agudo sea el armónico, más cortas las distancias y van apareciendo nuevas alturas o armónicos sobre las mismas posiciones. La serie armónica puede extenderse de acuerdo con la capacidad del intérprete. Bach en sus composiciones utilizó hasta el parcial 20; Michael Haydn incluyó en sus obras hasta el parcial. 41.

(47) 24. Los trompetistas de la época tenían que corregir los armónicos impuros con algo de tensión en sus labios y moviendo un poco el aire.. Imagen 16. Serie armónica (Tomada. de:https://scirescience.wordpress.com/2014/05/09/cuando-la-serie-armonica-. llama-al-timbre-por-marta-michelena/) El clarino es uno de los tipos de trompetas naturales. Es mucho más pequeña que las demás y por esta razón su registro sonoro es agudo. Al respecto, al ser la serie armónica más alta que en otras trompetas, los armónicos quedan más cerca y esto facilita su interpretación. Su boquilla es más pequeña que las de las otras trompetas naturales.. Imagen 17. Clarino (Tomada de:http://www.socrab.com/yesqueros-y-variedades/366/corneta-caballeria/) A continuación se muestra la fanfarria con la que la inicia la ópera Orfeo.. 42.

(48) Imagen 18. Fanfarria de inicio de la ópera Orfeo del compositor Claudio Monteverdi Otros compositores de esta época que incluyeron la trompeta en sus obras fueron Jean BaptisteLully en su Ópera Alceste; Jeremiah Clarke en su pieza TrumpetVoluntary; Henry Purcell con la obra Trumpet Tune and Air y la ópera Dioclesian (en la cual la trompeta y una voz contralto cantan en duo);. Heinrich Ignaz Franz Von Biber quien tuvo una gran. producción compositiva para trompeta; Georg PhilippTelemann con el Concierto en D Mayor para Trompeta, uno de los más importantes y conocidos en el repertorio para trompeta actualmente; Giuseppe Torelli con el Concierto para Trompeta y Orquesta de Cuerdas en D mayor; Antonio Vivaldi con su Concierto para dos trompetas en C mayor, una de las piezas más populares en el repertorio clásico para trompeta; Georg Friedrich Händel quien escribe obras con frases muy agudas y con mucha ornamentación para la trompeta, una de estas es TheTrumpetShallSound del oratorio El Mesías; y Johann Sebastian Bach quien se caracterizó por escribir para la trompeta en un registro muy agudo, llegando incluso hasta el armónico 18,. 43.

(49) con obras como 2o. Concierto de Brandemburgo, Cantata 51 y Oratorio de Navidad en las cuales lleva la trompeta a límites sonoros para la época. El desarrollo interpretativo también se aprecia en la aparición de métodos para el aprendizaje del instrumento, como el Método para Aprender a Tocar la Trompeta de Fantin, publicado en Frankfurt en 1638. Se empiezan a destacar músicos como Gottfried Reiche, trompetista y compositor alemán del barroco conocido por ser un gran amigo de Johann sebastian Bach e intérprete de todas sus obras para trompeta. En cuanto a las características musicales de las obras para trompeta en el barroco, están: Las composiciones en su mayoría tienen forma binaria o ternaria. Dentro de estas, las formas fuga y tema y variaciones son las más usadas, y los conciertos tienen tres movimientos: allegro, adagio y allegro. Las frases de la trompeta están llenas de adornos (grupetos, trinos y apoyaturas). Mientras que en el segundo movimiento de los conciertos para violín el solista hace melodías largas y expresivas, en los conciertos para trompeta el solista no interviene con el fin de que se recupere para el tercer movimiento. El instrumentista que interpreta el clarino se especializa solamente en este instrumento pues requiere un nivel técnico altísimo. Esto hace que no intervenga todo el tiempo en las obras. Los intérpretes de los demás tipos de trompetas hacen un papel menos notorio que el del clarino, pero también importante en la orquesta. Se incluyeron otros tipos de trompeta diferentes a las naturales, como la tromba da tirarsi, trompeta de varas que fue empleada por Johann Sebastian Bach en varias de sus cantatas; y la trompeta menor, hacia los finales del Siglo XVII, con una corredera en uno de los codos del instrumento para ayudar a producir algunos semitonos, lo cual facilitaba la interpretación en algunas tonalidades menores. También hacia finales del Siglo XVII se incluyeron pequeños. 44.

(50) agujeros a la trompeta que ayudaron a conseguir notas que hasta el momento solo se podían obtener por la presión del labio, obteniendo algunos semitonos. 4.2. TROMPETA DE LLAVES AntonWeindinger (1766-1852), intérprete nacido en Austria y trompetista principal de la orquesta del teatro imperial, fue el creador de un sistema de llaves para la trompeta que le otorgó la capacidad de crear cromatismos. Inspirado en diseños anteriores, desarrolló un sistema semejante al de la flauta y el fagot añadiendo 3 o 4 llaves que brindaron a la trompeta facilidad de crear todas las notas de la escala cromática; cada vez que se destapaba una llave, la nota subía medio tono y esto le permitía tocar en cualquier tonalidad y transportar con facilidad. Este diseño no tuvo gran aceptación ya que poco tiempo después nació la trompeta de pistones, pero aún así fue empleada por bandas militares en Austria e Italia.. Imagen 19. Trompeta de llaves (Tomada de:https://www.trumpetland.com/p/evolucion) 4.3. LA TROMPETA EN EL CLASICISMO En la transición del barroco al clasicismo la trompeta perdió en gran parte el protagonismo en la música de orquesta y pasó a realizar un papel netamente acompañante, asociado casi todo el tiempo con los timbales en la base rítmico-armónica y con notas en el registro grave y medio, procedimiento que desaprovechó sus posibilidades melódicas y virtuosas. No obstante, se encuentran compositores como Giuseppe Tartini (1692-1770), reconocido como el principal virtuoso del violín hasta la llegada de Paganini, compositor del barroco tardío que escribió los. 45.