LA ERA DEL ASENTAMIENTO TIPOGRAFICO
1.1 -La gráfica y la tipografía del siglo V.
Características y evolución de los manuscritos desde la caída del Imperio
Romano hasta el S. XIV.
Unidad 1
Unidad 2
CONCEPTO DE DISEÑO EN LAS ARTES PLASTICAS
2.1 El Renacimiento y el diseño. Su desarrollo dentro de la tradición de las
Bellas Artes. El surgimiento de las artes gráficas y su vinculación con los
procesos de industrialización. Las teorías de la autonomía del arte y el rol
del diseño en la modernidad. Arte, diseño y reproductibilidad técnica.
2.2 Revolución industrial.
La sociedad industrial. Antecedentes y consecuencias. Primera y segunda
Revolución Industrial. Avances tecnológicos y su impacto sobre la gráfica.
Nuevas formas tipográficas.
DE LAS ARTES PLASTICAS AL DISEÑO
3.1- El fin del siglo XIX y el auge del Arte Nuevo.
Los antecedentes de la escuela de las Arts and Crafts en Inglaterra. William
Morris y su programa de reforma de las artes y la sociedad. Kellmscott Press y
la importancia de la producción editorial.
Las teorías de Henri Van de Velde: La ruptura con el historicismo y la
búsqueda de un Nuevo Estilo. El impacto en la Gráfica.
Los maestros del cartelismo: Cheret, Mucha y Grasset. La obra de
Toulouse Lautrec y Bonnard. El Art Nouveau. La Secesión Vienesa y la
corriente simbolista. La obra de Gustav Klimt y Koloman Moser.
3.2--El Expresionismo. El Plakatstil. Prolegómenos del Diseño Moderno
La Wiener Wekstatte y el expresionismo austríaco. Ruptura y continuidad con
los postulados de la Secesión Vienesa.
La obra gráfica de Joseph Hoffman, Oskar Kokoshka.
Alemania y el racionalismo naciente con la obra de Peter Behrens. Los inicios
del Diseño corporativo.
El Plakatstil y la obra de Lucian Bernhard.
LA EPOCA DE LAS VANGUARDIAS
4.1- Las vanguardias artísticas y su aplicación al diseño
Definición de Modernidad, distintas fases. La vanguardia como fenómeno
social y estético del siglo XX. Sus formulaciones teóricas y su aplicación al
campo del diseño. Distintos conceptos de vanguardia. Vanguardias negativas
y constructivas.
Cubismo, Futurismo, De Stijl, Dadaísmo, Constructivismo, Surrealismo.
Unidad 3
Unidad 4
HISTORIA
DEL DISEÑO
1
A ñ o 2 0 1 1
FBA - UNLP
Prof. Titular DCV Nilda Guarino
4.2-Dadaísmo
La radical ruptura dadaísta con la institución arte y su importancia en el diseño
gráfico moderno.
La corriente alemana y la corriente francesa. Las técnicas dadaístas. La
importancia de la obra de Kurt Schwiatters, Raoul Hausmann , Tristan Tzara y
Marcel Duchamp.
La gráfica dadá: Die Jugen y Mertz. La obra de John Heartfield.
4.3-Los talleres Vchutemas y el Constructivismo Ruso
La vanguardia rusa en el período postrevolución. Suprematismo y
constructivismo. Las teorías productivistas y la abolición de los límites entre
arte y trabajo.
Las escuelas Inchuk y Vchutemas. Vanguardia y propaganda política. La obra
de A. Popowa, El Lissitsky, Alexander Reodchenko. El cartelismo soviético.
Los hermanos Stenberg. El relismo socialista. Gustav Klucsis.
4.4- Bauhaus
Los distintos cambios ideológicos en la orientación de la escuela: del
expresionismo inicial a la nueva objetividad.
Gropius y sus programas. Influencia de las vanguardias como constructivismo
y De Stijl. El racionalismo de Hannes Meyer. El aporte de Mies van der Rohe.
La gravitación decisiva del pensamiento de Kandinsky en la escuela. Las
teorías de L. Moholy Nagy y su Nueva Visión:la búsqueda de la racionalidad y
los nuevos medios de expresión. Bayer, Schmidt y la tipografía.
El legado fundamental de la escuela Bauhaus.
4.5- Jan Tschichold y el movimiento de la Nueva Tipografía
Una estética moderna para el diseño gráfico y tipográfico.
Sus primeros trabajos en Alemania. Influencias vanguardistas. La Nueva
Tipografía de los años veinte.
Su radicación en Suiza y la renuncia a los postulados de vanguardia. La vuelta
al diseño clásico y la polémica con Max Bill en la segunda postguerra. Diseño
editorial.
4.6- La extensión de las vanguardia en
el período anterior a la segunda Guerra Mundial
El Art Decó y la creación de un estilo moderno de circulación masiva a fines de
los años veinte y principio de los treinta. La experiencia en Francia.
La obra de Cassandre, Cappielo y Carlú. La experiencia en Inglaterra. La obra
de McKnight Kauffer.
La obra precursora de Diseñadores independientes. Composiciones
asimétricas, tipográficas. Diseños caracterizados por la objetividad.Ladislav
Sutnar, Piet Zwart,Paul Schuitema y otros.
EVOLLUCION GRAFICA EN ARGENTINA
5.1-Producciión gráfica a partir de 1500
Los impresos en las Misiones Jesuíticas. Las Artes gráficas durante la
Revolución de Mayo. La imprenta en el Río de La Plata.
5.2-Gráfica editorial desde 1810
Primer periódico:Telégrafo Mercantil. El período federal y el diseño: César
Hipólito Bacle (Diario de Anuncios. La importancia de la aparición de la
fotografía. Otros avances tecnológicos y su relación con la gráfica. Enrique
Stein (El Mosquito). Gráfica ochocentista. Otras publicaciones: La Gaceta
Mercantil, El Telégrafo del Comercio, La Mañana, Caras y Caretas, etc.
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Historia del humor gráfico y escrito en la Argentina. Eudeba, Buenos Aires 1987Wick, Werner.
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La Bauhaus. Destino, Buenos Aires 1991Wingler, Hans.
La Bauhaus. Weimar, Dessau, Berlín. 1919-1033. G.G. BarcelonaWrede, Stuart.
The Modern Poster. Museum of Modern Art. New York 19885.3-La gráfica moderna desde 1900 a 1940 en el área editorial
El Art Nouveau, el Art Decó, las vanguardias y otros movimientos y
escuelas incorporados a la gráficas argentina.
Las vanguardias aplicadas al diseño y la publicidad. La revista como medio
de difusión.
**HISTORIA DEL DISEÑO 1**
Unidad 1.
La era del asentamiento tipográfico
1.1 -La gráfica y la tipografía del siglo V.
Períodos artísticos desde el siglo I y la Edad Media -Cristiano primitivo y paleocristiano. SI al SVI-Bizantino: Comienza en medio del arte cristiano y llega a su apogeo con el reinado de Justiniano (527-565). SIV al XII – Auge del Mosaico
-Arte Carolingio (SVIII y IX)
-Romántico: Arte religioso de amplia difusión, de gran alcance, ornamentación geométrica tçy estilizada. Síntesis de diversas influencias. SXI y XII
-Gótico: Conviven imaginación (dragones, gárgolas) y realidad (episodios de Cristo y el Evangelio) SXII y XV La gráfica y la tipografía del siglo V hasta el siglo XIV
SI – Documento cristiano más antiguo
Tras la caída del Imperio Romano este queda dividido en Oriente y Occidente. El Oriente con la capital en Constantinopla se transformó en una sociedad sofisticada. El Occidente con la capital en Roma pasó a ser una zona de villas con población analfabeta y pobre. La comunicación era escasa o nula ya que era peligroso viajar. En ésta zona la cultura se mantuvo en la fe cristiana, siendo las Iglesias el único centro de actividades culturales e intelectuales. El estímulo de esto era la producción de Biblias y ediciones cristianas.
Las Iglesias produjeron manuscritos iluminados como medio para la enseñanza de la fe, llamados así por sus adornos de oro y plata. Se tuvo un cuidado especial por el diseño y la decoración de los mismos porque trataban de resaltar el significado de la palabra. Los manuscritos iluminados eran costosos y tomaba mucho tiempo realizar alguno. El soporte de la escritura era el pergamino obtenido de la piel de las ovejas y se necesitaban alrededor de 25 y 30 pieles para un libro. Las tintas más comunes eran de color negro (preparada con hollín de humo), color café (obtenida por la raspadura de hierro), color rojo (mezcla de goma y tiza roja o sangre animal). Para la decoración y el resalte se utilizaban colores oro y plata (obtenidos de la pulverización del material o una fina lámina). Las tapas de los libros eran de madera cubiertas con pieles.
Estos manuscritos eran de largo tiempo de producción debido a que se copiaban a mano con pluma por los copistas y eran decorados por los iluminadores o ilustradores libro por libro. Los libros producidos eran pequeños en tamaño y de fácil transporte, pero los peligros en los viajes hicieron que los conocimientos tardaran en llegar de zona a zona y se produjeron diseños regionales. La producción ckl libros estaba controlada por el titular del scriptorium y se producían en el scriptorium monástico.
El manuscrito iluminado mas antiguo que existe en el Virgilio del Vaticano creado en el siglo V. No hay antecedentes anteriores de libros debido a que Julio César, al llegar al poder, quemó todos los manuscritos producidos.
En ésta época comenzó a utilizarse el pergamino como soporte de escritura ya que permitía generar trazos mas libres que el papiro y era mas durable. El diseño del Virgilio del Vaticano muestra una tipografía gruesa en mayúscula, una columna de texto ancha y las ilustraciones enmarcadas del mismo ancho de la columna pudiendo ser ubicada debajo o arriba del texto, y en ella aparecen escritos los nombres de las figuras principales. Uno de los diseños elegantes de la época era teñir las hojas de color púrpura y hacer las decoraciones en oro.
Manuscrito Iluminados La decoración de esta página de un Libro de Horas francés, incluye una
miniatura, letras capitales decoradas y bordes. Copistas Virgilio del Vaticano
El diseño fue avanzando hacia estilos de escrituras mas simples, sencillos y de rápida construcción. Es así como nacen la Uncial y posteriormente la Semi Uncial. La letra Uncial se llama de esta manera debido a que es construida dentro de dos líneas horizontales a una distancia de una uncía (1 pulgada romana). Sus letras son mayúsculas y redondas. La Semi Uncial se construye dentro de cuatro líneas horizontales y contempla la altura de la "x" del tamaño de una uncia, y un espacio superior y otro inferior para los trazos ascendentes y descendentes. Aquí nace la escritura minúscula. Eran fáciles de escribir y tenían mayor legibilidad.
A partir del siglo VII el diseño celta influenció en los libros de la época. Esto se produjo debido a que cruzadas misioneras en Irlanda trataron de evangelizar a los celtas haciéndolos participes en sus diseños. El estilo celta aportó formas abstractas y complejas con ornamentos geométricos y figuras sencillas. Entre sus mayores aportes están los marcos ornamentales,
páginas de alfombras (densas en textura) y el entrelazo. Las letras capitulares se dibujaban mas grandes para integrar al texto en el diseño. Otro aporte fue la separación entre palabras que dio mas legibilidad.
La semiuncial fue reformada por los celtas y tomó el nombre de insular. También los generosos márgenes empezaron a aplicarse y las ilustraciones de página entera caracterizaron al diseño de la época.
Uncial Semiuncial Uncial
Carlomagno (742-814) Emperador de Occidente
-Restauración del Imperio Cristiano -Uso de la nueva escritura
-Aparecen rasgos naturalistas
-Utilizaron técnicas de pinturas ilusionisticas
Tras las invasiones del norte el diseño se estanca y en el 800 Carlomagno intenta volver a los manuscritos iluminados y llama a crear un nuevo tipo de letra; así surgió la Carolingia (mezcla entre letras romanas y célticas). Esta tipografía con minúsculas devolvió legibilidad y en los diseños utilizaban mayúsculas monumentales romanas. Los libros se vuelven mas uniformes. Por esta misma época en España, tras ser derrotada por los moros, se produce el expresionismo pictórico (mezcla entre el diseño español y el islámico). Utilizaba dibujos geométricos de color intenso, estrellas, rosetas, polígonos, colores agresivos en dos dimensiones y marcos decorativos para las ilustraciones. En el siglo XI los moros pierden poder en Epaña y se abre la comunicación al mundo y el diseño se inclina al estilo carolingio.
LA PECIA – Sistema de optimización del pergamino. El papel entra a España en el SX y se generaliza en el SXIV. Utilización de márgenes medievales.
En el siglo XII el aparece el período gótico caracterizado por figuras verticales alargadas con vestidos, diseño bastante funcionales, ilustraciones en el ancho de la columna y colores azules, verdes, rojos, castaños, grises y amarillos. Las tipografías eran compuestas con trazos verticales, condensando las letras y los espacios entre palabras (formaban una especie de textura).
En el período gótico se produce un crecimiento en las Universidades, lo que requiere mayor producción de libros y el tema principal de sus diseños eran las imágenes de la vida cotidiana de la gente.
TEXTUR – Del estilo gótico
Ascensión a Dios. Progresivo acercamiento a la naturaleza (aunque no puede afirmarse que el arte gótico en su totalidad sea naturalista).
El final del periodo llega con la aparición de los hermanos Limbourg que buscan una ilustración más realista a partir de la perspectiva y una fuente de luz para las luces y sombras. Por estos años aparece la impresión en bloques de madera que atenían contra los manuscritos iluminados, pero estos no llegan a su fin hasta la creación del libro tipográfico.
Carolingia
Los Hermanos Limbourg, o en holandés Gebroeders van Limburg (Herman, Paul, y Johan)fueron unos famosos pintores miniaturistas de la época medieval, de la ciudad de Nimega. Se encontraban activos a principios del siglo XV en Francia. Son conocidos sobre todo por el manuscrito iluminado de Las muy ricas horas del duque de Berry (Les Très Riches Heures du Duc de Berry o Les Très Riches Heures, en francés, es un libro de horas, con amplias ilustraciones, que contiene plegarias para ser recitadas por los fieles laicos en cada una de las horas canónicas del día. Está escrito en Latín. Se conserva actualmente en el Museo Conde de Chantilly (Francia).
Unidad 2.
Concepto de diseño en las artes plásticas
2.1 El Renacimiento y el diseño.
Renacimiento
:
SXV y XVI. Período racionalizador e individualistaPeriodo de la historia europea caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. El renacimiento comenzó en Italia en el siglo XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI.
Se lo considera el nacimiento de la humanidad y de la conciencia modernas tras un largo periodo de decadencia.
El renacimiento italiano fue sobre todo un fenómeno urbano, un producto de las ciudades que florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia.
Una de las más significativas rupturas renacentistas con la tradición medieval se encuentra en el campo de la historia. Esta se convirtió en una rama de la literatura más que de la teología; los historiadores renacentistas rechazaron la división medieval cristiana de la historia, que se iniciaba con la Creación, seguida por la encarnación de Jesús, para terminar con el posterior Juicio Final. La visión renacentista de la historia también constaba de tres partes: comenzaba con la antigüedad, continuaba con la edad media y se completaba con la edad de oro, o renacimiento, que acababa de iniciarse. Mientras que los eruditos medievales contemplaban con recelo el mundo pagano griego y romano creyendo que vivían en la última etapa histórica, previa al Juicio Final, sus colegas renacentistas exaltaban el mundo clásico, condenaban el medievo como una etapa ignorante y bárbara y proclamaban su propia era como la época de la luz y de regreso al clasicismo. Esta visión er a expresada por muchos pensadores renacentistas que recibieron el nombre de humanistas. La perfección del cuerpo humano mediante el entrenamiento físico, ideal que raramente se conoció en la edad media, se convirtió en uno de los objetivos de la educación renacentista. Los estudios humanísticos, junto a los grandes logros artísticos de la época, fueron fomentados y apoyados económicamente por grandes familias como los Medici en Florencia.
ARTE RENACENTISTA: en toda Europa aproximadamente desde 1400 hasta 1600.
El arte renacentista alcanzó el concepto científico de perspectiva lineal que hizo posible representar el espacio tridimensional de forma convincente en una superficie plana.
El renacimiento se corresponde en la historia del arte con la era de los grandes descubrimientos, impulsados principalmente por el deseo de examinar todos los aspectos de la naturaleza y del mundo.
El renacimiento de las artes coincide con el desarrollo del humanismo, en el que sus seguidores estudiaban y traducían textos filosóficos. También fue un periodo de descubrimientos de nuevas tierras; las embarcaciones se hicieron a la mar en busca de nuevas rutas hacia Asia, que dieron como resultado el descubrimiento de América
Los ideales renacentistas de armonía y proporción culminaron en las obras de Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel durante el siglo XVI.
Barroco:
SVII. Período de excesos decorativosEstilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año
1600 hasta el 1750. Sus características perduraron a lo largo de la primera mitad del siglo
XVIII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo rococó.
Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyer on en el arte
La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.
La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y la Contrarreforma, lanzada a combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro sentido de propagación de la fe.
Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
R ococó:
SXVIII. Período de mucha decoración y pequeños detalles (Marcan élites sociales. Se recorta a aquellos que tienen dinero.)
Rococó, estilo pictórico y decorativo del siglo XVIII que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada.
El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso, especialmente en iglesias y espacios sagrados.
En Francia dio paso al austero estilo neoclásico a finales del siglo XVIII y desapareció con el inicio de la Revolución Francesa en 1789 de manera repentina y por completo.
Humanismo y Renacimiento
Desde XXIV a principios del SXVI - Una mirada hacia atrás
- Renace la perfección grecorromana (geometría, matemática, ciencia, arte)
- Gran tecnología moderna e inventos: viajes, invención de la imprenta, gafas, fundiciones de hierro, pólvora, relojes mecánicos, molinos de viento, combustible, la brújula, los inventos de Leonardo.
Humanismo:
- Petrarca (1304-1374). “Había que restaurar la luz”. Luz, armonía, belleza. Propone al hombre como centro de interés. - Bocaccio (1313-1375). Aplica la teoría de Tetrarca y la renovación pictórica de Giotto. Renovación, restauración,
despertar.
- Imitan los modelos del pasado - Coleccionistas, museistas
- Microcosmos referencial: el individuo es lo más importante. - Elitismo del artista
- Mecenazgo
- Se abandona el anonimato - Se unen ciencia y arte
− Se representa la vida cotidiana
2.2 Revolución industrial.
Artes Gráficas y su Industrialización (procesos de reproductibilidad)
Las Cruzadas permitieron que ingresara a Europa la influencia oriental (China principalmente) y de este modo apareció primero el papel y después las impresiones en bloques de madera. Los primeros impresos fueron juegos de naipes que es sus inicios era el juegos de los reyes y con el paso del tiempo se convirtió en un juego popular y clandestino. Esto motivo a la reproducción de muchos juegos de naipes. Otras de las primeras impresiones eran las imágenes de Santos que tenían inscripciones al pie y servían para instruir a los analfabetos. Mas tarde estas impresiones se transformaron en lo que se conoció como libros de bloque (compuesto entre 30 y 50 hojas, impresos a una cara y de coloración manual).
Debido a que la peste había terminado por la cuarta parte de la población en Europa, apareció el primer libro de propaganda, Ars Morendi (Arte de Morir), que incitaba a que los fieles dejaran todos sus bienes a nombre de la Iglesia, priorizándola antes que a la familia.
En 1450 aparecen los tipos móviles para la impresión creados por Gutemberg. Eran construidos con un a aleación de estaño, plomo y antimonio, que contenían en su cúspide letras, números y signos en relieve de características cuadradas, y se utilizaba para la impresión una tinta espesa y pegajosa a base de aceite. Las primeras impresiones fueron Las Caria de Indulgencia en 1454. Gutemberg comenzó un proyecto para imprimir una Biblia en hojas compuestas por 42 líneas de texto, pero por problemas económicos y un previo pedido de préstamo que no pudo pagar, Fust su socio y prestamista lo demandó y se quedó con los inventos de Gutemberg. Fust se asoció con Schoeffer, antiguo asistente de Gutemberg y en 1456 imprimen la Biblia de 42 líneas. Por esta razón Gutemberg imprimiría mas tarde, junto a su socio Hornero la Biblia de 36 líneas.
Fusí y Schoeffer innovaron en la impresión realizando tipos mas pequeños para ahorrar gastos y la impresión de las letras iniciales a dos colores. En 1463 imprimieron la primer portada de la historia y aparece la marca de los impresores.
Al mismo tiempo que Gutemberg realizaba el invento del tipo móvil, un artista alemán llamado Maestro de los Naipes creo los primeros gravados en láminas de cobre, a las cuales les realizaba el dibujo, le aplicaba la tinta en las ranuras, limpiaba la superficie y la presionaba sobre el papel para producir la impresión.
Desde el nacimiento de los tipos móviles hasta finales del siglo se extiende el período Incunable (referido al inicio de algo), en donde hay una expansión de la imprenta y aumento en la impresión de libros como publicaciones religiosas, hojas sueltas y folletos. La utilización de tipos redujo los costos y los tiempos de impresión.
La imprenta permitió la propagación de ideas y estabilizó y unificó los idiomas terminando con la escasez de libros.
Los impresos del Incunable solo lograron reemplazar a los capistas debido a que su aporte al diseño fue poco y las terminaciones, ilustraciones y decoraciones las realizaban los iluminadores a mano.
NUEVOS CONCEPTOS:
- León Battista Alberti: “El diseño es toda idea separada de la materia, es la imagen de la obra independiente de los procesos técnicos y de los materiales necesarios para realizarla…, tales objetivos los conseguiremos mediante el trazado y la previa delimitación de ángulos y líneas en una dirección y con una interrelación determinada”
- Filippo Brunelleschi: Establece el cálculo previo para aplicar la construcción. - Conclusión: Se separa el campo simbólico del productivo
El Renacimiento innovó al crear dos sistemas de percepción: tipografía y pintura. La pintura mostraba el mundo natural a partir de fuentes de iluminación que generaban luces y sombras y el uso de la perspectiva. La tipografía creó un orden en la información y en el espacio de manera secuencial y repetible.
Perspectiva y proporción en la pintura: Piero Della Francesca, Luca Pacioli, Alberto Durero
La innovación en el diseño tuvo lugar en Alemania, donde su máxima expresión fue el libro ilustrado, el primer libro con ilustraciones grabadas e impresas. De esta manera se da el desarrollo del libro ilustrado en Alemania.
En 1493 se le encargó a Koberger la edición del libro "Crónicas de Nuremberg" una de las obras mas importantes del diseño gráfico de los Incunables. La edición tiene ilustraciones a página completa, grabados insertos en el texto y otros alineados en columnas horizontales. Durero escribió tres libros en Alemania mostrando la calidad de los diseños italianos. En éste explicaba la construcción geométrica bidimensional, la perspectiva lineal, las decoraciones y las formas de las letras. Esto ayudó de manera importante a la evolución del diseño del alfabeto en Alemania.
Florencia – Período del Quattrocento (Sandro Botticelli, Paolo Uccello, Masaccio, Filippo Lippo) Roma – Período del Cinquecento (Rafael Sandio)
Quatroccentto: El arte del quattrocento se resume en gran medida por medio del trabajo del humanista y latinista Leon
Battista Alberti, que se formó en el norte de Italia después de que su familia fuera expulsada de Florencia. Tuvo una experiencia directa con la pintura y con la escultura y también fue un ingenioso arquitecto.
Leonardo da Vinci, realizó investigaciones científicas y artísticas que se encuentran entre las más importantes del renacimiento. El polifacético Leonardo cultivó todas las artes así como otras disciplinas.
La segunda generación de pintores está representada por Sandro Botticelli un artista que disfrutó del mecenazgo de la familia de los Medici en Florencia. Su estilo es lírico, fluido y a menudo decorativo y abarca tanto temas religiosos como paganos.
Cinqueccento: Los artistas de la siguiente generación fueron los responsables de elevar el arte a su expresión más noble. Este
periodo, que comprende el siglo XVI, se inició con Leonardo da Vinci cuando regresó de Milán a Florencia en el año 1500. Allí, encontró al joven Miguel Ángel que realizaría la famosa escultura del David.
Durante el cinquecento, los artistas intentaron reducir sus temas a la más pura esencia; las características secundarias, los detalles o las anécdotas captaban la atención del espectador para conducirle a la esencia real del tema.
Desde el invento de la imprenta hasta el siglo XIX el pliego suelto se convirtió en el principal medio de comunicación para la distribución de la información.
En 1465 un cardenal italiano lleva la imprenta a Subiaco invitando a dos imprenteros reconocidos en Alemania que crearon un alfabeto doble, basado en las minúsculas carolingias. Después se mudaron a Roma y crearon un alfabeto romano mas completo (prototipo del uso actual).
En 1475 Caxton imprime el primer libro de lengua inglesa, con un diseño tosco, de poca elegancia y con dibujos torpes. En 1473 llega la imprenta a España y el 1522 a América (México).
El Renacimiento y el Diseño
Los italianos realizaron una serie de innovaciones en el diseño del libro tipográfico: portada, tipo romano e itálico, número de páginas impresas, ornamentos grabados (madera o metal) y nuevas disposiciones de ilustraciones y los tipos.
Jenson convirtió en uno de los diseñadores de tipos mas importantes de la historia. En sus tipografías
dio principal importancia en la alineación exacta, legibilidad y espacios entre letras. Desarrolló una gran inclinación por la decoración floral: flores silvestres y enredaderas. Otro importante impresor en Italia fue Ratdolt quien produjo varias innovaciones en el diseño, entre ellas, el uso de orillas e iniciales grabadas, gran margen exterior y el uso de figuras geométricas y las líneas y flores de trazos finos.
Aldus Manutius logró en sus diseños una gran armonía entre texto e ilustración y una
integración de las imágenes con la tipografía. Publicó el primer libro de bolsillo que se realizó con una escritura a manos inclinada (tipo itálico de Griffo).
Con la impresión tipográfica se produjo una declinación de la escritura manuscrita, pero el crecimiento del alfabetismo creó una demanda de maestro de escritura para enseñar a escribir. Carlos VIII tras su derrota en un intento de conquista a Italia, importa la cultura
del Renacimiento a Francia. Francisco I en 1515 apoya a numerosos humanistas, autores y artistas visuales. Comienza la época de oro de la tipografía francesa. El Estado buscando mantener el control y la autoridad, comenzó con la censura de los humanistas. A pesar de ello se creó una escuela de diseño gráfico.
Los impresores lograron libros de gran legibilidad, ornamentación elegante, hermosa tipografía y proporciones. Entre ellos se encontraban Estienne y Tory. El último desarrolló el estilo del Renacimiento francés del diseño del libro y de la ilustración: claridad, innovación en la forma y armonía de varios elementos, textos, iniciales mayúsculas, orillas e ilustraciones.
En Francia apareció Garamond, perfeccionando los tipos de letras romanas, dándoles gran legibilidad, belleza y ajuste a distancia entre palabras que aumentó su armonía. El fin de la
edad de oro francesa llega en manos de un conflicto entre las tropas francesas y la Iglesia de la Reforma, que iniciaron cuatro décadas de guerras religiosas.
A principio del siglo XVII Daynes (inglés) imprimió el primer libro en las colonias británicas en América. El diseño fue cuidadoso pero poco elegante.
Durante el siglo XVII no hubo innovaciones notables en el diseño gráfico. El diseño y la Impresión solo representaban un negocio económico.
En 1692 Luis XIV de Francia ordenó desarrollar un nuevo tipo bajo principios científicos. Así nace la Romai du Roí. Este era un refinado diseño que carecía de propiedades caligráficas inspiradas en la pluma, presentaba gran contraste entre gruesos y finos y gran equilibrio. Esta tipografía inició las llamadas romanas de transición y reemplazaron al calígrafo por el ingeniero tipógrafo.
Desde 1720 hasta 1770 se desarrolló el diseño gráfico Rococó caracterizado por ornamentos floridos e intrincados. La figura máxima fue Fournier, quien publicó en 1737 el libro Primera tabla de proporciones donde establecía medidas en líneas y puntos. Sus investigaciones sobre fundición le permitieron producir líneas sencillas, dobles, triples y el tipo mas grande de metal hasta el momento.
CASLON. Inglaterra, 1700
Se hizo popular por los diseños de tipo con buena legibilidad y firme textura. Diseño del tipo de fundición. Estilo antiguo con itálicas. Aumento del contraste entre trazos finos y gruesos.
BASKERVILLE. Inglaterra, 1750
Fue un innovador que rompió con las reglas dominantes de diseño e impresión: diseño simple, grandes márgenes y espacios. Creó el papel avitelado con una superficie tersa y brillante nunca antes vista. Lo logró gracias al satinado en caliente.
Gran diseñador de tipos. Diseños de tipos de transición entre estilo antiguo y moderno. Tipos más anchos con contraste entre finos y gruesos. Alineamientos perfectos entre líneas. Simétrico, equilibrado, columnas abiertas, interletrados, diferencias entre grises.
GIAMBATTISTA BODONI. Italia, 1770
Diseñador de calidad del tipo moderno,, usado por primera vez en su Manual Tpográfico (luego perfeccionado). Inicia el estilo moderno con una tendencia hacia un tono y textura tipográfico más ligero. Descartó orillas y ornamentos decorativos, se basó en formas grecorromanas. En su tipografía Bodoni propuso trazos verticales gruesos que se unen con un serif fino en ángulos rectos y agudos. El diseño era matemático y geométrico. Estandarizó medidas y formas (propio del concepto de la era industrial)
FIRMIR DIDOT. Francia, 1780
Tipos con calidad más geométrica. Pertenece a la categoría de romanas modernas. Encuentros entre rectas y remates rectos. Introdujo los estilos de tipos, maigré (delgado) y grass (grueso), similares a los tipos expandidos y condensados de nuestra época. A partir de las medidas de Fournier crea un sistema basado en puntos, que fue adoptado por casi toda Europa.
En oposición a Bodoni y Didot aparece la figura de Blake (inglés), que realizó diseños mas decorativos, intercalando letras entre ilustraciones.
El Renacimiento (siglo XVIII) terminó con las revoluciones políticas en Francia y las colonias americanas y en Inglaterra se inició lo que se da a llamar Revolución Industrial, que generó la transformación de la sociedad.
Revolución Industrial
Sistemas de producción
- Litografía. 1796. Aloys Senefelder
- Koenig. 1800. Máquina a vapor en la prensa mecánica
- Cromolitografía. 1840. William Sharp. Boston. Dos o tres piedras litográficas. Sobreimpresión.
Los diversos materiales gráficos jugaron un papel importante en la comercialización de los productos industriales. Gracias a las otras revoluciones (Francesa y Americana) hubo una mejora en la educación pública y mas gente comenzó a saber leer. Por ello el período de la Revolución Industrial se caracterizó por la gran disponibilidad de la comunicación gráfica, y la tecnología que hace baja los costos y se produce para una demanda insaciable. La Revolución Industrial es el inicio de la era de las comunicaciones. Otro aspecto importante para el diseño es la consolidación de una escala internacional de tipografía y la invención de la, fotografía. Las fábricas se dividieron en diseño y producción. Con la litografía se amplían las aplicaciones del diseño gráfico pudiéndose utilizar imágenes a todo color
Las innovaciones tipográficas se dan por una necesidad de la época. Toman formas más abstractas, de mayor impacto visual y de mayor tamaño para poder ser leídas a mas distancia debido a la necesidad de carteles publicitarios eficaces. Es aquí donde nacen tipos más densos y visibles a distancia como las egipcias.
Inglaterra tuvo un papel fundamental en la creación de nuevos tipos gracias a los litógrafos que innovaban. Thorbe crea en 1803 un tipo de letras mas gruesas y sin contrastes entre las astas. En l815 Figgins presenta un muestrario donde aparecen nuevas tipografías de estilos modernos y se pueden clasificar en tres grupos que sarán las tres grandes innovaciones que la Revolución Industrial realizó en cuanto a la tipografía: toscazas, egipcias y sans-serif. Otra innovación de Figgins son los caracteres tridimensionales, realizados mediante sombras. En 1830 se inventa el tipo de letra jónico de mayor contraste entre las astas que el egipcio pero de características similares.
En 1815 Caslon (hijo) presenta las sans-serif. Los primeros tipos no eran elegantes y se utilizaban para subtítulos y material descriptivo. En 1827 Wells muestra un catálogo de tipos de madera de gran tamaño para carteles.
A pesar del esfuerzo que hicieron los tipografistas para mantenerse en la carrera de los carteles publicitarios casi nada pudieron hacer contra la litografía. Las impresiones tipográficas tenían muchas limitaciones en tamaño y en forma ya que solamente se podía utilizar los tipos de los que se disponían, cuando en cambio, la litografía proponía una libertad inigualable por el anterior. La sola limitación de la litografía era la inspiración y la creatividad del artista. Podían realizarse tipos de gran tamaño, de diferente forma, irregulares, entre otras cosas como imágenes a todo color.
Los carteles tipográficos con caracteres de madera subsistieron durante varios años hasta que en 1870 se produce un gran adelanto en la litografía que termina por desplazarlos. Igualmente la tipografía siguió avanzando pero se enfocó mas que nada a las producciones con fines editoriales. Los logros del impresor Koening de una prensa mecánica y con un proceso de entintado con rodillos deslumhró al mercado de la época. En 1830 la imprenta comenzó en Inglaterra un gran desarrollo debido a los bajos costos de producción y a la cantidad de periódicos, libros y pequeños impresos que se lograron en la época. Además en el país se había instalado hace algunos años una fábrica productora de papel.
Hacia 1850, Mergenthaler, un inmigrante alemán crea una máquina de componer tipos que trasformaría a la impresión tipográfica: un complejo sistema que componía líneas de texto y aceleraba la producción. Aunque al principio esto trajo bajas laborales, la explosión de 1880 en el diseño gráfico y la producción crea miles de puestos de trabajo.
Fotografía
Uno de los avances mas influyentes sobre el diseño en la fotografía como herramienta de comunicación. En 1822 Niepce intentaba buscar medios automáticos para trasladar los dibujos a las palcas de imprimir debido a su pésima habilidad con el dibujo y dio con la imagen fotográfica. Llamó a este invento heliograbado. Niepce logra tomar la primer fotografía de edificios iluminados por el sol. En 1839 Daguerre, ayudante de Niepce, muestra en Francia ante la Academia de Ciencias el adelanto que logró: placas de impresión en un proceso básico similar al actual: exposición, revelado, endurecido y obtención de formas impresoras en relieve y no impresoras en bajo relieve debido al uso de un baño de sal. A este adelanto para la obtención de formas se lo llamo daguerrotipo. En 1839 Talbolt logró que las imágenes obtenidas quedaran en manera permanente sobre papel. Denomino a estos dibujos fotogénicos. Mas tarde crearía el calotipo que desplazaría completamente al daguerrotipo. Archer inventa un
método fotográfico que emplea menos cantidad de tiempo de producción que reemplazo a los dos anteriores. En 1871 Moss inventa el fotograbado sobre placas metálicas para la impresión, y en 1885 Ivés complementa el invento empleando una cuadrícula sobre la películas para formar puntos y así obtener imágenes impresas de medios tonos para reproducir.
La fotografía se emplea como medio de comunicación visual y documental, y en pocos años reemplazaría a los grabados a mano.
Gráfica popular de la Era Victoriana
(1837-1876) - Período estricto en la religión- Exaltan los valores del hogar - Valorizan y practican el patriotismo - Mantiene una rígida moral
- Costumbres sociales dignas
- Se caracterizó por el gran optimismo
Ésta época busca un estilo propio de diseño que terminó en la mezcla de estilos contradictorios como: gótico, islámico-oriental y romanticismo. El amor por lo complejo y minucioso se
expresó en las ornamentaciones y las decoraciones de carteles, muebles, etc. Los valores de la época se transmitieron por medio de gráficas y de imágenes de niños, doncellas, cachorros y flores. Estos promulgaban el hogar, la religión, el patriotismo, la belleza, el cariño por los niños, el sentimentalismo, etc.).
En 1796 Senefeider inventó la litografía (antecedente del Offset) y mas adelante, en 1837 en Francia, se crea la cromolitografía que permitía utilizar varios colores en la impresión. Gracias a esto nace un nuevo tipo de diseño en el que se pueden inventar tipografías que desbordaran a las imágenes y una casi ilimitada gama de colores. El uso de la cromolitografía en la era victoriana será el inicio a un nuevo lenguaje visual y esto influenciará en toda Europa.
La litografía era el medio gráfico que permitía acercarse a los artistas a la comunicación pública. En 1840 la imprenta Ronchón fue pionera de en la utilización de los carteles como medio de impacto gráfico. Morse en 1856 muestra un diseño de cartel multicolor grabado en madera con un gran ingenio en el uso del color y las formas. En 1870 se aparece el considerado primer cartel vis ual británico para una representación teatral La mujer vestida de blanco.
La época victoriana desarrolla una actitud mas cariñosa con los niños, expresándolo en juegos y libros de juegos. Entre los ilustradores mas famosos aparecieron: Crane, Caldecott y
Greenaway. Crane, el mas influyente de todos, dibujó libros de juegos en los que utilizó
métodos didácticos ya que pensaba que los libros debían entretener. Caldecott personificaba cubiertos, platos y gatos» Mostrab a a los niños como el centro de la sociedad, y a los adultos como sirvientes. Greenaway creó un mundo de felicidad infantil en sus libros. Diseñó en sus ilustraciones vestimentas a los niños que influyó en la sociedad victoriana. Sus diseños eran asimétricos pero mantenían un gran equilibrio y utilizaban espacios en blancos y siluetas.
En el diseño editorial Victoriano uno de los diseños que mas influyó fue el de Nueva York de los
hermanos Harper En 1840 publicaron La Nueva Biblia Pictórica iluminada de Harper con un diseño a
dos columnas y una para anotaciones. La nueva revista mensual de Harper inicia la era de las revistas pictóricas. En 1857 comienzan la edición del periódico El semanario de Harper en el que se encontraba trabajando el ilustrador Nast que fue quien creó personaje como El Tío Sam, Santa Claus, John Bull, el burro demócrata, el elefante republicano, entre otros. Nast es conocido como el padre de las caricaturas políticas. Otro ilustrador importante de los hermanos Harper fue Pyle quien creó historias como la leyenda del Rey Arturo. En 1837 en Chicago aparece un nuevo formato gráfico: los periódicos de anécdotas (para jóvenes). Estaban ilustrados con imágenes llenas de acción con relatos de la Guerra Civil, los indios y la frontera Occidental.
La tipografía de la era victoriana se desarrolló por el gusto por la decoración en tipos y rótulos, basados en las estructuras tradicionales de los tipos. También se le aplicaban sombras, siluetas y adornos. Para imprimir tipos mas complicados debieron recurrir a la cromolitografía. En ésta época se notó el amor a la ornamentación para producir miles de tipos.
En época Romanticista:
- Gráfica compleja y minuciosa - Eclecticismo
- Imitación de las formas de la naturaleza - Ilustraciones narrativas y románticas - Ornamentos, páginas cargadas - Búsqueda de estilo
- Ornamentos orientales - Estructuras orgánicas
Unidad 3.
De las artes plásticas al diseño
MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS1) NEOCLASICISMO. 1760-1820 Pintores: David, Inges, Cánova, Nash Winckelmann, pensador alemán SXVIII
Meng. Pintor que realiza la primer pintura neoclasicista. Entusiasmo por el pasado 2) ROMANTICISMO. 1800-1840.
Comienza en Inglaterra y Francia
Pintores: Turner, Constable, Goya, Delacroix.
- Sentimiento de lo sublime: inmensidad de la naturaleza y Dios
- Reconoce la Edad Media con la revaloralización del gótico (arte cristiano) - Reconoce tradiciones nacionales y populares (Rev. Francesa y sus valores) - Investigan las cualidades evocadas de la naturaleza
- Emancipación de la mujer 3) REALISMO. 1830-1850
Pintores: Carot, Millet, Courbent, Maret - Desarrollo del género del paisaje - Realismo de la naturaleza
- Desarrollo de la fotografía (nuevas tecnologías) - Realismo de la problemática social
3.1- El fin del siglo XIX y el auge del Arte Nuevo.
La influencia del Prerrafaelismo:
Aparece entre 1848 y 1856. Se remitían a la época del Arte, en la que el Arte dependía de la búsqueda de lo sagrado. El componente religioso era fundamental en este grupo. Decían qué la función más alta del Arte era representar la naturaleza. Buscan la estética “religiosa" opuesta a la técnica atea y materialista de la industria.
Tanto el Movimiento de Arts & Crafts como el Prerrafaelismo surgen como oponentes a la industrialización. Las Arts & Crafts surgen en Inglaterra en los 80 (1880), fue una reacción contra la confusión artística moral y social de la Revolución Industrial. El prerrafaelismo era una hermandad, una forma de organización del arte fuera de lo académico, era una libre asociación de artistas. Los prerrafaelitas intentaban volver a las tradiciones anteriores, a la época de Leonardo Da Vinci, Botichelli, Piero de la Francesca, etc.
Hermandad Prerrafaelista: movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y
propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas. Los ideales:
1. Expresar ideas auténticas y sinceras;
2. Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
3.Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
4.Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
En el siglo XIX (Revolución Industrial) el diseño y la producción de libros fue un desastre. En 1850 aparece en Inglaterra un movimiento llamado Arts and Crafts.
FILOSOFÍA DEL ARTS AND CRAFTS Sostenida, creada y apoyada por: - AW Pugin
- John Ruskin - William Morris:
“No compremos porquerías industriales, embellezcamos el mundo!”
“La poesía de la arquitectura se haya en el adorno porque solo más allá de lo útil aparece un valor espiritual”
“Es preciso transformar las condiciones de vida del hombre para poder despertar su sensibilidad a través de la belleza” “Hay que volver a la manufactura medieval con el digno trabajo del hombre artesano”
ARTS AND CRAFTS
1850-1920
Movimiento reformista con ideología progresista y social. Éste en una reacción a la confusión artística, moral y social de la Revolución Industrial y la época victoriana. Aparecen pensadores como Ruskin que decían que la aparición de la tecnología y la industrialización produjo una separación entre el arte y la sociedad y produjo un declive en la creatividad y la estética. William Morris principal del movimiento Arts and Crafts retoma los ideales de Ruskin.
- Rescata el ennoblecimiento del trabajo artesanal
- Valora la naturaleza de los materiales y los metodos de producción
- Volver a la manufactura medieval con el digno trabajo del hombre artesano - Ruskin: Arte-Dios-Naturaleza
En 1884 aparece en Inglaterra la Sociedad de Exhibición de Artes integrada por Morris y Walker entre otros. Walker consideraba que un libro debía tener y un cuidadoso diseño y planeación (papel, tintas, tipos, imágenes, ilustraciones) para dar por resultado la unidad de diseño. Morris decide introducirse en la creación de tipos y la impresión. Basándose en el estilo gótico y los tipos de Jenson, crea nuevos tipos de letra. La imprenta
Kelmscoíf Press le permite a Morris imprimir sus producciones y se vuelven a imprimir libros similares a los Incunables (ribetes decorativos, iniciales, tipos).
La influencia que tuvieron Morris y la Kelmscott Press (libros bien hechos, bellísimos diseños de tipos de letra, el sentido de la unidad del diseño) inspiraron a los nuevos diseñadores de libros y a varios generaciones.
Tras la muerte de Morris, el inglés Ashbee compra las máquinas de la imprenta Kelmscott Press y contrata a su personal para abrir en Londres la imprenta Essex House.
- 1era Fase: Influida por los prerafaelistas. Pugin, Ruskin. Pretendían promover la democracia y la cohesión social a partir de
la artesanía. Los productos de Morris & CO se fabricaban artesanalmente pero eran más caros de producir y solo podían ser adquiridos por los ricos.
- 2da Fase: Ashbee Voysey y Lethaby. Llegaron a la conclusión de que la idea de Morris de realizar
productos asequibles y bien diseñados no se lograría sin la mecanización. Puede considerarse el equivalente británico del Art Nouveau.La influencia de Morris y la Kelmscott Press llega hasta los Estados Unidos, donde diseñadores como Rogers y Goudy se ven reflejados en éste estilo. Rogers llegó a ser el diseñador de libros mas importante de EEUU. Sus trabajos muestran la influencia de la Kelmscott Press, Jenson y Ratdolt. Desde 128 se dedicó al diseño de libros donde mostró un gran sentido de las proporciones y la precisión visual. Goudy después de dos fracasos con imprentas se dedica a la producción independiente de tipos. Se basó en los libros de la Kelmscott Press y fue el diseñador de tipos mas productivo de los Estados Unidos diseñando 122 familias, entre las que se encuentra la que lleva su nombre.
Los miembros más representativos
- William Morris: empresario, escritor, poeta, diseñador y editor, político socialista, es el miembro más conocido del movimiento Arts and Crafts.
- John Rusiente: es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros, artículos y conferencias.
- Edward Burne-Jones: es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.
- Dante Gabriel Rossetti: también fue pintor y poeta. Fue uno de los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con Holman Hunt y John Millais.
- Aubrey Breadsley: es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de contraste.
La arquitectura
-Philip Webb: es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts. Construyó la "Casa roja" para William Morris, donde abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural.
-George Devey: fue un arquitecto que diseñó siguiendo las ideas de Ruskin y del Arts and Crafts. Tenía un gran sentido del lugar en el que emplazaba sus edificios y un uso muy creativo de los materiales.
-Charles Rennie Mackintosh: es uno de los grandes arquitectos y diseñadores del siglo XX. Una de sus obras más conseguidas es la famosa Escuela de Arte de Glasgow.
-E.S. Prior: fue muy valorado como arquitecto por la originalidad de sus plantas, que a veces tienen forma de mariposa. De sus edificios se dice que poseen un sentido simbólico, lleno de detalles constructivos.
EL ART NOUVEAU
Tras el permiso de una ley francesa de colocar carteles en cualquier lugar, salvo iglesias, lugares oficiales y urnas electorales, en 1881, las calles de París se convirtieron en galerías de arte del movimiento Art Nouveau. El Art Nouveau es el “estilo de transición” que rompe con el historicismo que proponía mirar hacia atrás y rescatar el pasado. Es la fase inicial del movimiento moderno.
El Art Nouveau utilizaba líneas moduladas y onduladas que se adaptaban a plantas, pájaros y figuras femeninas. Éstas formas eran inventadas en lugar de copiadas, lo que logró una revitalización del proceso de diseño que apuntaba hacia el arte abstracto.
El movimiento introdujo en la vida francesa el arte en la cotidianeidad. Sus influencias eran ornamentos célticos, el movimiento Rococó, el Arts and Crafts, el diseño decorativo japonés y la pintura prerrafaelista.
JULES CHERET
El padre del cartel moderno. Utilizó la litografía para sus carteles. Su estilo eran dibujos de líneas negras y usó en un primer tiempo colores primarios para obtener más impacto visual. Belleza idealizada, estilo de vida alegre, luminosidad del color y agitación de movimiento fueron sus características. Su composición típica es una figura central o figuras con gesticulaciones animadas rodeadas de remolinos de color, figuras secundarias o apoyos y letreros atrevidos que a menudo son una resonancia de las formas y los gestos de la figura. Su interminable producción para salones de concierto y teatros, bebidas y medicinas, actores de variedad y publicaciones, transformaron las paredes de París. Creó mujeres bellas y jóvenes, llamadas por la sociedad chérette que fueron imitadas por el estilo de moda actual. Eran arquetipos, no solamente por la idealización de la mujer en un momento específico de la sociedad, sino por una generación de mujeres francesas que se vestían y aparentaban un estilo de vida como forma de inspiración. Fue llamado padre de la liberación femenina, “ni puritanas, ni prostitutas, estas felices criaturas, seguras de sí mismas, disfrutaban la vida al máximo”
Su composición típica es una figura central rodeada de remolinos de color y figuras secundarias o de apoyos tipográficos. Incorpora dos innovaciones:
1 - Del impresionismo extrae el uso de sombras en color. 2 - El uso de una superficie manchada como fondo.
EUGÉNE GRASSET
Diseñador e ilustrador suizo, que rivalizo a Cheret, en popularidad. Amor al arte exótico y oriental. Las mujeres eran esbeltas y altas, aparecen en largas y sueltas ropas, con poses estáticas anunciadas. Estudió Arte Medieval y su amor por el exótico Arte oriental se reflejó en sus Diseños de muebles, vitrales, textiles y libros.
Se destacó por el uso de ribetes decorativos que enmarcan el contenido de la ilustración y el texto en una unidad.
Sus doncellas esbeltas y altas aparecen en largos y sueltos ropones con poses estáticas en anuncios de tintas, chocolates y cerveza.
Desarrolló un "Estilo de libros de iluminar" de dibujos en grueso contorno negro y áreas planas de color. Sus figuras imitan a Botticcelli y a las vestimentas medievales. Sus estilizados planos oscurecidos reflejan su estudio de los grabados en bloques de madera japoneses. Utiliza colores de baja intensidad. Las mujeres producidas por Grasset eran lo contrario a Chéret: tranquilas y rescatadas. Desarrolló un dibujo de líneas firmes de contomo que encierras colores planos. La paleta empleada es de baja intensidad, utiliza líneas fluidas y motivos florales.
THÉOPHILE ALEXANDRE STEINLEN
(1859-1923) Dibujante y pintor francés de origen suizo. Desarrolló una intensa actividad en el campo del dibujo, el aguafuerte y la litografía, y colaboró en diversas revistas. Realizó, además, ilustraciones para libros, como Le vagabond,
de Maupassant, y En la calle, compilación de canciones de Bruant. A partir de 1885 desarrolló una amplia actividad como cartelista industrial. Su pintura, al margen de los movimientos de la época, está constituida por temas populares, paisajes y representaciones de animales.
Emigró a París. En sus inicio pintó gatos, pero sus ideologías lo llevaron a ilustrar la realidad parisina: la pobreza, la clase social trabajadora, la explotación, etc. Su mayor legado fueron los carteles con ilustraciones de la vida cotidiana.
TOULOUSE-LAUTREC
Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Visitó el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Su estilo incorporó elementos de otros artistas de la época. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos.
Toma a la publicidad como un medio que comunica para provocar una reacción más que representar.
Le interesa más la sociedad que la naturaleza. Lo que el artista quiere mostrar no es una figura en un ambiente, sino un fragmento de espacio en el que la figura no es más que un núcleo en movimiento.
Toulouse-Lautrec se proponía reproducir las cosas tal como las veía sin embellecerlas ni transfigurarlas. Sin embargo sus cuadros no son simple crónicas, sino "retazos de vida".
Dibujaba a la mujer tal cual era, mostrando sus estados de ánimo a trabes de los gestos del rostro y de la postura del cuerpo. Selecciona la imagen y la usa en parte por el todo dándole idea de continuidad a la acción.
Renuncia al arte-contemplación sustituyéndolo por el arte-comunicaciónEn 1881 pinta el cartel para el musical Moulin Rouge y establece las bases para los carteles de la época: superficies planas, siluetas negras de los espectadores, luces simuladas con óvalos amarillos, entre otros. Frecuentó los burdeles tratando de desarrollar un estilo ilustrativo y periodístico, que captó la vida de la Belle Époque.
ALPHONSE MUCHA
Pintor y cartelista checo, fue uno de los artistas más destacados del periodo Art Nouveau. Sus diseños se caracterizan por las líneas sinuosas, los arabescos, flores de tallos finos y retorcidos, mujeres de largas y sueltas cabelleras y profusión de sedosos pliegues. Realizo carteles y posters.
No se ve en su obra ninguno de los principios de Van De Velde. Su principal característica fue la apelación constante a diversos estilos del pasado y del presente. Se basó en tres grandes grupos para hacer sus carteles: mosaicos bizantinos, ordenación de lectura del cartel. Las estampas japonesas no recurren a la perspectiva, son simplemente un juego de líneas y de superficie sin profundidad. El modelado de luces y sombras ya no aparece, el volumen se da por la combinación de plenos y líneas. Su tema dominante era a figura central femenina, rodeado de formas estilizadas. Sus mujeres eran irreales, exóticas y sensuales.
Las obras principales de Mucha fueron los afiches de teatro Sus carteles poseen una estructura geométrica muy simple: rectángulos, círculos, semicírculos, cuadrados y triángulos. La línea promovida por Van De Velde no aparece para nada.
En 1894 pintó un cartel para la obra Gismonda y recurrió a un formato mas alargado y a una decoración con mosaicos bizantinos. Debido a los colores apagados del cartel le faltó fuerza visual como los de Chéret que se veían perfectamente a distancia.
El diseño comenzó a inclinarse hacia el Art Nouveau con motivos florales. Y desde el año 1895 hasta 1900 el artistas mas influyente fue Mucha que es sus carteles eran dominantes las figuras femeninas, los motivos florales, las formas estilizadas,
las plantas y los mosaicos bizantinos. Sus mujeres no expresaban edad, nacionalidad o época histórica, pero eran exóticas y sensuales.
MANUEL ORAZI
Nació en Roma en 1860 y murió en París en 1934. Su obra maestra en 1905 fue La Mansión Moderna, donde el logotipo es uno de los mejores ejemplos de las formas de letras del Art Nouveau aplicada a diseños de marcas comerciales. Otros ejemplos de marcas son las de Coca Cola y General Electric.
BERTHON
1872-1909 Su estudio de las artes decorativas influyeron en su toma de impresión , que influyen en las fuertes líneas y detalles naturales que guió a su arte. La gran mayoría de los carteles litografiados Berthon no incluyó anuncios y estaban destinados a valerse por sí mismas. Impulsó el estilo hacia la suavidad. Utilizó fuertes contornos de Grasset, estilizadas formaciones de sombras japonesas y flores.
GEORGES DE FEURE
(1868-1943) pintor francés, escenógrafo y diseñador de arte industrial en los estilos del simbolismo y del Art Nouveau. Incluyó además de gráficas, muebles y objetos de arte. Una de las mejores expresiones arquitectónicas son los trabajos de Héctor Guimard.
EL ART NOUVEAU INGLÉS
Se preocupa más por el diseño gráfico y las ilustraciones que por el diseño arquitectónico y de productos. Sus orígenes incluyeron además el arte gótico y la pintura victoriana.
AUBREY BEARDSLEY
De excelente manejo de la pluma, con vibrantes blanco y negro y una fantasía escandalosamente exótica. Distorsiones imaginativas y extrañas de la figura humana y poderosas formas negras. Contraste entre formas orgánicas y geométricas reflejan la influencia de impresos japoneses. La sociedad inglesa de los últimos años de la era victoriana fue sacudida por esta celebración de la perversidad.
CHARLES RICKETTS
Con la colaboración de Charles Shannon, fue el principal competidor de Beardsley. Abordaba el libro como una entidad total para ser diseñado por dentro y por fuera, contrastándose en la armonía de las partes: encuadernación, hojas finales, portada, tipografía, etc.
EL ART NOUVEAU EN NORTEAMÉRICA
En el año 1889 y 1892 El Bazar de Harper le encargó sus cubiertas a Grasset.
Louis Rhead y William Bradley fueron los americanos del diseño e ilustaciones más importantes. La industria publicitaria de EEUU fue la primera en adoptar el cartel visual, así, comenzaron a aparecer rótulos de colores en los puestos de periódicos anunciando ediciones de importantes revistas como las de Harper, Scribner y Siglo. Rhead adoptó el cartel francés como modelo y Bradley se inspiró en fuentes inglesas.
Rhead Brad
Victor Horta: arquitecto belga que en 1892 creó una casa unificada por sistemas curvilíneos colgantes.
-Privat Livemont: Pintor, inspirado por Mucha. Utiliza un doble contorno que separa la figura del trasfondo. Fondo oscuro conuna gruesa línea blanca que aumentaba el impacto.
- Gisbert Combaz: Artista e historiador del arte. Utilizó color intenso e impulsó al Arte Nuevo Arabesco hacia una línea tensa casi mecánica.
LA ESCUELA DE GLASGOW
En 1890 el trabajo del arquitecto Loyd Wright empezaba a ser conocido por los artistas y jóvenes europeos el era una inspiración para el diseñador que evolucionaba del arte nuevo hacia la fase rectilínea.
La escuela de Glasgow desarrolló un estilo único de composición geométrica, combinando elementos florales y curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas. Adoptaron ideas místicas y simbólicas.
El mobiliario de Mackintosh es sencillo y de diseño básico con delicados ornamentos decorativos. En sus interiores cada pequeño detalle tiene relación visual con el conjunto.
La escuela de Glasgow fue un factor importante de transición en la estética del siglo XX.
VAN DE VELDE
Bélgica, 1880. Sintetizó el arte francés, el movimiento de Artes y Oficios y la escuela de Glasgow en un estilo unificado. Innovador del Arte Nuevo, estaba más interesado en promover la filosofía del Movimiento de las Artes y los Oficios que en el estilo como finalidad en sí mismo. Apoyaba el concepto de que todas las ramas del arte compartían un lenguaje común de forma e igualdad de importancias para la comunidad humana. Eran necesarios materiales adecuados, formas funcionales y unidad de organización visual. Consideraba que la ornamentación no debía ser decorativo, sino como medio de expresión con formas funcionales y una unidad en la organización. No aplicaba el ornamento a la estructura sino que era un aspecto lógico del conjunto que era el resultado de las consideraciones de la construcción. Evolucionó desde formas de plantas hasta abstractas ya que pensaba que el diseño debería ser moderno y reflejar el espíritu de la época.
En 1912 dirige el Berham Instituto que luego dio origen a la Bauhaus.
Van de Velde habla del surgimiento de un estilo nuevo (estilo moderno) un estilo del siglo XIX, este estilo estaría caracterizado por dos puntos:
1 - La supremacía de la línea: “Estilo lineal”, la línea moderna de acuerdo con Ruskin se relaciona con la naturaleza. La línea es la huella de una fuerza (Ej. Cuando uno traza una línea, lo que se ve es la fuerza de la mano).
2 - Unidad Orgánica: "El ritmo", de la combinación de distintas direcciones de líneas es en donde aparece la unidad de obra y diseño. El punto de la unidad orgánica se diferencia del Arts and Craft (la decoración pegada no comprometía al objeto utilitario, en cambio en el Art Nouveau, la fuerza de la línea compromete al objeto entero y modifica toda su estructura). Opone lo orgánico (abstracción de fuerzas) a lo natural (detalles vegetales tal como son).
El conjunto de líneas debe estar compuesto con un orden tal que genere ritmo y es allí donde radica la belleza de la obra. En teoría y práctica propagador de la estética funcional y de la forma "pura", tuvo, sobre todo en Alemania, entre 1900 y 1925, una influencia decisiva sobre el desarrollo de la arquitectura y de la artesanía.
La casa Bloemenwerf en uccle, cerca de Bruselas: representa una síntesis orgánica; sus rasgos característicos son; el retorno
a una interpretación racional, que en todas partes deja ver el procedimiento constructivo, una lógica en el empleo de los materiales y la renuncia a todo ornamento naturalista así como a los elementos de estilos pasados.
En 1896, Bing dio a van de Velde el encargo de equipar cuatro aposentos en la casa que abrió en Paris con el nombre de L´Art Nouveau. La fuerte expresión plástica y los ornamentos curviformes son típicos del Modernismo y representan el punto culminante del primer periodo de Van de Velde, cerrado en 1906 con la sala de descanso de la exposición de artesanía de Dresde.
En 1925, Van de Velde volvió a Bélgica, en 1926 fundo en Bruselas el Instituto de Artes Decorativas de la Cambre, cuya dirección conservo hasta 1935.
Principios de Van de Velde:
- Decoración en términos abstractos
- Romper con los estilos históricos del pasado - Decoración no naturalista (orgánica)
Van de Velde ve que este estilo (arte moderno) puede tener en Europa tres grandes direcciones: 1. Francia: cartelismo francés (mayor sensibilidad).
2. Austria: secesión vienesa (más simbólico y sentimental). 3. Alemania: jugendstyl (más racional, más severo, más rigor)
En el diseño industrial, las teorías se adaptan mucho mas que en el campo de las artes graficas.
SECESIÓN VIENESA
RUPTURA. Antecedente: Escuela de Glaslow
- Figuras más geometrizadas pero de cualidad orgánica - Figuras planas y simples.
