División General de Currículo y Desarrollo Tecnológico
Managua, Nicaragua
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MINISTERIO DE EDUCACIÓN
(MINED)
ANTOLOGÍA
ANTOLOGÍA
ANTOLOGÍA
ANTOLOGÍA
Para Docentes de Educación Secundaria
Para Docentes de Educación Secundaria
Para Docentes de Educación Secundaria
Para Docentes de Educación Secundaria
SERIE EDUCATIVA:
"EDUCACIÓN GRATUITA Y DE CALIDAD, DERECHO HUMANO
FUNDAMENTAL DE LAS Y LOS NICARAGÜENSES"
MINISTERIO DE EDUCACIÓN AUTORIDADES
Ministro Profesor Miguel De Castilla Urbina
Vice Ministra Profesora Milena Núñez Téllez
Secretaria General Profesora Marlene Valdivia
Director General de Educación y Delegaciones Profesor Guillermo Martínez
Directora General de Currículo y Desarrollo Tecnológico Profesora Eneyda Oviedo Plazaola
COORDINACIÓN GENERAL
Profesor Miguel De Castilla Urbina Profesora Eneyda Oviedo Plazaola
Profesor Guillermo Martínez Profesora María Elsa Guillén Lezama
COMITÉ EJECUTIVO
Mónica Genet Guerrero Jacqueline Sánchez Zamora
Violeta Barreto Arias
AUTORA
Profesora Ángela Mena Navas
DIAGRAMADO Y LEVANTADO DE TEXTO
Javier Antonio González Manzanarez (Coordinador)
Liseth Carolina Balmaceda Téllez (Apoyo)
IMPRESIÓN Fondos Nacionales
PRESENTACIÓN
Estimado (a) Docente:
El Ministerio de Educación del Gobierno de Reconciliación y Unidad Nacional, presenta a la Comunidad Educativa el Currículo Nacional Básico, a través de los nuevos Documentos Curriculares de la Educación Básica y Media, los cuales han sido construidos con los aportes de toda la población y en especial el de los docentes, producto de la Gran Consulta Nacional del Currículo realizada entre marzo de 2007 y marzo del 2008. En los documentos se plasman las Políticas Educativas de nuestra Institución y las demandas más sentidas del pueblo nicaragüense, con el propósito de formar al futuro ciudadano con las capacidades, principios y valores que demanda nuestra Patria.
El Currículo Nacional Básico, junto a los Talleres de Evaluación, Programación y Capacitación Educativa (TEPCEs), los Núcleos Educativos de cada Municipio del país, integrados por una Escuela Base y un conjunto de Escuelas Vecinas en su alrededor, y el accionar decidido, comprometido y patriótico de Maestros y Maestras como usted, juntos somos la Revolución Participativa de la Educación Nicaragüense.
El propósito fundamental de este documento normativo es apoyar su labor pedagógica y facilitar su planificación didáctica, la cual elabora primeramente en los TEPCEs y la concreta en el aula de clases, de acuerdo con su experiencia docente, las características de los estudiantes y tomando en consideración los recursos con que cuenta.
Se espera que usted estimado (a) docente, con su entusiasmo, creatividad, dedicación y amor a nuestros niños, niñas, jóvenes, adolescentes y adultos, hará realidad el sueño de construir una Nicaragua más próspera y digna, con ciudadanos mejor educados y formados en Conocimientos, Principios y Valores.
Ministerio de Educación • Despacho del Ministro
Centro Cívico Camilo Ortega, Módulo “J”, Planta Alta • Apdo Postal: 108 Tel: 2651030 – 2650297 • Fax: 2651595 • http://www.mined.gob.ni
INDICE
SÉPTIMO GRADOTEATRO
1. INTRODUCCIÓN
2. ORIENTACIONES GENERALES PARA EL DESARROLLO DE LOS 3. CONTENIDOS DE EXPRESIÓN CULTURAL Y ARTÍSTICA
4. ANTROPOLOGIA DEL TEATRO 5. EL ACTOR EN ESCENA
6. LA IMPROVIZACIÓN 7. EL LIBRETO
8. LA EXPRESIÓN CORPORAL Y GESTUAL 9. LA PUESTA EN ESCENA
DANZA
1. INTRODUCCIÓN
2. DEFINICIÓN DE FOLKLÓRE
3. EL GÛGÛENSE COMO PATRIMONIO CULTURAL 4. LAS INDITAS 5. EL TOROVENADO 6. EL TORO GUACO 7. EL VIEJO Y LA VIEJA 8. EL ATABAL 9. EL TINCO 10.TRAJES DE BOACO
11.TRAJES TIPICOS DE MATAGALPA 12.DANZA DEL ZOMPOPO
13.LA COREOGRAFIA Y LA DANZA 14.DANZAS NORTEÑAS
15.CALENDARIO DE FESTIVIDADES PATRONALES DE NICARAGUA
OCTAVO GRADO MÚSICA 1. INTRODUCCIÓN 2. ORIENTACIONES METODOLÓGICAS 3. PEDAGOGÍA DE LA MÚSICA 4. HISTORIA DE LA MÚSICA 5. PEDAGOGOS DE LA MÚSICA 6. TÉCNICAS RESPIRATORIAS 7. EL PENTAGRAMA
8. LAS FIGURAS MUSICALES 9. ESCALA MUSICAL DIATÓNICA 10.SIGNOS MUSICALES
11.LAS NOTAS MUSICALES EN EL PENTAGRAMA 12.VALOR DE LAS NOTAS
13.TEORIA MUSICAL ESCALA PENTATÓNICA 14.UBICACIÓN EN LA GUITARRA
15.CUADERNO DE TRABAJO
16.PARTITURAS EN FLAUTA DULCE
17.CLASIFICACIÓN DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES 18.MÚSICOS NICARAGÜÜNSES
19.BIOGRAFIAS DE COMPOSITORES NICARAGÜENSES
NOVENO GRADO
ARTES PLASTICAS Y VISUALES
1. METODOLOGÍA DE LAS ARTES 2. PLÁSTICAS Y VISUALES
3. HISTORIA DEL ARTE
4. TÉCNICAS Y MATERIALES QUE SE UTILIZAN AL DIBUJAR Y PINTAR 5. INTRODUCCIÓN AL DIBUJO TÉCNICO
6. MATERIALES QUE SE UTILIZAN 7. EN DIBUJO TÉCNICO
8. ELEMENTOS DEL DISEÑO 9. TEORIA DEL COLOR 10.CÍRCULO CROMÁTICO
11.EJERCICIOS SOBRE LA APLICACIÓN DEL COLOR 12.FORMATO A ESCALA
13.ESCALAS 14.ROTULACIÓN 15.SISTEMA DIEDRICO
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ORIENTACIONES GENERALES PARA EL DESARROLLO DE LOS CONTENIDOS DE EXPRESIÓN CULTURAL Y ARTÍSTICA
Igual que en otras disciplinas de contenido práctico, se desarrollan los contenidos en las distintas disciplinas de la Expresión Cultural y Artística en forma activa, se aprende haciendo, con la diferencia de que se le otorga a la creatividad una especial importancia.
El o la estudiante aprende por ejemplo una técnica de danza, a partir de una breve explicación y una correcta demostración, seguida de ensayos con sus correspondientes correcciones. Una vez que se ha captado el movimiento específico se procede a la fijación y perfeccionamiento del mismo.
Se realiza el movimiento a partir de elementos esenciales, lo más sencillo y elemental sin utilizar música, previo calentamiento de las articulaciones que estarán en acción, luego se van agregando el ritmo, los sonidos, la música y otros movimientos complementarios.
Para la enseñanza de técnicas específicas de la pintura y el dibujo se procede en forma similar a la
anterior: Tras una explicación breve y una demostración clara de un elemento técnico, la perspectiva, por ejemplo, se procede a realizar trabajos individuales aplicando la técnica en trazos o muestras muy sencillas, que van adquiriendo un grado de complicación más fuerte cada vez. En lo posible el o la docente debe procurar que el o la dibujante vaya creando e improvisando sus trabajos a partir de la técnica específica aprendida. A una simple figura de un trozo de carretera que se va estrechando a medida que se aleja, se le van agregando otros elementos como árboles, casas, personas, animales, cosas.
Para el aprendizaje de los contenidos de Teatro se procura crear previamente un ambiente de
espontaneidad, respeto, confianza y alegría. Se trabaja en forma parecida.
Con la ayuda del o la docente se monta una representación artística o una dramatización sencilla improvisada, para destacar o vivenciar un tema del contexto local de mucha importancia e interés para la juventud.
Pueden seguirse los pasos siguientes:
• Mediante lluvia de ideas se escogen temas o situaciones que se pueden representar.
• Se elige un tema o situación y se planifica su puesta en práctica determinando los objetivos del montaje, organizando las escenas a desarrollar para la consecución de los objetivos.
• Se asignan los roles de los participantes. • Se prepara la vestimenta y el escenario.
• Se ensaya y perfecciona la obra repetidas veces.
• Finalmente se presenta la obra a todo el grupo de clase, el cual emite una crítica constructiva.
Posteriormente varios equipos preparan simultáneamente otras representaciones siguiendo los mismos o similares pasos para competir entre sí.
Los diferentes elementos técnicos del canto y la música no son ajenos a esta forma metodológica
descrita en las otras disciplinas de la Expresión Cultural y Artística. Igual que con el Teatro se procura crear previamente un ambiente de espontaneidad, respeto, confianza y alegría para evitar que la timidez inhiba a los y las estudiantes.
Las técnicas que se van estudiando es preferible desarrollarlas con todo el grupo primero. Conviene utilizar participaciones individuales sólo cuando se cuenta con voluntarios que poseen habilidades para la música y el canto.
Resulta muy eficaz hacer interpretaciones de canciones y ritmos de moda que son del agrado de la gran mayoría de estudiantes.
EL TEATRO Y SU HISTORIA
La dramática constituye uno de los principales géneros literarios. Presenta de manera directa, uno o varios conflictos a través de uno o varios personajes que desarrollan sobre la escena el argumento gracias, fundamentalmente, al diálogo. El teatro o dramática se presenta ante los posibles receptores de dos maneras: mediante la actuación de los actores sobre un escenario delante del público o a través de la lectura de la obra como si se tratase, por ejemplo, de una novela. De todos modos, las obras teatrales están concebidas para ser representadas, y cualquier lectura personal no es más que un ejercicio incompleto, ya que hemos de prescindir de elementos tales como la música, la iluminación y el movimiento de los actores.
Características del género dramático
Este género literario tiene las siguientes características básicas:
Los autores dramáticos deben contar una historia en un lapso de tiempo bastante limitado, con lo que no se pueden permitir demoras innecesarias.
El hilo argumental debe captar la atención del público durante toda la representación. El recurso fundamental para conseguirlo consiste en establecer, cada cierto tiempo, un momento culminante o clímax que vaya encaminando la historia hacia el desenlace.
El teatro es una mezcla de recursos lingüísticos y espectaculares, o lo que es lo mismo, el texto literario se suma, como un elemento más, a los elementos escénicos pertinentes para conseguir un espectáculo completo.
Aunque podamos leer una obra de teatro, los personajes que intervienen en ella han sido concebidos por el autor para ser encarnados por actores sobre un escenario.
La acción se ve determinada por el diálogo y, a través de él, se establece el conflicto central de la obra. El autor queda oculto detrás del argumento y los personajes. Si leemos una obra teatral, observaremos que de vez en cuando aparecen indicaciones sobre cómo debe ser el escenario o cómo deben actuar los personajes. Estas instrucciones se denominan acotaciones. Por lo demás, los sentimientos del autor, sus ideas y opiniones se encuentran diluidos en la amalgama de personajes y ambientes que forman una obra de teatro.
A partir de estas características generales, los elementos que otorgan personalidad propia a este género son los siguientes:
Acción
Son todos los acontecimientos que suceden en escena durante la representación relacionados con la actuación y las situaciones que afectan a los personajes. Dicho de otro modo, la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos cuando asistimos a una representación teatral. Este argumento suele estar dividido en actos o partes (también denominados jornadas). La antigua tragedia griega no se dividía en actos, sino en episodios (de dos a seis) separados entre sí por las intervenciones del coro. A partir del teatro romano se generalizó la división en cinco actos, hasta que Lope de Vega (1562-1635) redujo la acción a tres actos, división que llega hasta hoy. Si dentro de un acto se produce un cambio de espacio, entonces se ha producido un cambio de cuadro, con lo que dentro de un acto puede haber distintos cuadros según los espacios que aparezcan. Por otra parte, cada vez que un personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora uno nuevo, se produce una nueva escena. Un acto constará de tantas escenas como entradas y salidas de personajes haya.
Personajes
Son quienes llevan a cabo la acción dramática a través del diálogo. Debido a las limitaciones espacio-temporales de una obra teatral, es difícil que podamos asistir a una caracterización psicológica profunda de todos los personajes, por lo que sólo son analizados con detenimiento los protagonistas. Los personajes se suelen valer de la mímica o los gestos como complemento al discurso. Estas expresiones fisonómicas o gestos suelen obedecer a las acotaciones del autor, aunque en algunas representaciones es el director de escenografía el que dicta los movimientos de los actores, en ocasiones, de manera distinta a las acotaciones. Con la eclosión del teatro durante el Siglo de Oro (XVI-XVII), aparecen una serie de personajes o tipos característicos que representan actitudes o comportamientos ideales, tales como el galán, la dama, el padre o hermano de la dama, el gracioso como contraste al galán, el criado criticón o el soldado presumido y fanfarrón. A partir del Romanticismo no podemos hablar de tipos determinados, sino de personajes que evolucionan ante los ojos del espectador.
Tensión dramática
Es la reacción que se produce en el espectador ante los acontecimientos que están ocurriendo en la obra. Los autores buscan el interés del público mediante la inclusión de momentos culminantes al final de cada acto, lo cual contribuye a que se mantenga la atención hasta el desenlace. La tensión dramática pone en juego recursos como el avance rápido de la acción justo después de la presentación, de modo que se pone inmediatamente en marcha el conflicto; momentos que van retardando el desenlace, con lo que el interés aumenta, y el denominado anticlímax, cuando el conflicto que presenta la acción llega a un desenlace inesperado o no previsto.
Tiempo
No es fácil el tratamiento del tiempo en una obra dramática, ya que ésta se desarrolla ante los ojos del espectador y las posibilidades que ofrece una novela, por ejemplo, son prácticamente infinitas en comparación con una obra teatral. Hemos de tener en cuenta que, por un lado, está el tiempo de la representación, es decir, lo que dura la obra teatral (dos o tres horas, habitualmente). En ese tiempo se debe desarrollar una acción determinada, que puede durar lo mismo que la representación, o más, con
lo que los personajes deberán hacer referencia al tiempo que transcurre (prolepsis), denominado tiempo aludido. Así, hemos de diferenciar entre tiempo de la representación, tiempo de la acción y tiempo aludido.
Como hemos dicho arriba, las obras se suelen dividir en actos o jornadas. Normalmente, si se produce algún salto temporal, éste estará situado entre dos actos, y serán los personajes los encargados de informar, mediante sus palabras, del tiempo que ha transcurrido con respecto al acto anterior. Aristóteles, en el siglo IV a. C., estableció en su Poética unas sencillas técnicas que ayudaban a evitar los saltos espaciotemporales: se trata de la regla de las tres unidades, según la cual la acción de una obra dramática sólo se podrá desarrollar en un día (unidad de tiempo), en un único espacio (unidad de lugar) y con un solo hilo argumental, sin acciones secundarias (unidad de acción). Lope de Vega rompe con estas reglas tan estrictas y el teatro del Romanticismo (XIX), siguiendo las directrices de Lope en su Arte nuevo de hacer comedias, consagrará la ruptura definitiva con la Poética de Aristóteles.
Diálogo
Las conversaciones que los personajes mantienen entre sí hacen que la acción avance. Estas conversaciones se pueden producir entre dos o más personajes. En algún momento, un personaje, apartándose del resto o desviando su mirada, puede hacer un comentario en voz alta, destinado al público, que no es oído por el resto de personajes. Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes los personajes realizan reflexiones en voz alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es la de informar al público. Por otra parte, uno de los recursos más característicos del teatro es el
monólogo: discurso que un personaje, normalmente solo sobre el escenario, pronuncia para sí mismo a
modo de pensamiento o reflexión, aunque en realidad el receptor último es el público. Suele tener un carácter lírico y reflexivo y una extensión considerable. El monólogo más famoso de nuestra literatura es el que pronuncia Segismundo en La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Hoy en día el término monólogo se ha puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos humoristas realizan sobre un escenario ante el público. Se trata de un recurso teatral desgajado del contexto de una obra dramática, que demuestra el gran rendimiento que puede ofrecer como reflexión o información a los espectadores. Por último, en el teatro clásico grecolatino solía aparecer un coro que, en ciertos momentos de la representación, era tomado por la voz de la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad de personas. Este personaje colectivo solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que estaban divididas las obras dramáticas.
Acotación
Se trata de aclaraciones que el autor de la obra teatral realiza sobre cómo debe ser el decorado, cómo se tienen que mover los personajes, qué gestos deben hacer. Son orientaciones que intentan clarificar la comprensión de la obra, por lo cual, aunque aparezcan ante nuestros ojos cuando leemos una obra dramática (normalmente entre paréntesis o con letra cursiva), no pueden ser pronunciadas durante una representación.
Elementos caracterizadores
Para que el argumento de una obra sea creíble, los directores teatrales suelen recurrir a recursos auxiliares que contribuyan al espectáculo: un vestuario acorde con la época en la que se sitúa la obra, música de fondo o de acompañamiento (con la misma finalidad que la banda sonora de una película), iluminación adecuada a cada momento y una escenografía adaptada a la obra en cuestión, que suele
estar al cargo del director de escena. En el teatro medieval estos recursos eran casi inexistentes, con lo que los espectadores debían utilizar más su imaginación para la contemplación de una obra teatral. Durante el Siglo de Oro, con la representación en corrales de comedias, los autores se debían valer de dos o tres puertas al fondo del escenario y un primer piso con ventanas y un balcón. Poco a poco el teatro se fue desarrollando y fue precisamente Calderón de la Barca quien más contribuyó al desarrollo de los efectos más o menos especiales y de la escenografía. Hoy en día la representación depende, en cuanto a su escenografía, del director de escena, que puede concebir un escenario minimalista, es decir, con los mínimos recursos, o bien una representación clásica, esto es, lo más realista posible.
El lugar de la representación
El teatro clásico griego (siglos VI y V a. C.) tiene como primer marco de representación cualquier lugar cercano al altar de Dionisos, dios del vino y de la fecundidad. Eran las fiestas dionisíacas o bacanales, en las cuales los hombres se cubrían con pieles de macho cabrío y cantaban y bailaban. Los cantos eran dirigidos por el corifeo. Pronto, y ante el éxito que estas manifestaciones literarias y religiosas estaban tomando, se comienzan a construir los primeros edificios destinados exclusivamente al teatro: se trataba de estructuras de piedra semicirculares asentadas sobre la falda de una colina. El lugar de la representación se encontraba en la parte inferior de la construcción. La orkestra estaba destinada a los danzantes y tenía una forma circular interrumpida por la skene, con forma de rectángulo alargado. El escenario, normalmente de madera, se elevaba tres o cuatro metros sobre la orkestra. Para lograr algunos efectos especiales, se utilizaban ganchos, poleas y plataformas.
En el teatro romano (siglos I a. C – I d. C.) se produce la ampliación del escenario a costa de la orquesta, que pierde importancia, y se mejoran los aspectos técnicos referentes a la visibilidad y a la acústica, aunque la estructura del teatro continúa siendo prácticamente la misma, con la única diferencia de que ya no se aprovechan las laderas de las colinas, sino que los teatros son edificios exentos. Tras la decadencia de Roma sobrevienen varios siglos de inactividad teatral y decadencia. Poco a poco, gracias al impulso de la liturgia católica, el teatro reaparece como conmemoración divina en los altares de las iglesias. Se trataba de representaciones muy sencillas, sin ningún tipo de escenografía, en las cuales eran los propios oficiantes, o los monaguillos, los que representaban pasajes
de la Biblia relacionados con festividades religiosas (principalmente Navidad y Semana Santa). Tal éxito obtuvieron estas sencillas representaciones que, a partir del siglo XIV, pasaron a las calles, donde seglares realizaban pequeñas representaciones sobre tablados portátiles, la mayor parte de las veces carros de madera. Los artificios técnicos eran casi inexistentes, aunque poco a poco se fueron perfeccionando.
El Renacimiento italiano redescubre a los grandes autores clásicos grecolatinos: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes, Menandro, Séneca, Plauto, Terencio... además del manuscrito de Vitruvio titulado De architectura, en el que su autor describe con detalle la arquitectura teatral. El arte teatral se vuelve a desarrollar, y en las representaciones se incorporan decoraciones pintadas, además de una pared al fondo del escenario con puertas y ventanas, que servían como tales o como árboles o montañas, según las necesidades de la obra en cuestión. En España aparecen los corrales de comedias, patios de vecinos en los que, de manera más o menos habitual, se realizaban representaciones. De pie o sentados, delante del escenario, se encontraban los hombres pertenecientes al pueblo llano. En las galerías laterales se situaban los espectadores de más categoría social, sentados. Frente al escenario, en el primer piso de la galería, se encontraba la cazuela, ocupada por las mujeres, y en el segundo piso, la tertulia, donde se situaban los religiosos y los hombres de letras.
Poco a poco se fueron perfeccionando los aspectos escenográficos. En el siglo XVIII el teatro posbarroco se mostraba espectacular en cuando a efectos y decorados, aunque vacío de contenidos. Durante la primera mitad del siglo XX se producen las innovaciones técnicas más importantes, con la incorporación definitiva de los efectos de luces y el perfeccionamiento del sonido.
El espectáculo
Ya en Egipto, en el año 3000 a. C., se representaba el nacimiento del monarca y su coronación, con claras implicaciones simbólico-religiosas. Grecia y su teatro fueron el detonante del gran desarrollo que posteriormente alcanzaría. Nació asociado al culto de Dionisos (Baco en la mitología latina) y tenía una
finalidad laudatoria y formativa. Se trataba de una mezcla de danza, canto y recitación protagonizada por pocos personajes sobre la escena, acompañados por un coro. Los actores llevaban máscaras para amplificar la voz y coturnos, una especie de zapatos con grandes suelas para permitir que los espectadores más alejados pudieran asistir con comodidad a la representación.
Géneros
Dentro de este teatro, los tres géneros mayores eran:
La tragedia: protagonizada por personajes de alta categoría social que se ven arrastrados por la
fatalidad a graves conflictos entre sí, a través de un lenguaje esmerado y cuidado. La tragedia griega se caracteriza por el horror, la desgracia y la muerte. El protagonista suele ser el héroe, que actúa con el decoro suficiente de acuerdo a las normas establecidas. Suele representar un ideal de comportamiento humano. Contra este héroe se encuentra el antagonista, que puede ser un solo hombre o un conjunto de circunstancias contrarias a la voluntad del protagonista. El conflicto suele desembocar en la catástrofe, en la fatalidad. Las obras están regidas por las tres unidades (acción, lugar y tiempo). Los espectadores, ante la contemplación de una tragedia, se solidarizan y sufren con el protagonista, con lo que llegan a la catarsis (liberación).
El drama satírico o tragicomedia: suele tratar un tema legendario, aunque con efectos cómicos protagonizados, fundamentalmente, por el coro. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas, pero tampoco el desenlace trágico.
La comedia: se basa en la ridiculización y denuncia desenfadada de costumbres y problemas
cotidianos. Los protagonistas suelen ser personas normales que sufren en escena, aunque siempre desde un punto de vista cómico. Se busca la risa, por lo que el desenlace es feliz, desenfadado y alegre, sin olvidar la ironía.
Subgéneros dramáticos
Auto sacramental: obras de tema religioso que cuentan con un solo acto en verso. Los personajes son
alegóricos (la Muerte, el Pobre, el Rico, la Hermosura, el Mundo...). Este género vive su apogeo durante el siglo XVII, gracias, sobre todo, a Calderón de la Barca. Se solían representar durante el día del Corpus.
Sainete: pieza corta (uno o dos actos) de carácter cómico y costumbrista, que puede estar escrita en
verso o prosa. El principal cultivador de sainetes es Ramón de la Cruz.
Paso: obra breve con finalidad cómica concebida para ser representada en los entreactos de las obras
mayores. Su creador fue Lope de Rueda (s. XIV).
Entremés: breve pieza teatral que se representaba en los entreactos de las obras mayores. Tiene un
carácter cómico y representa un ambiente popular. La acción y los personajes del entremés suelen ser más complejos que en el paso, de mayor simplicidad técnica. Uno de los mejores autores de entremeses es Miguel de Cervantes (1547-1616).
Farsa: obra cómica, breve, y sin otra finalidad que la de hacer reír. Suele tener un marcado carácter
Melodrama: suele presentar situaciones graves y serias en las que los personajes buenos sufren
despiadadamente a manos de los malos. Se caracteriza por el sentimentalismo exagerado.
ARTE Y HUMANIDADES
Este es una rama de las artes escénicas, que consiste en la representación o actuación de historias en frente del público, usando para estos fines el habla, gestos, la mímica, la danza, la música y otros elementos. De hecho, en el teatro se pueden reconocer elementos pertenecientes a las demás artes escénicas, y no está limitado al estilo tradicional del diálogo narrativo (por ejemplo en la mímica, las marionetas, la ópera y el ballet).
La etimología de la palabra teatro es del griego "theatron", que significa "lugar para ver" o "lugar para contemplar". Los orígenes del teatro los encontramos en la unión de antiguos rituales sagrados para asegurar una buena caza o temporada agrícola, con los elementos emergentes en las culturas relacionados con la música y la danza. Entre el segundo y el primer milenio antes de Cristo, en el Antiguo Egipto ya se representaban dramas sobre la muerte y la vida, usando máscaras durante la dramatización.
Durante el siglo V AC, en Grecia, se sentaron las bases de lo que vendrían a ser los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia en occidente. Al comienzo las obras fueron representadas con un actor y un coro, pero autores como Esquilo y Sófocles comenzaron a hacer teatro con más actores, lo que a su vez llevó a construir los grandes teatros de piedra sobre las faldas de las colinas. Ya en esa época se utilizaban una especie de camarines llamados "skené", en donde los actores se vestían y cambiaban de trajes, y además se empleaban algunos "efectos" básicos, máscaras y disfraces. Los géneros clásicos que desarrollaron ampliamente los Griegos son la tragedia (temas relacionados con sus héroes y Dioses, de gran contenido emocional), y la comedia, que ya en ese entonces ridiculizaba a los políticos y personajes famosos.
También encontramos al teatro en las antiguas civilizaciones de Asia, en China, en Japón y la India, en donde tomó un carácter sagrado cargado de profundos simbolismos, y en donde además se utilizó ampliamente y de manera integral la música y la danza. También en la América prehispánica existió el teatro, por ejemplo entre los Incas y Aztecas, que lo utilizaron con fines principalmente religiosos y relacionados con la guerra y la agricultura.
Entre los géneros del teatro encontramos a la obra musical (estilo Broadway como por ejemplo en "Cats"), la comedia, la farsa, la pantomima, la comedia romántica, la tragedia, la fantasía, la ópera, el teatro del absurdo (relacionado con el existencialismo), y muchas otras formas, tanto tradicionales como experimentales. El 27 de marzo se celebra en el mundo el día del teatro.
ANTROPOLOGÍA DEL TEATRO:
NECESIDAD DE RITUALIZACIÓN, INVESTIGACIÓN DE PAPELES Y ANHELOS DE METAMORFOSIS
Nombrar la palabra teatro es como lanzar una piedra al agua aparecen en su alrededor múltiples significaciones que lo explican desde diversas perspectivas: Teatro es la representación, la ceremonia del espectáculo teatral colectivo, es el arte dramático, el quehacer de los actores para trasmitir, es
también el teatro, el conjunto de signos teatrales no verbales y la técnica de representación utilizada para la comunicación. Teatro es el hogar teatral, el espacio escénico. No existe definición en singular. Un esfuerzo de abstracción permite a Peter Brook reducir a una frase lo esencial del fenómeno teatral "Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Una persona camina por este espacio vacío mientras otra le observa, esto es todo lo que se necesita' para realizar un acto teatral". Sólo son necesarias dos personas para que exista el teatro y hay que señalar que esas dos funciones, actor y espectador, no son necesariamente excluyentes, como pudiera decirse del teatro convencional. Es su dimensión antropológica el teatro es manifestación ritual que plasma los valores e ideales de una comunidad, la necesidad del ser humano no de contemplarse y de reflejarse e igualmente, su anhelo de metamorfosis, de encarnar otros papeles distintos al propio.
ALGUNAS DEFINICIONES DE TEATRO
Teatro es el arte que modela sobre el propio cuerpo, que abarca todas las posibilidades del cuerpo animado; es el arte más primitivo y al mismo tiempo más variado y en todo caso, el más antiguo de la humanidad y por ello mismo, es el arte más humano y conmemorador. El arte inmortal (Oskar E'berrie).
El teatro es una de las expresiones artísticas más antiguas ya que desde sus orígenes la humanidad ha tenido la necesidad de representar vividamente los acontecimientos con el fin de reflejar el momento histórico en el cual ocurrieron.
Pero ¿de dónde viene el teatro? Etimológicamente la palabra teatro deriva del griego Tehatron y del verbo theodomai, que significa "veo, miro, soy espectador" así como la palabra drama viene del
dórico dran, que significa "'acción". Sin embargo, en la actualidad entendemos como teatro el lugar en
donde se lleva a cabo el espectáculo como la representación misma.
La expresión y apreciación dramática desarrolla la personalidad del individuo, su confianza en sí mismo y sus capacidades de expresión corporal y vocal. Es el medio idóneo para desarrollar la imaginación y traspasar las fronteras de la sensibilidad.
La expresión y aireación dramática es la forma divertida de expresar aquello que se tiene "atorado en el pecho" y que es difícil decir.
Importancia del Teatro:
Una obra teatral es literatura escrita para ser representada. Solamente se convierte en teatro cuando se pone en escena; mientras esto sucede, permanece como una obra literaria.
A lo largo de la historia, el teatro ha sido un género de inmensa importancia, no sólo desde el punto de vista estético: es uno de los recursos más completos para dar fe del espíritu de una época y provee al curioso como al serio investigador de los datos suficientes para el conocimiento de detalles tales como el vestido, las maneras y costumbres sociales, las jerarquías, el pensamiento poético, las características socio -económicas, la escala de valores, etc. es todo un testimonio.
Como elemento de comunicación, cuando el montaje es acertado, es talvez el más efectivo, puesto que incluye y compromete' la atención del público haciéndolo parte activa, incluyéndolo como parte del
todo, del mundo que se crea por medio de la representación teatral. Es más fácil penetrar en aquello que vemos como si se tratara del mundo de la realidad, que en lo escrito. El teatro compromete todo los sentidos del público, pues le da los elementos que la actitud atenta y tratado de manera que presente sorpresas y momentos dramáticos para producir emociones y expectativas; ambientación escenográfica, luces que enfocan la atención sobre los momentos que quieran destacarse; voces musical y recursos sonoros variados.
El actor de teatro se conduce en el escenario como el hombre en el mundo sea que trate de expresar acciones comunes, o manifestaciones de profundos estados internos sicológicos.
El tratamiento de la expresión actoral varía de acuerdo con las diversas escuelas que han nacido a través del tiempo y del trabajo teatral y va desde el puro realismo hasta el subjetivismo de los dramaturgos contemporáneo.
Una obra es simplemente un punto de partida, una base sobre la cual cada director o cada grupo puede construir su propio montaje de acuerdo con la interpretación de la obra escrita por el dramaturgo.
¿Para que el Teatro?
Es opinión compartida por mucha gente de que el teatro asuma su función verdadera: servir de vehículo para el encuentro de los seres humanos con ellos mismos y con sus semejantes, a través de la imaginación, la sensibilidad y la conciencia. Esa función no solo es posible si no necesaria.
Por eso tiene sentido el teatro, y tiene sentido que haya gente dispuesta a tomar ese trabajo como alternativa efectiva para el reconocimiento y la asunción del mundo proceso hacia la felicidad de todos, frente al mundo como despojo y mutilación. Para eso es el teatro.
Cómo hacer un Montaje Teatral:
Ante todo es necesaria la existencia de un grupo o conjunto de personas realmente interesadas en llevar el montaje a cabo y en atender las necesidades de cada etapa del proyecto.
Todos, sin excepción, contamos con una habilidad especial para desempeñar determinada clase o tipo de trabajo.
En el teatro que es un verdadero mundo son necesarias las más diversas habilidades, tales como ejecutar un instrumento musical, cantar, pintar, tener conocimientos o desear tenerlos de electricidad y manejo de aparatos de sonido, "carpintería, modistería, maquillaje, capacitación, capacidad de expresión cómica, facilidad para imitación o la mímica: en fin, en un grupo teatral todo es necesario.
El Lenguaje del Teatro:
Para empezar, a continuación suministramos un breve glosario de las palabras más usuales en el ámbito del teatro.
Teatro o Dramaturgia: género literario dialogado para poner en escena. Teatro: lugar donde se representan obras dramáticas.
Comedia: composición dramática que hace reír representando costumbres, vicios, ridiculeces de las
personas y de la sociedad.
Tragedia: composición dramática que representa una acción importante capaz de despertar el terror o
la composición. El verdadero significado de la tragedia es la lucha del hombre contra su destino que siempre lo vence.
Sainete: pieza dramática pequeña y de asunto jocoso.
Escenario: lugar del teatro donde los actores representan su papel.
Escena: subdiversión de una obra de teatro. Es una parte que permanece hasta cuando cambia el
número de actores que participan en la acción dramática.
Acto: división de la obra dramática en bloques de representación, marcados por el cierre del telón o por
oscuros prolongados.
Oscuro: acción de apagar las luces del escenario para marcar el final de un acto y el inicio del
siguiente.
Telón: tela grande pintada o sin pintar que puede abrirse o cerrarse, subirse o bajarse y que se usa para
figurar una decoración. Hay telones de boca, de fondo y laterales.
Bambalina: tira de tela o de otro material que cuelga de la tramoya para figurarse entradas, salidas o
cualquier otra parte de la decoración del escenario o escenografía.
Candilejas: luces ubicadas a lo largo del piso de la boca del escenario.
Spots: elementos de la iluminación construidos para enfocar las luces sobre puntos precisos del
escenario y darles colores definidos. Pueden situarse en el techo del escenario (tramoya) a los lados y también fuera del escenario a la distancia requerida.
Foro: fondo del escenario. Expresión Corporal
1. Desmecanizar el Cuerpo:
¿Es posible imaginarse a un oficinista de un banco dando salto vigoroso, ágil y energético entre los escritorios de su despacho? ¿O a un juez haciendo muecas extrañas y cómicas? ¿O a un obrero de la construcción tomando entre sus dedos delicadamente una flor imaginaria? ¿Verdad que es difícil? Es que el tipo de sociedad en que vivimos, el trabajo esquematiza totalmente al ser humano, convirtiéndolo en un simple reproductor de actitudes ajenas a su naturaleza. El cuerpo igual que la mente, está aliado, mecanizado, al realizar diariamente el mismo género de actividad, los mismos movimientos, se automatiza y pierde la posibilidad de actuar de manera original.
Lo primero que hay que hacer es des-alienado, des-mecanizar, liberar las estructuras motoras de nuestro cuerpo que debe convertirse en un mecanismo capaz de transmitir todos los matices de nuestra
sensibilidad, con capacidad de moverse de las maneras más insólitas y "anormales" expresar la gracia y la tosquedad, la violencia y la delicadeza, lo sencillo y lo complejo (aprendices).
2. La Libertad Muscular:
La libertad muscular, que puede definirse como la posibilidad de ejecutar cualquier movimiento corporal utilizando solo la cantidad de energía requerida y nada más.
El sistema muscular es el encargado de la realización de los movimientos de nuestro cuerpo.
Aún el más mínimo gesto que hagamos se debe a la contracción o tensión de uno o más músculos cumple esa labor " obedeciendo órdenes", de nuestro sistema nervioso.
Esto determina que haya una relación muy estrecha en ambos sistemas y que cualquier anormalidad o mal funcionamiento de uno se refleja en el otro.
Estar preocupado tiende a producir tensión en ciertos músculos hasta el punto de causar dolor, como lo habremos sentido nosotros mismos en muchas ocasiones.
Pero también ocurre lo contrario: una gran tensión muscular impide que nuestra mente pueda funcionar bien y concentrarse adecuadamente en lo que debe hacer. El que lo dude que ponga en práctica el conocido experimento de intentar resolver mentalmente un problema sencillo de aritmética mientras trata de levantar un mueble muy pesado.
Podemos afirmar entonces, que la tensión muscular excesiva, al estorbar los movimientos e impedir la concentración, es el principal enemigo del instrumento del actor, por lo que debemos eliminarla de nuestro trabajo. ¿Como?
Aprendiendo a relajar nuestros músculos.
La relajación es exactamente lo contrario de la tensión.
Cuando un músculo no está tenso, se dice que está relajado, es decir, flojo, suelto, libre.
Por medio de los ejercicios apropiados, podremos ir adquiriendo la capacidad de relajamos bien, habilidad indispensable para el trabajo de un actor. Además de la relajación, hay que aprender a distribuir adecuadamente la tensión muscular necesaria, es decir, ejercitarse también en la disociación de nuestros músculos o sea separar la relajación de la tensión muscular, de manera que seamos capaces de tensar algunos de ellos mientras los demás, los que nos son necesarios en ese momento permanecerán relajados.
3. La Voz:
La correcta utilización de la voz, es un elemento muy importante para cualquier actor, pero lo es más aún para el actor de teatro popular.
En la escuela los grupos de teatro presentan sus obras generalmente en condiciones acústicas difíciles, en locales no preparados para hacer teatro y en muchas ocasiones al aire libre. Por eso es importante conocer y dominar los diferentes aspectos de la correcta vocalización.
a) Respiración: Se ha definido la voz como "un soplo de aire sonorizado".
Podemos decir entonces que el aire es la materia prima de la voz y que en consecuencia, ella dependerá de la cantidad de aire que dispongamos y de la manera en que lo utilizamos, es decir, de nuestra respiración. El dominio controlado de la entrada y sobre todo, de la salida del aire será otro de los importantes recursos que deberemos conocer y ejercitar. Puede decirse que si sabemos respirar y podemos controlar nuestra respiración, tendremos más de la mitad del camino recorrido en el logro de una voz potente y expresiva.
b) Proyección: Cuando en alguna ocasión nos vemos obligados a hablar más fuerte que de costumbre
tendemos a concentrar la tensión en la garganta y gritar.
Esto trae como consecuencia si el esfuerzo es más o menos prolongado, la inevitable ronquera Y otras molestias. ¿Qué hacer para que nuestra voz llegue lo más lejos posible, es decir, para proyectarla, sin necesidad de recurrir al grito?
Sucede que aunque el sonido que llamamos voz se produce en la garganta específicamente en la laringe, que es donde están las cuerdas vocales.
La fuerza o intensidad de ese sonido no depende en modo alguno de esa parte del cuerpo, sino del aparato respiratorio. Es la potencia con que sale el aire de los pulmones lo que determina la intensidad de la voz.
La laringe es un órgano sumamente sensible que se resiente fácilmente a los maltratos y los esfuerzos excesivos, por lo que tenemos que tratarla con cuidado. Por eso, todo esfuerzo que hagamos para proyectar la voz más allá de los límites corrientes debe concentrarse en el diafragma y las costillas, es decir, en la parte baja del tórax, nunca en la garganta.
c) Impostación: (Impostar = fijar la voz en las cuerdas vocales para emitir el sonido en su plenitud
sin vacilación ni temblor).
La buena proyección de la voz no sólo un resultado de la intensidad de la emisión del aire. También interviene en ella el correcto uso de los resonadores con que contamos para dar amplitud, profundidad y calidad a la voz emitida.
Las "cajas de resonancia" son: la faringe, las fosas nasales, los senos o cavidades que existen en ciertos huesos del cráneo y el más importante de todos los resonadores, la cavidad bucal, o sea la boca.
Para que todos nuestros resonadores funcionen al máximo hay que aprender a colocar la voz en la parte superior de la cavidad bucal, esto es en el paladar o "cielo de la boca". Eso es lo que se llama Impostar la Voz.
d) Articulación: Para que la voz pueda comunicar, debe convertirse en fonema, esto es, en vocales y
consonantes que a su vez formen las sílabas y las palabras.
Estos fonemas se generan mediante el encuentro del sonido que emitimos con la lengua, los dientes, los labios y demás órganos que intervienen en la articulación.
Dependiendo del tipo de obstáculo que le opongan a estos órganos al sonido de la voz, obtendremos los diferentes fonemas que forman la comunicación oral.
Para poder pronunciar claramente es necesario aprender a articular bien, por eso es necesario ejercitar cotidianamente este aspecto de la vocalización.
e) Entonación: Dentro de la entonación incluiremos también las pausas de diversos tipos que
empleamos al hablar y que en el actor se convierten igualmente en portadores de significado. Una pausa más o menos larga ubicada en el lugar adecuado puede cambiar totalmente en sentido de un parlamento.
Cuando se combina una variación de tono y una pausa, decimos que hay una transición que generalmente es un cambio importante en el sentido de la intención de lo que se dice. Todo estos recursos de la vocalización tienen que ser bien dominados por el actor, lo que se logra, como en todos los otros casos, a través del ejercicio y la práctica.
El Actor en Escena: 1. Actividad Escénica:
Para un actor de teatro popular la actitud escénica adecuada estará definida por tres condiciones:
a) Un actor en escena debe realizar en cada momento una acción que tiene un motivo y un propósito. Esta es la primera condición de nuestra actitud escénica: " Tener conciencia de la tarea".
b) La simple sucesión de acciones, por muy motivados y justificados que están, no es suficiente para el actor de teatro popular.
El actor deberá estar consciente y además comprometido con el significado para que su representación no sea un simple ejercicio técnico. La segunda condición de nuestra actividad es entonces, tener conciencia de la obra y su significado.
El actor trata de provocar la participación activa de los espectadores en el conocimiento y enjuiciamiento de lo que sucede en escena. Por eso los actores estarán en todo momento conscientes de los resultados y los efectos que en el público tienen sus acciones. Deben tener conciencia del público lo que viene a ser la tercera condición de nuestra actividad escénica.
La ausencia de una o más de estas condiciones en el momento de la representación podrá dar como resultado una .actuación mecánica, fría, en la que el actor sólo se limita a reproducir movimientos y gestos carentes de sentido y motivación o en cambio una actuación inconsciente, en la que el actor se deje llevar únicamente de sus impulsos, lo cual puede resultar en una interpretación muy natural, pero muy poco útil.
2. Atención y Concentración:
Cuando estamos en alguna actividad y sentimos que nos observa alguien inmediatamente nos ponemos tensos, perdemos la soltura y la naturalidad. Pasa lo mismo en el teatro la presencia del público, que observa cada detalle de lo que hacemos, nos pone nerviosos, esto se manifiesta en una excesiva e
involuntaria tensión muscular que entorpece nuestros movimientos. Esto es lo que se le llama "miedo escénico".
¿Es posible dominar ese "miedo" y tener la soltura y confianza necesaria para actuar correctamente? Se puede.
¿Cómo? Aprendiendo a dirigir nuestra atención y a concentrarla en determinado objeto fuera de nosotros. Lo importante es que esa atención sea dirigida de manera consistente y voluntaria.
La capacidad de dirigir y concentrar nuestra atención la ejercitaremos por medio de la observación atenta de las cosas, los fenómenos y las personas que nos rodean, a través de todos los sentidos. Cuando uno mira, escucha, palpa, huele o saborea un objeto o suceso con el interés de conocerlo en conjunto y en sus más mínimos detalles, la atención se concentra en el casi sin damos cuenta.
Este mecanismo no sólo nos permite adquirir un elemento de la técnica para la escena, sino que aumentarnos la recepción que tenemos del mundo a nuestro alrededor, lo que enriquecerá nuestra sensibilidad, una cualidad de mucha importancia para el artista.
3. Foco Visual:
Si bien podemos concentrar nuestra atención mediante todos los sentidos, es evidente que el que tiene más capacidad para ello es el de la vista. Pero no solo eso. La mirada del actor tiene además el poder de dirigir la atención del público aquello que enfoca. Aunque en la vida real, si en un grupo de personas alguien se pone a mirar atentamente hacia un lugar determinado, los demás también mirarán hacia allá. ¿No es cierto que si nos dicen algo mirándonos de frente le damos más importancia que cuando la vista del que habla se dirige a otro lugar o peor aún a ningún lugar especifico.
En los ojos tiene la persona o actor un arma poderosa para concentrar no sólo su atención sino también la del público sobre el objeto o acción que el escoja, para aumentar la importancia o el énfasis de determinado movimiento o situación para establecer una comunicación más fuerte con los demás actores y con el propio público.
Aspectos Técnicos:
Las condiciones en que trabaja un grupo de teatro popular son radicalmente diferentes a los de las compañías teatrales tradicionales, que actúan generalmente en salas de teatro acondicionadas para tales fines, para un público habituado y con una finalidad de diversión simple o de "elevación cultural". Esto implica diferencias en todos los niveles de la práctica teatral, entre ellos el de los elementos técnicos.
1. Escenografía: Nuestros montajes estarán hechos generalmente en un estilo que permita la
utilización de elementos escenográficos escasos, sencillos y versátiles, que faciliten resolver diversas situaciones con los mismos elementos.
Casi siempre algunos bancos y taburetes de madera y una pequeña mampara o cortina deben bastar. La combinación imaginativa de estos elementos permitirá sugerir diversos ambientes y situaciones, Fig. 8
2. Utilería: Lo mismo puede decirse con relación a la utilería, es decir, los objetivos que utilizan los
Es muy usual en nuestro teatro el empleo imaginativo múltiple de un mismo objeto en escena. Un palo, por ejemplo, puede ser alternativamente caballo, fusil, telescopio, bate de béisbol, instrumento musical y mil cosas más.
3. Maquillaje: En cuanto al maquillaje, no es necesario en el noventa por ciento de los casos. Sólo
en ciertas ocasiones veremos la necesidad de su utilización para lograr determinado efecto, pero en todo caso nunca tendrá la función embellecedora o de "caracterización" que tiene el teatro tradicional.
Si en nuestra obra hay por ejemplo, un anciano no será necesario maquillamos como tal, puesto que no nos interesa reproducir al viejo, sino sólo representarlo.
4. Vestuario: El vestuario seguirá la misma norma, generalmente nuestros personajes serán indicados al público a través de uno o dos elementos definidos y no mediante un disfraz que los reproduzca exactamente. Una corbata, un sombrero, un pañuelo, una gorra serán suficiente.
Asimismo, la iluminación en el teatro popular presenta sus propias características. En una sala de teatro bien equipada hay siempre un conjunto de instrumentos que permiten la utilización de la luz como recurso plástico a través de los diferentes colores, la variación de las intensidades, la limitación del área de la luz etc. En el caso nuestro, tendremos que presentamos frecuentemente a la luz del día, o usando velas o lámparas.
La función fundamental de las luces para un grupo de teatro será la de hacer visible el espacio escénico cuando sea necesario (de noche o en un local cerrado).
Como no contaremos con equipos sofisticados, es mejor no pretender mucho y conformamos con la suficiente luz blanca.
Algunos grupos populares tienden a querer iluminar sus obras con colores diversos y con lo que se denomina comúnmente "cambio " lo que hacen es distraer la atención de lo fundamental e interferir con el desarrollo de la acción. Luz blanca es suficiente para que se vea lo que sucede.
Para construir un equipo de luces que cumpla esta finalidad no será necesario recurrir a gastos elevados que estarán fuera de nuestro alcance.
En tu clase de física recibirás las que sirvan para reflejar y comentar la luz.
Estos reflectores podrían ir conectados a un sencillo panel de luces que puedan construir al adquirir conocimientos de electricidad en su respectiva clase.
5. El Sonido: En cuanto a la sonorización es mejor prescindir de la música grabada, por las mismas
razones ya expuestas. Los propios actores pueden crear sonidos que sirvan para determinados efectos y siempre hay la posibilidad de que algunos toquen instrumentos musicales, con lo que tendremos música en el momento que lo necesitemos (la clase de música podemos aprovecharla para éste).
Un instrumento que es casi imprescindible en cualquier grupo de teatro popular es un tambor o redoblete. Casi cualquiera puede tocarlo y es muy útil para llenar transiciones entre una y otra escena,
marcar determinados ritmos o intensidades en los momentos apropiados y hasta para cubrir baches en los momentos inesperados.
En resumen, con relación a los elementos de tipo técnico, el teatro popular debe integrarlo a su estética propia, sin pretender transplantar recursos y mecanismos que no se correspondan con nosotros y que lo que hacen es provocar incongruencias en el montaje.
Por eso es necesario poner atención al género y al estilo de las obras que escojamos.
Recordemos: el teatro popular tiene su propia estética, sus propios métodos, sus propias técnicas, que no son ni mejores ni peores que las del teatro tradicional; simplemente son distintas.
Eso no significa que cuando tengamos, la ocasión de presentamos en una sala formal no utilizaremos todos los recursos que consideremos necesarios para expresamos.
Teatro y Texto:
Bertold Brench escribió: "El teatro consiste en representar figuras vivas de acontecimientos humanos ocurridos e inventados con el fin de divertir." Si el teatro consiste en "representar" y no en escribir, eso significa que la obra de teatro sólo existe al ser escenificada no antes.
Dicho en otras palabras: representar una obra teatral equivale a crear esa obra teatral. No importa que para la creación hayamos utilizado o no un texto escrito, ni si, ese texto es obra maestra o de un autor muy famoso. La obra de teatro solo será una realidad al encarnarse en escena frente a un público. Montar una obra de teatro no significa entonces, "ilustrar" escénicamente un texto.
Ni siquiera "traducir" en imágenes escénicas lo que el autor del texto supuestamente quiso decir. Montar una obra significa crearla, y nuestro montaje será una creación de nuestro grupo aunque el autor del texto haya sido el más grande dramaturgico del mundo.
¿Cómo hacer para crear -es decir, montar nuestra obra? ¿Qué elementos y mecanismo debemos utilizar y de qué manera?
Lo primero que haremos será conocer el significado de algunos términos y procedimientos con los que trabajaremos en casi todos nuestros montajes.
Veremos qué es y para qué sirve el arreglo escénico, cómo utilizar con provecho la improvisación y cómo se presenta y organiza un texto teatral a través del libreto.
Arreglo Escénico:
Llamaremos arreglo escénico a la organización de las colocaciones, agrupaciones o movimientos de los actores dentro del espacio escénico según un plan de manera que la historia que cuenta la obra, así como las ideas, sentimientos y puntos de vista que queremos comunicar a través de ella, se expresa del modo más claro e interesante posible.
El arreglo es el fundamento básico, el armazón de nuestra obra. Todo nuestro trabajo a través del montaje estará dirigido en primer lugar a lograr un arreglo claro, coherente y significativo, definido no por la casualidad o por los estados emotivos de los personajes de la obra, si no por las contradicciones de las fuerzas sociales que en ellas están representadas.
Espacio Escénico:
Espacio escénico es el área en que se representa nuestra obra. Puede ser un escenario diseñado para tales fines un aula, un patio, una plaza una calle. El público puede estar colocado frente a nosotros o en semicírculo, puede rodeamos completamente creando un espacio circular, el espacio puede, en fin no estar claramente definido y ubicarse entre el público o en varios lugares simultáneamente.
De cualquier manera ese espacio, sea cual sea, determinará nuestro arreglo y por consiguiente nuestro montaje. Todos los aspectos, que intervienen en la obra teatral estarán, en última instancia, condicionados por el espacio escénico en que representaremos nuestra obra.
Movimiento Escénico:
Llamamos movimiento a los desplazamientos de los actores en el espacio escénico. Cada vez que un actor o conjunto de actores se trasladan de un lugar a otro del escenario se dice que ha hecho un movimiento escénico.
Todo movimiento que se hace en escena tiene un significado y deberá también tener un motivo y un propósito. De ahí que esos movimientos no pueden dejarse al simple azar, sino planificarse y preverse en conjunto y en detalle.
Como no podemos confiar en la memoria tantos desplazamientos diferentes como ocurren en una obra y como sería demasiado complicado tratar de describirlos con palabras, es necesario que nos de un sistema gráfico claro y sencillo que nos permita registrarlos en nuestra libreto. Debemos hacer una planta de movimiento.
¿Como se hace una planta de movimiento de nuestra obra?
Bueno lo primero es dibujar un plano del escenario con todos sus elementos de escenografía en pequeño para que quepa en el libreto, pero no tanto que sea difícil de ver con claridad. Algo como esto: (Fig. 1).
En este plano aparece el escenario tal como está antes de comenzar la obra. Para el caso específico que hemos elegido hay en escena una silla y una mampara o biombo. Le asignamos entonces una letra diferente a cada personaje de la obra y mediante flechas dibujamos en la planta los movimientos que va realizando cada cual en el espacio escénico, así: (Fig. 2).
Esto indica que el personaje llamado Humberto -a quien hemos asignado la letra A -entra por el fondo a la izquierda y camina hasta colocarse delante de las silla. Sobre el mismo dibujo se van marcando todos los movimientos de la misma manera indicado por medio de un numerito colocado encima de la flecha correspondiente, el orden en que se realizan. Veamos (fig. 3).
Aquí Oscar -letra B -entra por el mismo lugar que lo hizo Humberto, pero va a esconderse detrás de la mampara. Humberto se desplaza y en ese momento entra Claudia -C -por la misma puerta. Humberto entonces se acerca a ella.
Cuando la cantidad de flechas es tanta que la planta se hace confusa, dibujamos un nuevo cuadrito y continuamos el señalamiento de los movimientos en el nuevo plano, iniciando su orden con el número 1, sin olvidar indicar en libreto el lugar que le corresponde al nuevo cuadro.
Así continuamos haciendo tantos planitos del escenario como sean necesarios hasta que todos los movimientos que se realizan en la obra queden registrados.
Después que dominamos este sencillo método podremos hacerle las modificaciones que se nos ocurran, dependiendo de nuestra conveniencia o de la obra específica que vayamos a montar.
A algunos, por ejemplo, les gusta utilizar marcadores de distintos colores para así darle un color a cada personaje en vez de una letra. De esa manera, es más fácil advertir a primera vista qué personaje hace cuál movimiento.
Lo importante es saber que para programar adecuadamente nuestro arreglo no podemos prescindir de la planta de movimiento.
Gestualidad:
La gestualidad comprende todos los gestos y las acciones físicas, es decir, las acciones externas y visibles que realizan los actores durante la obra: rascarse la cabeza, comerse un guineo, mirar hacia arriba, levantar un bulto, cerrar los ojos, mover una mano etc.
Igual que los movimientos escénicos, las acciones físicas no serán sólo producto de la casualidad o la "inspiración", si no que serán seleccionadas, planificadas y determinadas para contribuir a dar claridad y expresividad al montaje. En general, todo gesto o acción física que se realice en escena deberá tener un sentido y una justificación.
Énfasis:
Énfasis es la mayor fuerza de atracción que adquiere un elemento en el espacio escénico con relación a los demás.
Los principales medios de que disponemos para enfatizar una figura son:
La ubicación en el espacio escénico. En un escenario convencional" a la Italiana" (es decir, con el
público colocado de frente), la parte más cercana al público tendrá más énfasis que la derecha y más que la izquierda (en este momento es bueno señalar que cuando se habla de "derecha e izquierda" en cualquier texto teatral se está haciendo referencia al punto de vista del autor, no al del público.
Todo eso significa que dividimos el escenario en dos áreas: frente y fondo y éstas a su vez las dividimos en derecha, centro e izquierda, tendremos seis áreas cuyo orden de énfasis seria el indicado en la fig. 4.
En un escenario circular por el contrario, el área más cercana al público es la débil, ya que el mayor énfasis está en el centro del círculo.
Nivel: Mientras más elevada esté una figura más enfatizada estará. Eso significa que un actor sentado
tendrá más énfasis que uno acostado y a su vez, uno de pie tendrá más que el que está sentado.
La posición del cuerpo con relación al público:
El orden de énfasis según este criterio es, de mayor a menor:
- De frente.
- De Tres cuartos de frente.
- De espaldas.
- De perfil.
- De tres cuartas de espada (fig. 5).
El hecho de que la espalda tenga más énfasis que el perfil puede parecer extraño, pero se debe a varias razones: primero el perfil es muy inexpresivo, segundo, la espalda ocupa mayor espacio visual, y tercero cuando alguien nos da la espalda hay 'un cierto elemento de curiosidad inconsistente ¿Por qué se ocultará?
Hay otros medios para enfatizar una figura en la escena: el contraste (por ejemplo, si todos están de pie el que está sentado se enfatiza).
El foro visual (la figura hacia la que se dirigen las miradas de los demás queda enfatizada) el vestuario (dependiendo del calor y otros aspectos), la luz (si una figura está más iluminada que otra, se enfatiza), etc.
La Improvisación:
La improvisación es un instrumento de trabajo imprescindible en un grupo de teatro. Se utiliza tanto en el montaje de obras de autor como de aquellas escritas por el grupo y con muchos más razón en las que tengamos que crear de un día para otro, como se dice, por alguna situación de emergencia.
¿Qué significa la palabra improvisación en nuestra lengua teatral? Pues es una representación más o menos libre, no sujeta a un texto determinado. ¿Por qué más o menos libre? Porque aunque no existe un argumento los actores que improvisan están condicionados por algunas circunstancias establecidas de antemano.
Aunque existen muchos tipos de improvisaciones puede decirse que en sentido general toda improvisación deberá hacerse a partir de tres condiciones claramente definidas:
1. El conflicto.
2. Las circunstancias dadas. 3. Los objetivos.
Veamos a continuación en qué consiste cada una de esas tres condiciones:
El Conflicto: Toda situación que se desarrolla en la escena como en la vida, es la manifestación de un
conflicto, es decir, de una contradicción entre dos fuerzas que se encarnan en los personajes que intervienen en ese momento en la acción teatral. Un personaje (o varios) quiere obtener algo y otro (u otros) se opone.
Esta contradicción puede siempre expresarse en un esquema como la siguiente fig. 6 en el que A es el personaje que quiere obtener alguna cosa, B es quien se opone a ello y X es lo que motiva al conflicto entre ambos.
Por ejemplo: Ezequiel es un obrero sin trabajo que acude al despacho de Ricardo, encargado de personal de una empresa determinada en busca de un empleo. Sin embargo, Enriqueta la secretaria del encargado tiene orden de no dejar pasar a nadie. Se suscita una discusión entre Ezequiel y Enriqueta la secretaria. En esta situación Ezequiel sería A y Enriqueta la secretaria seria B y la entrevista con el encargado sería X.
Circunstancias Dadas: Estas son todos los acontecimientos y condiciones que rodean y determinan la
situación: el lugar, la época, la hora del día, la relación que existe entre los personajes, los antecedentes, etc.
En el ejemplo anterior son circunstancias dadas, la situación económica de Ezequiel, cuántos hijos tiene, si es la primera vez que viene al despacho, si vino a pie o no, cómo es el despacho, su decoración y ambiente, los muebles que tiene, etc.
Objetivo: Es el propósito que persigue cada personaje, lo que quiere obtener o perseguir. Siguiendo
con nuestro ejemplo, ¿Cual sería el objetivo de Ezequiel en esa situación concreta? El de Enriqueta la secretaria, en cambio, sería: impedir que Ezequiel entre al despacho.
Los actores que intervienen en una improvisación deberán, entonces, tener bien claros sus objetivos y las circunstancias dadas, y el director, o la persona que plantea o propone la improvisación, además de esas dos cosas, deberá tener claro el conflicto. Lo que nunca se debe prever es el desarrollo de la acción en la improvisación. Ni el director ni los actores deberán hacerse una idea previa de lo que va a suceder, por que entonces la improvisación no sería tal y no cumpliría sus fines.
El Libreto: Libreto es el texto escrito de una obra de teatro. Como en nuestro trabajo teatral tendremos
que estar todo el tiempo con libreto de obras, incluso nos veremos en la necesidad de escribir lo nuestro, debemos conocer bien sus características (sólo veremos cómo se presenta y se organiza el texto de un libreto de teatro, ya que el arte de crear y escribir textos teatrales pertenece al área de la dramaturgia, materia que requiere de estudios especializados).
El libreto de una obra de teatro está basado en el diálogo de los personajes que intervienen en la obra. Cada una de las intervenciones de estos personajes en dichos diálogos se denomina parlamentos:
Humberto: Señor, prepárese. Aquí viene nuestro médico.
El anterior es un parlamento dicho por un personaje llamado Humberto. Como podemos ver el nombre del personaje que habla es el primero que se escribe, a la izquierda, seguido de dos puntos y luego el parlamento propiamente dicho. (Hay otras formas, pero ésta es la más usual).
En ocasiones; el autor de la obra necesita dar en su libreto indicaciones sobre los personajes o el ambiente e incluso sugerencias escénicas.