surge un deseo intenso, incluso una necesidad profunda, de recordar de dónde viene todo, tanto en el ámbito del pensamiento como en el de lo material. Aunque se abren ante nosotros unas posibilidades de conexión y de encuentro sin precedentes, rara vez hay tiempo para el diálogo y la reflexión. Puede que las distancias ya no existan en muchos ámbitos, pero Finlandia y España siguen estando en los dos extremos opuestos de Europa. En un momento de crisis generalizada, las noticias que oímos en estos dos extremos son muy distintas. Incluso en el mundo global del arte, contamos con numerosos centros y puntos de referencia comunes en los que nuestros caminos se cruzan, pero las vías directas de contacto son sorprendentemente escasas.
El programa Focus Finland de ARCOmadrid 2014 nos ofrece una valiosísima opor- tunidad para tejer estas líneas de intercambio. Más que una mera presentación del arte contemporáneo finlandés al público español y portugués, el programa aspira a ser una plataforma eficaz para la aparición —intencionada o accidental— de redes y conversaciones novedosas. La exposición ¿Finlandia? que se celebra en la sala Alcalá 31 es un buen ejemplo. Los comisarios del colectivo hablarenarte: han demostrado un grado considerable de valor y curiosidad al sumergirse en lo desconocido e invitar a un grupo de comisarios a proponer diversos artistas finlandeses de los que nunca habían oído hablar. El proceso ha resultado ser un terreno fértil para la colaboración y el debate crítico. En algunos casos, ha desafiado las prácticas y las posturas de todos los implicados de maneras tan impredecibles como productivas, algo que podríamos afirmar también de buena parte del programa Focus Finland desarrollado en la feria de arte y en los eventos vinculados a ella que se reparten por la ciudad de Madrid.
Sin duda, este proceso va a dejar una huella que tendrá efectos duraderos, desde amistades personales y lazos intelectuales a relaciones profesionales e instituciona- les. Se han recorrido ciertas distancias, se han abierto y explorado algunas rutas. Se ha logrado, tal vez, que Europa sea un poco más pequeña. Nuestras más cordiales felicitaciones y nuestro agradecimiento a los artistas Erika Erre, Sara Bjarland, Jonna Kina, Bita Razavi y Jan Soppela; a hablarenarte: y muy especialmente a los comisa- rios Sören Meschede y Javier Martín-Jiménez; a los comisarios Helena Björk, Kimmo Modig, Anna-Kaisa Rastenberger y Juha-Heikki Tihinen; a Alcalá 31 y la Comunidad de Madrid, y a Carlos Urroz y el equipo de ARCOmadrid.
la sala Alcalá 31, fiel a su compromiso con la feria ARCOmadrid, un apoyo que se enmarca dentro de nuestra voluntad de acercar las propuestas internacionales más actuales a todos los ciudadanos y con nuestro objetivo de enriquecer al máximo la oferta expositiva madrileña. Partiendo de la idea de los comisarios Javier Martín- Jiménez y Sören Meschede, la muestra reflexiona sobre la posible existencia de un vínculo entre nacionalidad, identidad y la creación contemporánea más reciente y sobre si existe una corriente o movimiento que se pueda definir como “arte contem- poráneo finlandés.” Para ello han contado con la colaboración de cuatro expertos fineses, Juha-Heikki Tihinen, director de ProArtibus, Kimmo Modig y Helena Björk, comisarios independientes y Anna-Kaisa Rastenberger, comisaria jefe del Finnish Museum of Photography.
Los cinco artistas seleccionados, Jonna Kina con 20 fotografías de la Serie Foley Objects, Erika Erre con dos instalaciones Stamps, y Nuisance, Sara Bjarland con las esculturas Particles y Ball of Queens, Jan Soppela con 12 esculturas de la serie Mediocre Love y Bita Razavi con 45 fotografías de la serie An Observation on Inhabitants of a Utopia, relacionan y entrelazan diferentes temas como sociedad, naturaleza o historia que, aunque no puedan representar en su totalidad la escena artística actual en Finlandia, muy poco conocida en nuestro país, constituyen una radiografía parcial de lo que se está produciendo artísticamente en ese país nórdi- co, con Helsinki como foco principal. Esta exposición se enmarca en el programa Focus Finlandia que la feria ARCOmadrid, organizada por Ifema, dedica en su edición de 2014 a este país. La Comunidad de Madrid vincula así su programación de exposicio- nes con la más importante Feria de Arte Contemporáneo de España, ARCOmadrid, que se celebra desde el año 1982 en esta ciudad.
Agradezco la colaboración de los comisarios y artistas involucrados en el proyecto, así como la estrecha relación mantenida en todo momento con Frame Visual Art Finland, entidad que ha servido de enlace necesario con Finlandia para que esta exposición haya visto la luz. Esta puerta abierta al arte contemporáneo finlandés per- mitirá a todos los madrileños y visitantes aproximarse a nuevas formas de creación artística, en un claro contexto temático y estético. Les animo a traspasar esa puerta.
Directora de programación de Frame Visual Art Finland Taru Elfving
Directora General de Bellas Artes, del Libro y de Archivos. Comunidad de Madrid Isabel Rosell Volart
Comunidad de Madrid Presidente
Ignacio González González Consejera de Empleo, Turismo y Cultura
Ana Isabel Mariño Ortega Viceconsejera de Turismo y Cultura Carmen González Fernández Directora General de Bellas Artes, del Libro y de Archivos Isabel Rosell Volart Subdirectora General de Bellas Artes Carmen Pérez de Andrés Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid
calle Alcalá, 31. 28014 Madrid 19 de febrero — 30 de marzo
Catálogo Textos
Anna-Kaisa Rastenberger y Jonna Kina Juha-Heikki Tihinen y Erika Erre Kimmo Modig y Dxxxa D (Jan Soppela) Helena Björk, Sara Bjarland y Bita Razavi hablarenarte:
Diseño gráfico Jaime Narváez Diseño digital Animo Creation Traducción
Heidi Soidinsalo, Jean Ramsey, Bellcrest, Polisemia, QCS Corrección de textos Andrés Molina Martín
© De esta edición: Comunidad de Madrid, 2014
© De los textos: sus autores
© De las imágenes: sus autores
Exposición Comisariado hablarenarte:
Responsable de Exposiciones Temporales Concha Vela García
Coordinación María Báez Arranz Diseño de montaje Andrés Mengs Identidad gráfica Jaime Narváez Montaje
Arteria Logística del Arte Seguro
Nationale Suisse
(01)
En el proyecto de una exposición colectiva se suele establecer un discurso que aúne a todos los artistas bajo unos parámetros generales. La forma más obvia para llevar a cabo esta tarea es buscar el denominador común entre los artistas o sus obras presentes.
¿Cuál podría ser el denominador común de esta exposición que nos fue encargada con la premisa de rendir homenaje a Finlandia, el país invitado de esta edición de ARCOmadrid, y que debería incluir únicamente artistas fineses? Obviamente, algo relacionado con el país y la identidad finesa.
Este encargo, que a priori parecía muy claro, resulta sin embargo espinoso.
Lo ejemplifica una mirada anticipada a las biografías de los artistas con los que al final decidimos trabajar en esta muestra: Erika Erre, de padres fineses, pero nacida en Australia, estudió durante un tiempo en Holanda; Jonna Kina acaba de realizar una larga estancia en Nueva York; Sara Bjarland, parte de la minoría suecaparlante de Finlandia, estudió en Inglaterra y vive desde hace años en Ámsterdam; Dxxxa D (Jan Soppela) nació en Suecia para luego mudarse a Finlandia, y Bita Razavi, de origen iraní, pero de nacionalidad finesa, vive ahora en Estonia.
De esta simple enumeración surgen ya ciertas cuestiones que no tienen una respuesta tan obvia: ¿se puede hablar de un arte contemporáneo finés genuino?
Y si es el caso, ¿cómo se manifiesta y quién lo produce? Esas preguntas nos hicieron reflexionar con esta exposición sobre si existe un vínculo entre nacionalidad, identidad y la creación contemporánea finesa más reciente.
(#1)
¿Finlandia?
(02) (03)
#1 ¿Finlandia? hablarenarte:
también fue promovida por un grupo de intelectuales que utilizaron especifícamente la cultura como vehículo para la creación de una base identitaria propia y común.1 Elias Lönroth escribió en 1835 la epopeya nacional Kalevala, basándose en la tradición oral de la región de Karelia (al sureste del país y hoy perteneciente parcialmente a Rusia), y cimentó con ella la conciencia de una lengua y cultura finesa. También las artes plásticas, hasta este momento muy marginadas, empezaron a tematizar la identidad finesa y cosecharon grandes éxitos. Los treinta años comprendidos entre 1880 y 1910 se consideran la edad de oro del arte finlandés.
A falta de una tradición y de una infraestructura artística, los pintores de esta época se habían formado sobre todo en los grandes centros culturales de la Europa del cambio del siglo donde también iniciaron su carrera. Pero la conciencia nacional llevó a muchos de ellos –entre otros los pintores Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela o Pekka Halonen– a dedicar su talento a la causa finesa y a la creación de motivos ligados a la incipiente cultura identitaria. El entusiasmo nacional romántico por la Kalevala se manifestó especialmente en Akseli Gallen-Kallela, que dio forma a la representación visual de la epopeya nacional. Pero siendo estos pintores y sus coetáneos figuras importantes para la historia de Finlandia en general y la historia del arte finés en particular, hay que constatar que internacionalmente no han llegado a ser muy conocidos ni relevantes.
A diferencia de las artes plásticas, el campo del diseño ha logrado definir el renacimiento de unas señas de identidad a nivel internacional. Desde la creación de la Sociedad Finesa de Artes y Oficios en 1875, el éxito del diseño se basó en una voluntad política de fomentarlo a través de varias instituciones y ayudas públicas. Pero su consolidación internacional llegó en los años 50 del siglo pasado con Herman Olof Gummerus. Este gerente de la empresa Arabia aprovechó su amplia red de contactos en todo el mundo para crear la “marca”
del diseño finés.
Principio básico de este diseño es su reducción radical a la utilidad del objeto y la búsqueda sensible de una armonía entre ésta, la forma y la materia que, la mayoría de las veces, está inspirada en la naturaleza. Las bases del diseño finés se iniciaron en 1930 con Alvar Aalto y su empresa Artek, consolidándose a partir de los años 50 con diseñadores como Timo Sarpaneva, Antti Nurmesniemi, Tapio Wirkkala y Kaj Franck, y empresas como Ittala o Arabia. Fue en esta época Pero antes de entrar en reflexiones teóricas nos deberíamos plantear ¿qué es
lo que sabemos de Finlandia? Visto desde España, Finlandia parece muy lejana, territorial y culturalmente. Trasciende relativamente poco sobre este país del norte de Europa. Popularmente se conoce sobre todo por sus hitos en el sistema social y educativo, su éxito en el sector de las telecomunicaciones, sus conocidas bandas de música heavy, la imagen de su naturaleza frondosa o el ritual de la sauna. Por esta razón, para no caer en estereotipos, es fundamental indagar en las características antropológicas y sociológicas que delimitan la identidad finesa.
Finlandia es un país joven. Adquirió su independencia en 1917, pero antes había formado parte de Suecia y de Rusia. Y aunque tiene una superficie algo mayor que la mitad de España, tiene menos población que la Comunidad de Madrid. Con un censo de tan solo 5,4 millones de personas, Finlandia es uno de los países menos habitados de Europa. La mayor parte de los fineses viven además en el sur, donde también se ubica su capital, Helsinki. La escasa población hace que la naturaleza tome un lugar prominente en el paisaje.
Las lenguas oficiales de Finlandia son el finés (hablado por el 94%) y el sueco (hablado por el 6% restante). El finés tiene un lejano parentesco con el húngaro, pero no tiene la misma base común que las otras lenguas de origen indoeuropeo. Y aunque su tradición oral se remonta al siglo X a.C., no fue hasta mediados del siglo XIX cuando se empezó a utilizar ampliamente como lengua culta y en la correspondencia escrita.
Esto es quizá unas de las razones por las que nunca hubo una conciencia común de una identidad nacional propia entre los habitantes de esta región; hasta que Suecia en 1809 perdió la guerra contra Rusia y se creó el Gran Ducado de Finlandia bajo el imperio ruso. Como en muchas otras regiones de Europa, el siglo XIX marcó un despertar en la creación de su propia identidad. En Finlandia, la causa nacional
1. “Con la autonomía, Finlandia gana identidad política, pero el experimento produce resultados inesperados:
la idea de Finlandia se convierte en el lienzo para fabricar una nueva identidad cultural y lingüística. Liderados por artistas, escritores, poetas, compositores, arquitectos y periodistas, el grupo pone sus habilidades a trabajar: un país construido a través de idioma, voz e imagen. Su proyecto es personal y nacional al mismo tiempo. La creación de una nación a través del trabajo creativo supone desembarcar en territorio virgen, artísticamente hablando: escribir la primera obra de teatro, pintar los primeros paisajes nacionales;
componer la primera sinfonía e himno, publicar el primer periódico, etc. Cuando la era del nacionalismo europeo llega a la joven ciudad [Helsinki], ésta, alentada por la unidad cultural, empieza a soñar con otro futuro: independencia, no solo autonomía. El proyecto cultural se convierte en político.” (Traducción del autor) Kalliala, Martti; Sutela, Jenna; Toivonen, Tuomas; Solution 239-246, Finland: The Welfare Game; Sternberg Press, 2013, p. 14 .
(04) (05)
cuando el estilo finés triunfó en las trienales de diseño de Milán y terminó ganando su reputación a nivel mundial. Pero no sólo eso, se podría decir que el impacto internacional del diseño finés ha llegado a ser desde entonces tan interiorizado por los fineses, que se ha convertido en uno de los símbolos de mayor peso de su identidad. Prueba de ello es que muchos de los productos icónicos creados durante esta época del siglo pasado siguen siendo, todavía hoy, un éxito de ventas en Finlandia.
A diferencia de lo sucedido con el diseño, el arte finés no ha llegado a despertar a lo largo del siglo XX el mismo interés ni la misma valoración a nivel nacional e internacional, y eso pese a haber contado con grandes apoyos institucionales y buenas universidades. Como consecuencia, la creación artística contemporánea en Finlandia no ha terminado de arraigar como un elemento especialmente identificativo del país.
¿Cuáles son las razones por las que el devenir del diseño y el arte ha sido tan distinto? Se podría argumentar que los procesos de globalización económica, la migración forzada y libre, así como el desarrollo de las tecnologías de la comunicación han provocado que ahora cada vez sea más difícil vincular un movimiento cultural contemporáneo a la identidad de un país. La movilidad sin embargo, no es un concepto nuevo en el mundo de arte. El artista nómada es un fenómeno que existe desde hace siglos. Pero hay que constatar que esta tendencia no ha hecho más que crecer desde el auge de la globalización:
formación internacional, residencias de artistas, bienales, exposiciones, etc.
De hecho, se puede decir incluso que el mundo del arte contemporáneo y los agentes que lo constituyen son un ejemplo perfecto de este fenómeno.
El arte contemporáneo finés no es ninguna excepción. El país, con su escaso volumen de población, carece de una infraestructura capaz de garantizar la supervivencia de un artista en la actualidad, ya que el circuito de espacios expositivos es limitado, y tampoco hay un grupo nutrido de coleccionistas ni de galerías comerciales. En consecuencia, un artista que quiera hacerse valer profesionalmente no tiene más opción que mirar más allá de su propio entorno local y buscar un sitio en el mundo del arte, esté donde esté.
Es el recién fallecido filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto quien creó en los años 50 el término mundo del arte. En su ensayo, titulado en inglés The Artworld, sostiene que lo que eleva un objeto a ser una obra de arte no es
akseligallen–kallela
The Defence of the Sampo [La defensa de Sampo], detalle, 1886.
Tempera, 122 cm × 125 cm. Turku Art Museum.
(06) (07)
#1 ¿Finlandia? hablarenarte:
nada más que la opinión del así llamado mundo del arte. Los que conforman este mundo son personas e instituciones que por razones de interés profesional o personal, tienen un conocimiento teórico que les capacita para llevar a cabo una operación intelectual que Danto acuña como identificación artística.
“Quien no consiga hacer esa identificación artística y constituye así algo como obra de arte, nunca podrá ver una obra de arte. Siempre será como un niño que ve un palo como un palo.”2
Lo novedoso de Danto, pese a los muchos y variados comentarios que ha recibido su teoría desde entonces, es que según él no existe un valor intrínseco o estético que caracterice de forma objetiva una obra de arte. No importan ni técnicas, ni motivos, ni estilos. Su condición de obra de arte es válida únicamente siempre y cuando sea aprobada por los miembros de ese gremio. Eso significa que para aquellos no familiarizados con las teorías de este grupo, es duro y quizá imposible de reconocer ciertas posiciones ocupadas por obras de arte.3
Lo interesante es que, tanto Danto como otros críticos y especialistas, sostie- nen deliberadamente que el sector del arte contemporáneo está reservado solo a unos iniciados. Basándose en las ideas de Danto, el filósofo George Dickie desarrolló posteriormente su conocida teoría institucional, definiendo el mundo del arte como el grupo de los que hoy en día se reconocen como agentes cultu- rales, es decir, “las personas que mantienen en marcha la máquina del mundo del arte y que garantizan su existencia.”4 Los roles de todos estos artistas, comisarios, críticos, gestores, galeristas, coleccionistas y de los receptores son, en palabras de Dickie, “institucionalizados y han de ser aprendidos de una forma u otra por los participantes” en este circuito.
2. “We cannot help him until he has mastered the is of artistic identification and so constitutes it as a work of art. If he cannot achieve this, he will never look upon artworks: he will be like a child who sees sticks as sticks.” Danto, Arthur; The Artworld, en: The Journal of Philosophy, 61 (1964), pp. 571-584, 579.
3. “Of course, without the theory, one is unlikely to see it as art, and in order to see it a part of the artworld, one must have mastered a good deal of artistic theory as well as a considerable amount of the history of recent New York painting. ( … ) [T]his is a remarkable feature of contemporary art, and for those unfamiliar with the matrix, it is hard to, and perhaps impossible, to recognize certain positions as occupied by artworks. Nor would these things be artworks without the theory and the histories of the Artworld.”, Danto, Arthur, op. cit., p 582.
4. “These are the people who keep the machinery of the artworld working and thereby provide for its conti- nuing existence.” Dickie, George. “What is Art? An Institutional Analysis,” in: Aesthetics: A Comprehensive Anthology; Cahn, Steven; Meskin, Aaron (eds.), pp. 426-438, 431.
Publicidad anunciando muebles de diseño finés, 1965.
Revista Merian, edición monográfica sobre Finlandia, cuaderno 3/XVIII
(08) (09)
Estas teorías explican quizá por qué el arte contemporáneo en general tiene una frágil aceptación popular y especialmente un difícil anclaje en un país como Finlandia: por un lado, no hay mercado suficiente, lo que obliga a los artistas a emigrar; por otro lado, parece que el arte contemporáneo tiende a crear un submundo hiperespecializado y deslocalizado constituido por un reducido grupo de agentes culturales, quienes, esparcidos por el mundo, conforman el mundo del arte, y que excluye a receptores no tan iniciados.
Pero si el arte contemporáneo ya no está anclado en la tradición ni en una identidad local o en la cultura de una nación o pueblo, ¿qué se puede contar en una exposición que tiene como razón de ser a un país, en nuestro caso, Finlandia?
A la hora de decidir cómo se puede presentar el arte de un país que en materia artística es un crisol de creadores de distintos orígenes e identidades, la comisaria del pabellón alemán de la pasada Bienal de Venecia, Susanne Gaensheimer, llegó por ejemplo a desdeñar abiertamente la vinculación nacional, invitando a artistas internacionales que trabajasen el tema de la identidad desde distintas facetas.
Para esta exposición hemos escogido el camino inverso. Hemos pedido a representantes del mundo del arte finés que definiesen la identidad de su arte contemporáneo. Con la inestimable ayuda de Taru Elfving, responsable de FRAME, organismo encargado de promocionar el arte finés en el exterior, localizamos a cuatro agentes culturales radicados en Helsinki que, muy diferentes entre sí, estaban dispuestos a prestarse para este work in progress: Anna-Kaisa Rastenberger, conservadora jefe del Finnish Museum of Photography; el escritor y comisario Juha-Heikki Tihinen, actual responsable de Pro Artibus; Helena Björk, comisaria que trabaja en toda la región nórdica; y el artista y comisario Kimmo Modig. Los dos primeros trabajan desde hace ya décadas en el sector del arte contemporáneo de su país y dan clases en la muy reputada Universidad Aalto de Helsinki. Por su parte, los dos últimos representan la nueva generación de comisarios fineses, desde una posición más independiente.
A cada uno se le invitó a definir qué era para ellos el arte contemporáneo de su país y proponer en consecuencia a diferentes artistas que se adecuaran a esta definición. La reflexión debía estudiar (e incluso poner en duda) el encargo de la propia exposición de mostrar un “arte contemporáneo finlandés”. Tras una puesta en común de diferentes nombres, se acordó entre los cuatro agentes
locales y hablarenarte: una lista de cinco artistas con visiones entrecruzadas y con intereses similares, aunque con tratamientos estéticos muy diferenciados.
Cada uno de los comisarios entrevistó además al artista que había propuesto (salvo Helena Björk, que lo hizo con dos artistas) para desgranar cuestiones como la historia del arte y la historia reciente de Finlandia, las características de su sociedad y elementos específicos del país como puede ser la vinculación directa con la naturaleza.
Las cuatro charlas desvelan visiones muy diferentes sobre el arte contemporáneo de Finlandia. Erika Erre muestra en su entrevista con Juha-Heikki Tihinen una sinceridad brutal sobre su propia vida y reflexiona profundamente sobre el alma finesa, confirmando su existencia. Interesante también es su rechazo a las ayudas estatales y su decisión de no vivir del arte sino de otros trabajos “alimenticios”, para mantener su independencia del mundo del arte. Dxxxa D (Jan Soppela) defiende una postura parecida en su entrevista con Kimmo Modig. Igual que Erre, Dxxxa D trabaja en un hospital y busca así una estabilidad económica fuera del mercado del arte. El tono de la entrevista sin embargo es muy diferente: con un estilo socarrón y sarcástico Modig y Dxxxa D dan rienda suelta a su crítica de la sociedad finesa del bienestar y del sistema del arte local. Muy diferente en tono y forma, pero igual de crítica con la sociedad finesa es la charla que Helena Björk mantiene con Sara Bjarland y Bita Razavi a través de Skype. Sin embargo, en esta entrevista se deduce que dos de ellas, Bjarland y Razavi, por razones muy diferentes, ya no tienen tanta vinculación con Finlandia. Esta visión es sintomática de una generación de artistas, que aunque todavía trabajan sobre temas
relacionados con el país que expide su pasaporte, están plenamente integrados en el mundo global del arte, lo que hace que su visión de lo finés sea a través de una distancia, geográfica e incluso emocional. Frente a ellas encontramos la visión de Jonna Kina, que, entrevistada por Anna-Kaisa Rastenberger, hace caso omiso a cualquier noción sobre lo finés al crear un universo personal y particular sobre el que indaga en su obra.
¿Pueden las entrevistas5 y las obras que nos muestran los cinco artistas de la exposición ayudarnos a resolver las preguntas planteadas al inicio de este
5 Estas entrevistas pueden encontrarse en la sala de exposiciones en forma de hojas de sala, y en una versión digital para su consulta y descarga online.
(010) (011)
#1 ¿Finlandia? hablarenarte:
texto? Claramente hay temas comunes que surgen por las vinculaciones en torno a Finlandia. Los más obvios y aparentes serían el papel de la naturaleza, presente en las obras de Sara Bjarland y Erika Erre, y la disputa con los clásicos del diseño finés y su relación con la cultura popular, evidente en las piezas de Dxxxa D (Jan Soppela) y Bita Razavi. Las posibles similitudes en cuanto a estas temáticas o las diferencias respecto a los tratamientos formales de su trabajo pueden llegar en todo caso a demostrar el halo de un arte contemporáneo genuinamente finés. Juzguen ustedes mismos.
ARTISTAS
Jonna Kina (Helsinki, 1984) trabaja sobre todo con el medio fotográfico. La serie Foley Objects (2013) que se muestra en esta exposición, propone un juego de sinestesia, donde imágenes de objetos muy dispares están subtitulados por definiciones que aparentemente no se corresponden. Tras una lectura de la imagen, el espectador es capaz de entender que las palabras hacen referencia al sonido generado por los objetos retratados, que nos remiten mentalmente a una experiencia que no tiene nada que ver con la imagen. El juego con las expectativas de los receptores de su obra y las delimitaciones conceptuales del medio fotográfico se hace patente también en otras series: Drawings [Dibujos]
(2012) muestra a tamaño ampliado las hojas que los clientes de papelerías utilizaron para probar bolígrafos y rotuladores y convierte estos garabatillos en composiciones abstractas. En su serie reciente Anything, Somewhere [Cualquier cosa, algún lugar] (2013-2014), Kina fotografía los reversos de fotos de álbumes familiares con anotaciones que sólo el ámbito familiar o personal puede descifrar, dejando al receptor con la curiosidad sobre cuál será la imagen que corresponde con la breve y críptica descripción.
Erika Erre (Helsinki, 1979) busca con sus instalaciones crear una sensación física en el espectador que va más alla de la mera contemplación de una obra.
En su primera creación, Stamps [Sellos] (2011), una nube de hormigas inunda la pared, adueñándose de los espacios. Sólo cuando el espectador se acerca a la pieza es capaz de ver que las formas que generan esa nube son palabras estampadas directamente en la pared con sellos de caucho. Igual ocurre con su instalación Nuisance [Fastidio] (2012), donde una visión cercana permite ver que los puntos en la pared son en realidad zarpas de zorro que atraviesan el muro de la sala. Comenta Erre: “Nuisance, igual que Stamps, no se limita sólo a la contemplación de lo físicamente presente, sino que también deja una
memoria visual. Por el rabillo del ojo el espectador ve una presencia oscura y sospecha, a partir de este momento, de toda mancha o grieta en las paredes de la exposición.”
La relación entre lo artificial y la naturaleza se hace patente en las obras de Sara Bjarland (Helsinki, 1981). Esta artista, que se formó en Londres y vive ahora en Ámsterdam trata el tema de la naturaleza a través de una multitud de técnicas, pero manteniendo siempre la mirada de una entomóloga o una arqueóloga dela vida moderna: su especial punto de vista se demuestra en los vídeos Death Nº3 [Muerte Nº3] (2013) y Takeoff [Despegue] (2010), que descubren verdaderos dramas de insectos moribundos. Para esta exposición, Bjarland muestra el archivo Particles [Partículas] (2013), una gran mesa de luz que contiene centenares de diapositivas que aparentemente son pruebas de tejidos de elementos orgánicos.
Una segunda lectura permite ver que realmente son trozos de plástico de desecho. Como ella comenta, “Particles es una mesa retroiluminada con cientos de diapositivas que contienen piezas de plástico que he recogido en el entorno urbano. Es, en realidad, basura plástica, pero todas parecen muy ‘naturales’, como una especie submarina. Me interesa esa ambigüedad que se produce cuando los materiales sintéticos, como el plástico, comienzan a imitar o simular los materiales naturales, y cuando ya no sabes qué es qué.” La otra obra de Sara Bjarland en la exposición es Ball of Queens [Bola de Reinas] (2011), una escultura que representa una bola perfecta de abejas, una pieza que podríamos encontrar camuflada en un gabinete de un museo de ciencias naturales.
Bita Razavi (Teheran, Irán, 1983), finesa de pasaporte que llegó en 2008 a su nuevo país, presenta An Observation on Inhabitants of a Utopia [Una observación sobre los habitantes de una Utopía] (2011), uno de los primeros trabajos artísticos que realizó en Finlandia. A lo largo de los primeros 14 meses de su estancia en Helsinki, mientras se ganaba la vida como limpiadora de hogar, Razavi realizó en secreto fotografías de objetos que le llamaban la atención en las casas donde trabajaba y los iba archivando con su pertinente leyenda. “Lo que atrajo mi atención fueron unos objetos que pude encontrar en cada apartamento. Me recordó a las sociedades futuras descritas en muchas historias de ciencia ficción, o la imagen de la vida unificada de las personas que describe Orwell en la utopía 1984”. Más tarde se enteró de que esos objetos eran todos productos de una compañía finlandesa llamada Iittala, famosa por producir unos objetos de diseño típico y muy reconocible en el país como son los soportes de velas Kivi, la copa Maribowl o el célebre florero de Alvar Aalto.
(12)
El poeta y artista multidisciplinar Jan Soppela (Katrineholm, Suecia, 1971), alias Dxxxa D, exprime en su trabajo Mediocre Love [Amor mediocre] (2013) aún más esa idea del “diseño finlandés” como “objeto de deseo”. Ya sea por tradición o por distinción (frente a los objetos de la conocida cadena sueca, de diseño muy similar, los productos de Iittala no son igual de asequibles), es común que en la mayoría de hogares finlandeses se encuentren alguno de estos elementos característicos. Soppela descubrió que éstos eran los productos más
demandados en la mayoría de listas de boda en la página web de la cadena de unos grandes almacenes llamada Stockmann. Sus esculturas hacen referencia a esas listas de boda y reproducen los regalos demandados con materiales pobres como el cartón o el papel, mal acabados y sin brillo. Con este trabajo, Soppela no busca criticar una sociedad consumista y tampoco quiere llevar al absurdo el diseño finés. Le interesan más las listas de bodas interminables y estereotípicas que dicen mucho sobre la sociedad finesa y su concepto de hogar y vida privada. “Las listas de regalo son, en toda su banalidad, sorprendentemente interesantes. En nuestra cultura, que hace hincapié en la singularidad o el amor romántico, que estas listas sean tan similares sigue siendo una paradoja.”
hablarenarte:es una plataforma independiente de proyectos, con sede en Madrid que trabaja en el apo- yo a la creación, difusión y promoción de la cultura contemporánea.
Quisieramos agradecer a todos los agentes culturales fineseses que han contribuido en este proyecto.
Ante todo, a los artistas y comisarios incluidos en esta exposición por su cercanía, y a los agentes cultu- rales fineses Jenna Sutela, Jaako Pallasvuo y Megan Snowe, con quienes tuvimos el placer de tener una larga e inspiradora conversación, durante nuestra estancia en Helsinki en diciembre de 2013.
M-4085-2014
(01) Kimmo Modig — Dxxxa D (Jan Soppela)
1. ARTE EN FINLANDIA: ANTECEDENTES
El 9 de octubre de 2013, recibí un correo electrónico sobre una exposición en la sala Alcalá 31 de Madrid. La remitente era Taru Elfving, directora del programa de FRAME, una fundación con financiación estatal que promociona el arte finlandés en el marco in- ternacional. Un mes y medio más tarde me reuní con los comisarios, que volaron a Hel- sinki, y una semana o dos después entrevisté a Dxxxa D. Lo que sigue es mi respuesta a la petición de que escribiera sobre el carácter finlandés de arte actual de Finlandia.
Nací en Finlandia, en el norte de Europa. Vivo en Helsinki, la capital del país, que tiene 610.000 habitantes. Trabajo como artista y comisario. Mientras redacto este texto en mi Macbook Pro de 13’’ de 2011, disfruto de una beca mensual de 2.300 euros concedida por una fundación privada finlandesa, Koneen Säätiö. Con ese dinero he comprado, por ejemplo, una Xbox 360 Elite (modelo de 120 GB), algo de ropa de diseño (KTZ, Kris van Assche, BWGH), un televisor LED Panasonic de 50 pulgadas Full HD (modelo TX-L50B6E) y billetes de avión en clase turista a Chicago, Londres, Madrid y Atenas. Aunque, para ser precisos, dos de esos viajes los cubre la fundación antes citada, FRAME.
Vivo en Töölö, una zona del centro de Helsinki. Mi casa se encuentra a dos manzanas del Parlamento finlandés y del Museo de Arte Contemporáneo Kiasma. El Estado ha financiado (a través de organismos oficiales) mis proyectos de comisariado y otros de mis trabajos en el campo de las artes, mientras que el museo ha servido en repetidas ocasiones como marco para esas empresas. Además, Kiasma funciona con fondos asignados por el Gobierno finlandés. En marzo de 2013, la Asociación de Galerías de Arte Finlandesas criticó la política de facto de Kiasma de adquirir obras de arte casi ex- clusivamente de tres galerías de Helsinki (Anhava, Helsinki Contemporary y Forsblom).
(#2)
Un artista finlandés entra en un bar de Madrid, pide
una cerveza y reclama el recibo porque tiene que
escribir una memoria para los financiadores del viaje
Kimmo Modig habla con Dxxxa D (Jan Soppela)
(02) (03) d: Sí. Tener un trabajo de día está bien, pero llevar mi carrera artística a la vez es bastante agotador. No hay ni un solo día libre. Si tuviera hijos en algún momento, ya no me quedaría tiempo para las cosas que hago ahora.
k: ¿Estás contento con la situación?
d: Es la menos mala de una serie de opciones que distan de ser óptimas. Estoy moderadamente contento. Me las arreglo, más o menos. Mi trabajo de día me ocupa a tiempo parcial, así que normalmente trabajo una semana sí y otra no.
Antes de eso estuve haciendo turnos dobles sin parar durante un año y medio.
Eso fue muy duro. El otoño pasado decidí que tenía que bajar un poco el ritmo.
Ahora es distinto: vivo sujeto a un horario, tengo que ser puntual en el trabajo.
No me apetece hacerlo, pero tampoco quiero darle especial importancia.
No hay ningún puto honor en pagar impuestos y en todo eso, ese rollo no me eleva como ser humano.
Pero la música es algo que puedo hacer espontáneamente, incluso bastante deprisa, durante los días de descanso. Con la música resulta más fácil seguir adelante, aunque haya algunos paréntesis.
La música ha sido mi principal prioridad en los últimos años; las artes plásticas han estado en un segundo plano. Ahora que me he trasladado a Helsinki, llevo un tiempo queriendo centrarme más en mi faceta artística. Soy fundamentalmente pintor y trabajo muy despacio, así que es distinto. Y montar exposiciones en solitario supone un riesgo financiero importante en Finlandia.
k: Aquí las galerías cobran un alquiler.
d: Si no consigo una beca para una exposición, lo tengo crudo para encontrar alguna forma de pagar ese alquiler.
k: Y hay unas tres galerías en Helsinki en las que mostrar tu obra puede hacer algo por tu carrera.
d: Hace años oí una historia sobre una profesora de Tampere que dijo a sus alumnos que su reputación se vería perjudicada si exponían en galerías que no estuvieran de moda.
Estas tres instituciones son de hecho las únicas galerías comerciales de Finlandia.
Los demás espacios y galerías de arte están en manos de grupos pequeños de amigos con una mentalidad afín que los gestionan de forma voluntaria o de asociaciones de artistas. Esto último es probablemente la norma para las galerías de arte finlandesas.
Al igual que yo, funcionan con becas del Estado y de fundaciones privadas. Un consejo o un comité integrado por miembros de la asociación elige a los artistas para las galerías dos veces al año mediante convocatorias abiertas. Los artistas seleccionados para exponer su obra en estas galerías deben abonar una cuota. En Helsinki, esto puede suponer 3.000 o 4.000 euros de alquiler para un espacio expositivo de 100 a 300 metros cuadrados durante tres semanas. Además, la mayoría de las galerías se queda con entre un 20 y un 30% de todas las ventas.
2. UNA CONVERSACIÓN CON DXXXA D
Como intérprete, Dxxxa D (Jan Soppela) se ha convertido en una figura seminal de las escenas del rap underground y la música experimental de Finlandia. A través de los grupos que ha creado, como Nukkehallitus [El gobierno títere], colabora a menudo con músicos de jazz y de rock. Sus actuaciones en solitario tienen estilos muy variados y pueden ir desde una lectura de poesía sin más artificio a salvajes espectáculos con acompañamiento musical. Como artista plástico, Dxxxa D trabaja sobre todo con la pintura y con objetos encontrados. Su muestra individual en Sorbus, una pequeña galería de Helsinki dirigida por el artista Tuomo Tuovinen que solo cuenta con una sala, es el germen de las piezas de la exposición de Alcalá 31.
Esta entrevista se llevó a cabo a principios de diciembre de 2013 en un estudio de Hakaniemi, en Helsinki. Como no podía ser de otro modo, varias personas vinculadas a Dxxxa D comparten el estudio: su principal colaborador musical, Janne Hast, nuestra traductora Heidi y yo mismo. Yo comía sushi de un take-away mientras Dxxxa D se tomaba un café instantáneo negro.
dxxxad: Tengo un trabajo diurno de mierda. Pero es bueno para la estabilidad disponer de algo de dinero. Y me impide caer en una dinámica de tipo “si no consigo una beca [artística], no haré nada”. Cobré un subsidio del gobierno durante dos o tres años.
En ese tiempo no pude hacer prácticamente nada, estaba totalmente estancado.
kimmo: Cobrar el desempleo exige un papeleo bestial.
(04) (05)
#2 ¿Finlandia? — Un artista finlandés entra en un bar... Kimmo Modig — Dxxxa D (Jan Soppela)
d: Supongo que el azar ha tenido bastante que ver. Además, me va eso de combinar las cosas que me gustan y convertirlas en algo nuevo. Creo el tipo de obras que quiero ver y oír, las que aún no existen.
Primero, a finales de los ochenta, empecé con el hip-hop, después me metí a fondo en el funk, porque la base era muy similar. A principios de los noventa comencé a escuchar rock finlandés, que hasta entonces se había visto totalmente eclipsado por el hip-hop. Los cantantes líricos finlandeses me causaron una gran impresión.
El resto de los noventa lo dediqué en buena medida a conocer el jazz. A finales de la década de 1990, el rap finlandés eclosionó y muchos de mis amigos de Rovaniemi [norte de Finlandia] empezaron a escribir letras en finés. Me di cuenta de que podía hacer rap sobre cosas actuales en finés. Por aquella época comencé a ensayar mucho, a rapear todos los días, y eso me permitió desarrollar la capacidad de hacer conciertos con estilo libre. Supongo que mis conocimientos de jazz se pueden per- cibir en mi uso de la improvisación cuando actúo.
k: Recuerdo que, a principios de la década de 2000, que hubiera un grupo de Estados Unidos en el cartel era razón suficiente para que quisiéramos ir a un concierto.
d: ¡Hablaban americano! [Los dos se ríen].
k: Sí. Eso ha cambiado mucho. Hay tanto movimiento en Helsinki hoy en día que la escena musical ya no difiere demasiado de la de cualquier otra capital europea, aunque por supuesto es mucho más pequeña. ¿Pero cuál es tu escena? ¿La del rap?
d: Lo que ocurre es que uno elige a la gente que le resulta afín, pero nunca ha sido mi intención decidir “ahora soy un rapero y salgo con otros raperos”.
k: Pero así funciona normalmente, ¿no?
d: Depende de lo que quieras hacer. [Pausa] Quiero decir que en el rap hay mucho de chistes inteligentes, historias... pero para mí también es poesía, un espacio para experimentar. La forma del texto no me parece algo totalmente establecido, no tengo que recitarlo necesariamente en verso. Hay temas míos que son como gruñidos o murmullos o cosas así... Desde mi punto de vista, se trata simplemente de hablar.
k: El arte es un juego. Tú has hecho breakdance. Yo no, pero el arte me recuerda a eso. Movimientos y trucos. Saber quién domina qué movimiento.
Me gusta el hecho de que en el breakdance todo sea transparente: no hay un estrato adicional de significado ni una capa de inteligencia elaborada que lo cubra todo. No hay más que movimientos.
d: Sí, ya veo lo que quieres decir.
k: ¿Qué haces en tu trabajo de día?
d: Les sirvo la comida a los pacientes de un hospital. Soy una especie de auxiliar de enfermería.
k: ¿Qué opinas sobre la obsesión por labrarse una carrera, el ir y venir internacional y todo eso?
d: Lo cierto es que me interesa. Esta exposición es una buena forma de tantear el terreno. He invertido tanto tiempo y tanto esfuerzo en esto que por supuesto no me importaría vivir de ello. Ahora la música me da algo de dinero, pero sigo necesitando un trabajo que me mantenga. Dado mi estilo, no espero un éxito repentino.
k: ¿Te gustaría ser famoso?
d: ¡Sí! Si consiguiera hacerme un hueco en la corriente dominante, significaría que habría logrado en cierto modo cambiar esa definición con mi propio estilo.
¿Pero cómo llega el éxito? Lo veo como algo aleatorio, algunas cosas pasan así, de golpe, a pesar de que hay montones de obras de arte de calidad por ahí. No me importaría tener éxito, pero no tengo ninguna urgencia especial por alcanzar- lo. Un concierto puede llegar a ser tan intenso que parece un ritual sagrado. Ese es el mayor logro para mí. Y eso puede pasar con cien personas o con mil.
k: Si te convirtieras en Damien Hirst, tus listas de boda y tus jarrones de Aalto de cartulina se podrían vender en tiendas en las que la gente compra regalos de boda.
d: Sí, como los carteles de arte.
k: La lista de boda de Dxxxa D como regalo de boda. ¿Cómo empezaste en el rap, la poesía, el arte?
(06) (07)
las listas de boda. Para mí es algo natural captar estos detalles y mostrar su natura- leza absurda y sorprendente. Algo tan pequeño como estas listas evoca el diseño de un hogar o la familia, o simplemente la idea de la felicidad. La idea del hogar y la de la felicidad están, después de todo, estrechamente unidas. Las listas de boda dicen mucho de quienes las escriben, quizás más incluso de lo que ellos creen. Es una puerta a la conciencia compartida por dos individuos. Cabría pensar que en mi obra hay cierto tono de crítica contra el consumismo, pero eso no es algo que yo quiera subrayar demasiado, tiene más de obra documental o ready-made. Todo el mundo es tan asquerosamente ecológico hoy en día...
k: ¿Se puede ser crítico con los que acumulan objetos en un mundo lleno de objetos?
d: Y teniendo en cuenta que el arte no es más que un montón de objetos.
k: En la nota de prensa para la muestra de Sorbus, que se titulaba Keskimääräinen rakkaus [Amor mediocre], hablabas de la mendicidad y hacías una comparación con los mendigos rumanos que frecuentaban el centro de Helsinki en aquella época.
d: Las listas de boda son una forma de mendigar, aunque una muy estricta.
k: No puedes regalar cualquier cosa, por eso hay una lista... Muy bien, dejemos este tema. ¿Qué me dices del carácter finlandés? Para mí es
importante vivir en Finlandia. Conozco el idioma, sé cómo funcionan las cosas por aquí y todo eso. Pero me resulta raro buscar cualidades finlandesas en mi propio trabajo o en el de otros.
d: Es un concepto tan extraño...
k: Conozco a algunas personas que se han mudado a Helsinki desde el extranjero y que se ven constantemente obligadas a explicar de dónde son y cómo han termina- do aquí. Esta exposición de Madrid me recuerda a eso, porque Sören y Javier me han pedido que hable sobre el carácter finlandés del arte contemporáneo de Finlandia.
d: En el primer caso, la gente pasa por alto quién eres y dónde estás ahora, en lugar de eso se centran en tu pasado. Eso te obliga a rememorar cosas que ya han sucedido. Quedas excluido del presente.
k: Creo que la Guerra de Invierno [la guerra de Finlandia contra la Unión Soviética
k: ¿Cómo has visto la escena artística de Helsinki en el año de nuestro Señor 2013?
d: Esa es una pregunta difícil para mí. La verdad es que no frecuento mucho la escena artística de aquí, no tengo tiempo. La música tiene más de actividad social, por ejemplo cuando conoces a la gente después de los conciertos, pero el arte es un trabajo muy solitario. Esta que ves es mi ventana a Helsinki, aunque funciona de una forma bastante aleatoria. A veces enseño las obras de mis amigos y a veces las mías. [Dxxxa D se encarga de una ventana o un escaparate para exposiciones que se encuentra en nuestro estudio. En el momento de la entrevista, hay en ella luces LED verdes que representan un fragmento de una partitura de Jean Sibelius. La obra formaba parte de un evento de arte público celebrado en el distrito de Kallio en Helsinki]. Además, no quiero usar la jerga que va unida a la mayor parte del arte contemporáneo, así que puede que no haya demasiado que decir sobre mi trabajo.
k: Mi trabajo consiste fundamentalmente en eso: actividad social y charla.
d: Como un circuito cerrado que se alude continuamente a sí mismo.
k: Sí. No tengo ni idea de por qué viajo a Madrid, más allá de establecer contactos, puesto que no voy a intervenir en el montaje de las obras ni nada parecido.
d: Puedes inventarte una tarea o un cargo para ti. Como “responsable ejecutivo de la cinta aislante” o algo así... Me refiero a que el arte como forma de hacer vida social está cerca de la idea de Duchamp del arte como proxeneta. El arte es una buena excusa para organizar fiestas.
k: ¿Pero acaso no es verdad? ¿No vamos a los conciertos o a las inauguraciones para consumir drogas, buscar sexo, dejarnos ver y todo eso? ¿Por qué convertir el arte en un trabajo de oficina de 9 a 5 como Linkin Park hizo con el rock?
d: Cretinos [los dos se ríen].
k: Pero cuando uno pinta en casa es muy distinto.
d: [Pausa] Supongo que mi característica fundamental es que estoy en conflicto permanente con este mundo, incluso con la gente. Me resulta difícil encontrar mi lugar en él. La mayoría de las cosas que hace la gente me parecen raras. Como lo de
(08) (09)
#2 ¿Finlandia? — Un artista finlandés entra en un bar... Kimmo Modig — Dxxxa D (Jan Soppela)
durante la Segunda Guerra Mundial] sería un gran concepto para una edición de ARCOmadrid, en lugar de Focus Finland. Por ejemplo, que solo se hubiera seleccionado a los artistas que lucharon en la guerra o que hacen referencia a ella de algún modo en sus creaciones. Nacionalismo misterioso a tope.
d: ¿Viste ayer en la tele una película titulada Patrulla de esquí? Es una película de Hollywood sobre la Guerra de Invierno, rodada en los Alpes.
k: Deberían proyectarla durante Focus Finland en Madrid. Junto con Aki Kaurismäki.
d: Y con una visita de Santa Claus.
k: Y un caballo finlandés galopando por allí. De hecho, ARCOmadrid me recuerda a la guerra, en el sentido de que este proyecto, Focus Finland, ha hecho que muchos artistas y comisarios de Helsinki hablen unos con otros, algo parecido a ir sentado en un tren camino del frente de batalla, con los niños del vecindario, ahora adultos, como compañeros de compartimento. Como el artista Ville Andersson, que por lo que se ve asiste a todas las inauguraciones de Helsinki y, sin embargo, yo no lo conocía. Me pidió que lo aceptara como amigo en Facebook al día siguiente del cóctel de ARCOmadrid / Focus Finland. Expone en la feria. La gente siempre da por hecho que en Helsinki nos conocemos todos, pero incluso una ciudad pequeña tiene muchas escenas y muchos grupos.
d: También ha sido divertido ver eso, ese proceso de filtrado para la muestra de Alcalá 31. He sido testigo de ello con la música, tanto en el sentido promocional como en el auditivo: cómo viaja una idea del escritorio de un ordenador a una lista de reproducción de la radio. Y lo estoy viendo aquí ahora: hice aquello tan arrogante para la galería Sorbus y ahora está en la sala Alcalá 31 de Madrid. No tengo ningún empeño en ser underground, estoy interesado en todo tipo de procesos. Y por supuesto espero que mis canciones se escuchen y que mis obras se vean, y tal vez consiga en Madrid algunos contactos para mostrar mis creaciones en otros sitios.
Si no, será simplemente una línea más en mi currículo.
k: Así es el trabajo. ¿Cuál es tu idea de lo que supone el trabajo para un artista?
d: Hay una idea luterana del trabajo, incluso entre muchos artistas, que hace que la gente quiera subrayar su ética del trabajo, demostrar lo aplicados que son.
A mí me parece más que dudoso que uno tenga que probar su valor. Actuación de Dxxxa D en Sorbus gallery, Helsinki. 11 de diciembre de 2013.
Fotografía: Kimmo Modig.
(10)
Le arranco la nariz al tío de un mordisco y la sujeto entre los dientes,
me paro a pensar si debo tragármela o escupirla para las gaviotas.
Muy bien, payaso di algo divertido di algo divertido di algo divertido grandísimo hijo de puta.
943 495 240 segundos desde la muerte de Elvis.
La policía me echa gas pimienta en la cara.
Una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero una chupa de cuero 3. POEMA
El rey vive, DXXXA D
30 años 5 días 2 horas y 5 segundos desde la muerte de Elvis.
Vacío la botella
y me pongo al final de la cola del puestecillo de perritos calientes
1560 semanas 2 horas y 15 segundos desde la muerte de Elvis.
Un capullo me da un codazo para colocarse delante en la cola y empieza a soltar pestes sobre mí
10 925 días 2 horas y 18 segundos desde la muerte de Elvis.
Le digo al tío
que se ponga en la puñetera cola hijo de puta.
262 082 horas y 21 segundos desde la muerte de Elvis.
El tío me pega un puñetazo en la cara.
Yo saco una cuchilla del bolsillo y se la meto por el culo hasta arriba del todo.
15 724 920 minutos y 25 segundos desde la muerte de Elvis.
#2 ¿Finlandia? — Un artista finlandés entra en un bar...
(12)
4. NOTA DE PRENSA DE LA EXPOSICIÓN ORIGINAL
Mediocre Love [Amor mediocre]
Galería Sorbus, del 23 de marzo al 7 de abril de 2013 Listas de boda con sus maquetas 3D
Para su obra Amor mediocre, Dxxxa D ha imprimido aleatoriamente listas de boda de parejas que están a punto de casarse encontradas en las páginas web de unos grandes almacenes. Las listas de regalos se envían a los amigos y los familiares antes de la boda. Los destinatarios eligen cosas que les gustan y que pueden permitirse regalarles a los futuros esposos.
A través de estas listas, se ha realizado una selección de objetos. Dxxxa D ha creado a partir de ellos maquetas de cartulina tridimensionales. Entre otras cosas, la colección incluye unos espectaculares jarrones de Aalto.
Casarse y seguir el ritual de los regalos de boda, se puede ver como una forma de mendicidad socialmente aceptada. ¿Por qué pedir en la calle se considera sucio y despreciable, pero conseguir regalos en nombre del amor es honorable y noble, incluso bello y romántico? Las listas de boda son, con toda su banalidad, increíblemente interesantes. En una cultura como la nuestra, que subraya el amor exclusivo o romántico, es una paradoja encontrar listas de boda similares.
En la performance inaugural, Dxxxa D se casa, por el poder que le ha sido investido, con el santo matrimonio de un parásito y un tumor canceroso.
Dxxxa D es un letrista y artista que vive en Helsinki, Finlandia.
kimmomodig es un artista y comisario que vive en Helsinki. Es el fundador de la bienal Antagon, celebrada en Turku. Modig ha trabajado con todas las instituciones artísticas finlandesas que quepa imaginar, fundamental- mente porque ha insistido en hacerlo y porque nunca ha pedido dinero. Noticias de 2013: Jesse Darling escribió un perfil del artista para Rhizome. Elvia Wilk mencionó Antagon en la lista de final de año que elaboró para Frieze.
Modig empezó a leer las cartas, lo que le valió un espectáculo en solitario en la galería V4ult de Berlín.
dxxxad (jansoppela) (1971) es artista, poeta y músico. Vive en Helsinki, donde se instaló hace unos años después de trasladarse desde la ciudad universitaria de Tampere. Dxxxa D nació en Katrineholm (Suecia). Cuando tenía cinco años, se mudó a Kemijärvi, en el norte de Finlandia, y dieciséis años más tarde se marchó a Rovaniemi.
M-4086-2014
(01) anna-kaisarastenberger: Me gustaría comenzar hablando de tu obra Foley Objects (2013) que se expone en la sala Alcalá 31 de Madrid. Sé que se le llama Foley (o efectos de sala) a los artilugios que se utilizan para crear sonidos en el cine.
¿Nos podrías contar un poco más sobre cómo se gestó la pieza?
jonnakinna: La idea de hacer Foley Objects surgió mientras estaba haciendo una película para mi obra Reconstructions [Reconstrucciones] (2012). En esta película, como en general en la industria cinematográfica actual, añadimos los sonidos durante la fase de posproducción. En Reconstructions trabajé con un diseñador de sonido, y creamos todo el paisaje sonoro de la película en el estudio de grabación. Ahí fue cuando empecé a interesarme por cómo se construye el sonido y por cómo la fuente que produce un sonido y la imagen que se utiliza para ilustrar ese sonido concreto aparentemente no tienen nada en cómun.
Parece a la vez sumamente verdadero y, sin embargo, surrealista y absurdo.
Ese fue el punto de partida poético de la serie de fotografías Foley Objects.
a: Las fotografías de Foley Objects son imágenes más bien sencillas de objetos.
Bajo éstas, hay una línea de texto que no parece guardar ninguna relación lógica con el objeto retratado. Por ejemplo, bajo la imagen de la carcasa de un coco par- tida por la mitad reza Hooves (Cascos); bajo la de un sobre se lee Spaceship door (Puerta de nave espacial); y bajo la de una piña dice Dinosaur skin (Piel de dinosau- rio). A mí esto me resulta desconcertante o surrealista, o me recuerda al arte con- ceptual, porque tiendo a presuponer una relación lógica entre la imagen y su título...
j: Exactamente... Raramente pensamos en que la conexión entre una imagen y un texto pase por el sonido. Poca gente sabe lo que significa “Foley”, pero me parecía
(#3)
Fotografía de sonidos y palabras
Anna-Kaisa Rastenberger charla con Jonna Kina
(02) (03)
#3 ¿Finlandia? — Fotografía de sonidos y palabras Anna-Kaisa Rastenberger — Jonna Kina
importante utilizar el término técnico correcto en el título de la serie. “Foley” es el término oficial que se emplea para designar los objetos que se utilizan para producir efectos sonoros en las películas. Esta técnica se utilizó por primera vez en los estudios Universal en Estados Unidos a finales de la década de 1920, cuando nació el cine sonoro. Fue el diseñador de sonido Jack Foley quien desarrolló el método. Amplificó los efectos sonoros y las causalidades relacionadas con el sonido para mejorar la sensación de inmersión audiovisual de las películas. Jack Foley comprendió que era posible crear los sonidos de una película de forma artificial: por ejemplo, las carcasas de coco producían un sonido que parecía más auténtico que el de los cascos de caballo de verdad. Y, lo que es más, el uso de los cocos simplificaba la sincronización del sonido con la imagen en movimiento. También me parecía que era importante ser coherente con la naturaleza documental y la tradición del arte conceptual que está presente en la obra, como en Twentysix Gasoline Stations [Veintiseis gasolineras] (1963) de Ed Ruscha, por ejemplo. Siempre me ha interesado tanto contar historias como crear realidades, y quizá, como resultado, también deconstruir ficciones. En el cine, el diseñador de sonido y el artista de Foley crean sonidos que, a su vez, potencian la vivencia de los espectadores, pero las fuentes que originan estos sonidos distan mucho de las representaciones. Los sonidos construidos producen un efecto más verosímil que los sonidos originales...
a: ... y las fotografías que documentan fielmente las fuentes que originan los sonidos dan lugar a imágenes de cosas completamente distintas. Tengo la impresión de que tus fotografías son imaginarias, “mentiras”, casi...
¿Pero cómo puede mentir una imagen? ¿Sobre qué puede mentir una imagen?
j: Bueno, sí, he pensado en la cuestión del engaño, y en cómo el presunto hecho de hacerlo podría modificar mis obras. Me interesa desmontar una ilusión, un poco como en el cuadro de René Magritte La traición de las imágenes (1928–29) y, por supuesto, también en su obra en general. El MoMA de Nueva York tiene actualmente en cartel una extensa exposición de Magritte. Me interesa ver cómo se expresan las cosas a través de los distintos sistemas de signos, y las brechas que quedan entre ellos. Para mi obra más reciente, Anything, Somewhere [Cualquier cosa, algún lugar] (2013–14) recopilé fotografías de personas de álbumes familiares desechados y fotografié las breves notas que se encontraban escritas en el reverso de las fotos. Una de mis profesoras de la Escuela de Artes Visuales advirtió ciertas similitudes en la letra de las imágenes de mi serie y me preguntó si había escrito los textos yo misma.
edruscha
Twentysix Gasoline Stations [Veintiseis gasolineras], 1963.
Libro de artista. National Excelsior Press.
renémagritte
Treachery of Images
[La traición de las imágenes], 1928–29.
Óleo sobre lienzo. 63,5 cm × 93,98 cm. Los Angeles County Museum of Art.
(04) (05)
De repente me empezó a interesar la posibilidad que ofrece el engaño. Por otro lado, sin embargo, quiero que el espectador perciba las colecciones como reales, que sienta que están formadas por piezas genuinas, en el sentido documental, pero que también son otra cosa.
a: Quizá sean cuestiones básicas como las que se suelen plantear en el contexto de la fotografía. Le damos más crédito a las fotografías que a la realidad. Creemos en lo que se nos dice que representa la fotografía o en lo que queremos que represente...
j: ...y para que una fotografía engañe basta con recortarla. Una fotografía es una forma muy limitada de compartir experiencias, porque solo presenta un punto de vista específico en un lapso de tiempo muy breve. Esta limitación es relevante en mi obra Foley, porque proporciona a los objetos retratados un nuevo contexto y una nueva función. Algunos de ellos son objetos cotidianos a los que se les da un uso alternativo. Pueden estar rotos, o ser inadecuados para cumplir su función original, pero siguen siendo válidos para crear sonidos, en el sentido de que son ready-mades.
Y asombran a la gente: ¿cómo puede algo como esto hacer un sonido como este?
a: Solo ahora empiezo a entender lo fascinante que es tu modo de abordar el movimiento y el espacio en tu obra. Por ejemplo, que hay que mover los objetos de una manera determinada para crear un sonido determinado, y que el espacio tiene que tener una configuración determinada para poder crear el sonido...
j: ¡Es mágico! Unas veces el artista de Foley hace un gesto muy sutil y, otras, necesita realizar movimientos muy específicos para crear un sonido. Algunos artículos son “objetos de sonido” únicos que se utilizan una sola vez para un proyecto concreto, y otros son clásicos, como el papel de aluminio para producir el sonido del fuego o la harina de patata para crear el sonido de la nieve. A veces me he preguntado cuánto debo contarle a las personas que me preguntan cómo puede un objeto hacer un sonido específico. ¿Cuánto se supone que debo revelar? En Foley Objects, me limito a revelar el objeto y el nombre del sonido: el resto lo dejo abierto a la interpretación de cada cual. A veces es obvio cómo se utiliza el objeto retratado para crear un sonido. Pero otras veces, no es fácil deducir la relación. Por ejemplo, la conexión entre el sonido que hace un revólver y una pieza desconocida de metal es más complicada. La pieza pertenece a una máquina de coser, pero como es un objeto relativamente raro, que no se utiliza en lo cotidiano, es difícil determinar el sonido correspondiente que hace. Lo cual muestra que el objeto, la palabra y el sonido forman un significado especial.
jonnakina
Fire [Fuego], serie Foley Objects, 2013. Impresión con tintas de pigmentos Archival, 39 x 39 cm.
(06) (07)
#3 ¿Finlandia? — Fotografía de sonidos y palabras Anna-Kaisa Rastenberger — Jonna Kina
jonnakina
Hooves [Cascos], serie Foley Objects, 2013. Impresión con tintas de pigmentos Archival, 39 x 39 cm.
jonnakina
Revolver [Revolver], serie Foley Objects, 2013. Impresión con tintas de pigmentos Archival, 39 x 39 cm.
(08) (09) a: Entiendo que no quieras que los espectadores se preocupen por resolver
los rompecabezas de la serie Foley Objects hasta el punto de que las fotografías acaben por convertirse en meros acertijos visuales y sonoros.
Pero, por otro lado, siento que no deberíamos subestimar el placer del descubrimiento asociado a las imágenes de tu serie, o el (posible) paso final de un sistema de signos a otro. Al menos yo ya no podré volver a mirar una piña sin pensar en la piel de un dinosaurio.
j: Es esencial que el texto forme parte de la fotografía, que esté dentro de la fotografía. Quizá leer imágenes sea lo que más me interesa. Después de todo,
¿acaso no genera la lectura siempre imágenes visuales?
a: Sabemos que la conexión entre una imagen y una palabra es aprendida.
No obstante, la conexión entre una palabra y una imagen a través de un sonido suele ir asociada a la pronunciación de la palabra y a la imagen visual que crea. El sonido es palabra y lenguaje. Me gusta la idea de que las fotografías de Foley Objects sean al mismo tiempo imágenes de sonido de múltiples lenguajes y también palabras sin lenguaje.
* * *
a: Siempre me ha fascinado tu capacidad para transformar las palabras en imágenes. Parece que muchas de tus obras también abordan cómo se crean las imágenes y qué constituye una imagen, lo cual es, claro está, una cuestión muy fundamental. Tengo la sensación de que la fotografía más simple y básica de un micrófono (Untitled [Sin título], 2012) de tu serie Reconstructions aborda estas cuestiones y, de alguna manera, ya anticipa la serie Foley Objects. Ilustra la forma en que las fotografías objetifican el mundo y lo hacen bidimensional.
La cámara nos permite ver el mundo sensorial a posteriori, tal como lo transmite la imagen. Por analogía con la cámara, que registra la imagen, el micrófono registra el sonido. Es un medio para documentar el sonido, que luego puede ser fuente de interpretaciones visuales. Así, una fotografía de un micrófono no solo hace tangible la capacidad de registro de la cámara, sino que también registra y transmite el objeto que registra y transmite el sonido. El micrófono y la cámara han sido siempre herramientas tanto para construir como para reconstruir observaciones. Porque las aislan; tienen la capacidad de “coleccionarlas” y
presentarlas para que las veamos y las escuchemos. jonnaSnow [Nieve], serie Foley Objects, 2013. kina Impresión con tintas de pigmentos Archival, 39 x 39 cm.
