Chick Webb Jack Teagarden (I). La Odisea de la Música Afroamericana (076) [Podcast]

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Chick Webb – Jack Teagarden

(I). La Odisea de la Música

Afroamericana (076) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio

dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

El programa número 76 de la apasionante saga La Odisea de la

Música Afroamericana de Luis Escalante comienza con la

revisión del standard del repertorio monkiano “Blue Monk” de la mano de Roseanna Vitro y Kevin Mahogany. El primero de los dos protagonistas del programa es el baterista Chick Webb, líder de una orquesta imbatible en el mítico Savoy Ballroom. Este músico tuvo el mérito de dar la oportunidad a Ella

Fitzgerald, que a su vez se encargó de liderar esta orquesta

cuando una neumonía se llevó demasiado pronto a su líder. El otro protagonista de esta entrega es el trombonista Jack

Teagarden, que fue requerido por cantantes tan esenciales en

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músico que hace acto de presencia en este relato es el guitarrista Eddie Condon. El trombonista será el programa de la siguiente entrega, aunque como ocurre en todos los programas quienes cierran la entrega son Diane Schuur junto a B.B. King.

Chick Webb En el capítulo 76 suenan:

“Blue Monk” Roseanna Vitro & Kevin Mahogany “Go Harlem” Chick Webb Orchestra

“Don´t be that way” Chick Webb Orchestra

“The dipsy doodle” Ella Fitzgerald & Chick Webb Orchestra

“Harlem Congo” Chick Webb Orchestra

“Claps hands here comes Charlie” Chick Webb Orchestra “Hallelujah” Chick Webb Orchestra

“Mis´ri and the blues” Jack Teagarden

“Down in the dumps” Bessie Smith & Jack Teagarden

“I wished on the moon” Billie Holiday & Jack Teagarden “St. James infirmary” Jack Teagarden

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“When your lover has gone” Jack Teagarden & Eddie Condon Orchestra

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Especial 25 Discos de Jazz:

una guía esencial (2005)

En Tomajazz recuperamos 25 Discos de Jazz:

una guía esencial que Jorge López de

Guereñu, Nacho Fuentes y Agustín Pérez Gasco, bajo la dirección de Fernando Ortiz d e U r b i n a r e a l i z a r o n e n 2 0 0 5 . E l

resultado, en cinco partes, fue una recopilación de CD de jazz básicos en cualquier colección, que siguen estando de plena actualidad. El especial está estructurado de la siguiente manera:

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Presentación: http://www.tomajazz.com/web/?p=626 por Fer

Urbina (Fernando Ortiz de Urbina), quien actuó como

coordinador de este proyecto.

Se desarrolló cronológicamente estructurado en cuatro partes:

1917-1942: http://www.tomajazz.com/web/?p=629 por Eke

BBB (Agustín Pérez)

1953-1969: http://www.tomajazz.com/web/?p=23973 por Fer

Urbina

1960-1979: http://www.tomajazz.com/web/?p=23981 por

Natxo (Ignacio Fuentes)

1980-2000: http://www.tomajazz.com/web/?p=23984 por

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La música de LODLMA: The

Victoria Spivey Collection

1926-37

(Acrobat

Music,

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La cantante de blues y de jazz Victoria

Spivey es una importante figura no sólo en la década de los años 20 y 30 del siglo XX, sino que incluso en la década de los 60 (tras estar apartada de la música comercial durante varias décadas), contó con la colaboración del mismísimo Bob Dylan, que llegó a grabar acompañando a esta cantante en su sello Spivey Records en pleno revival de la música folk.

The Victoria Spivey Collection 1926-37 recoge 48 temas de esta

pianista, cantante y compositora grabados en dos de las tres partes en que se puede considerar dividida su carrera. Al hilo del éxito de otras vocalistas como Ida Cox o Bessie Smith, Spivey comenzó a grabar para el sello Okeh en 1926. “Black Snake Blues”, el tema que inicia esta recopilación y grabado en su primera sesión, aparece en varias ocasiones con otros titulos como “Garter Snake Blues” o “Black Snake Swing”. En esa primera parte de su carrera, entre 1926 y 1931 grabó en repetidas ocasiones con el guitarrista Lonnie Johnson, y con primeras figuras del jazz como Louis Armstrong o King Oliver. La crisis de finales del 29 trajo consigo un silencio discográfico de cinco años que duró hasta 1936. Es en ese momento cuando comienza la segunda de las tres partes de su carrera en la que supo adaptarse a los gustos del público del jazz acompañada por músicos como Henry “Red” Allen o Albert

Nicholas, o al frente de formaciones como los Original Victoria Spivey And Her Hallelujah Boys.

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Lil Hardin, Johnny Dodds,

Buster Bailey. La Odisea de

la Música Afroamericana (024)

[Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana. Programa de radio

dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

En el jazz no son únicamente importantes las grandes figuras, sino otros muchos músicos que no por menos conocidos no son merecedores de un menor reconocimiento. En la entrega número 24 de La Odisea de la Música Afroamericana los protagonistas son músicos del estilo New Orleans. En el programa suena la música de Earl Hines, James P. Johnson, Lil Hardin, Johnny Dodds y Buster Bailey acompañando a Mamie Smith y a la emperatriz del blues, doña Bessie Smith. Abren y cierran el programa la cantante Cassandra Wilson y Patrick Williams.

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Earl Hines. New York. 1947. Fotografía por William p. Gottlieb

En el capítulo 24 suena:

“Last Train To Clarksville” Cassandra Wilson “Chicago Breakdown” Carroll Dickerson

“Too Busy” Lillie Delk Christia “Cavernism” Earl Hines

“Rock And Rye” Earl Hines

“Snowy Morning Blues” James P. Johnson “Drop That Sack” Lil´s Hot Shots

“Georgia Bo Bo Lil´s Hot Shots

“Chipping The Blues” Alberta Hunter “Wild Man Blues” Johnny Dodds

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“Melancholy” Johnny Dodds “Jazzbo Ball” Mamie Smith

“Jazzbo Brown From Memphis Town” Bessie Smith “In The Still Of The Night” Patrick Williams

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Bessie, Billie y Ella. Por

Mariche Huertas de la Cámara

“¿Va usted a la escuela?” preguntó, entre bastidores Bessie a Juanita Green. ”’Usted está mejor allí, dado que no puede cantar.”

A su padre no le conoció y a su madre casi tampoco, murió cuando ella era una niña. Le hubiera gustado estudiar, pero tenía que sobrevivir, cantaba en la calle. La niña ya despuntaba orgullo; un dia alguien le lanzó una moneda a la cara y Bessie dijo: “no hace falta, dáselo a la iglesia”; tenia solo 10 años.

Su destino cambió cuando uno de sus hermanos, que trabajaba como músico, convenció al manager de la banda para que escuchara a Bessie. A partir de ese día, no dejaría de cantar y de bailar. Cada día una ciudad diferente y unas condiciones difíciles de soportar, a veces buscaba consuelo en el alcohol. Su fama iba en aumento, su afición a la ginebra, también. Fue una de las artistas de la T.O.B.A. (1) pero le iba tan bien, que decidió montar su propia compañía y para evitar enfrentarse con el segregacionismo, se compró su propio vagón de tren y se pasó media vida viajando y dando a conocer el blues por casi toda América. En sus rutas: mucho sexo, a veces lésbico se lo enseñó Ma Rainey, su mentora, mucho alcohol y más de un exceso temperamental con sus maridos; de los puñetazos, no solo sangraba ella, también y casi más, él. Todo un carácter.

Posiblemente fue una de las primeras mujeres negras emancipadas, se convirtió en una verdadera experta en marketing. La emperatriz del blues como se la conoció, tenía un increíble desparpajo sobre el escenario, la insolencia, era en ella, una forma de sensualidad. No le costaba expresar la lírica de sus temas, porque las historias que interpretaba las

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había vivido de verdad. Nadie como Bessie podía cantar mejor el blues. “St. Louis Blues”, grabado con Louis Armstrong, se convirtió en un tema imprescindible del blues clásico; un poco más tarde protagonizaría el cortometraje con el mismo nombre.

Pero el alcohol seguía haciendo estragos, perdió su esbelta figura, el swing ya no estaba de moda y la crisis del 29 se dejaba notar. Bessie entró en cierta decadencia, pero aún tenía conciertos contratados a los que se desplazaba en coche, le gustaba sacar el brazo por la ventanilla cuando hacía calor. Una noche, el coche en el que iba, chocó con un camión, su brazo se desprendió, la pérdida de sangre fue brutal e iba en aumento… Unos dicen que por ser negra no aceptaron ingresarla en el hospital de blancos más próximo, y se hubiera podido salvar; otros, que era improbable que a una negra la llevaran a un hospital de blancos, las leyes Jim Crow seguían vigentes. El conductor de la ambulancia, que era “negro”, la llevó al “hospital de negros” más próximo al accidente. Pero… ¿estaba el hospital de ”blancos” más cerca?

Las leyes de Jim Crow fueron un conjunto de leyes promulgadas en los Estados Unidos, entre 1876 y 1965, que normativizaban la segregación racial en todas las instalaciones públicas por mandato de iure bajo el lema “separados pero iguales”. Se aplicaban a los de raza negra y a otros grupos étnicos no blancos en los Estados Unidos. Fueron, en muchos aspectos, una

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inspiración para las Leyes de Nuremberg de la legislación alemana contra los judíos, que se adoptaron en el Congreso del partido nazi 1935.

“La emperatriz del blues” murió desangrada y aunque asistieron a su sepelio miles de seguidores, fue enterrada sin nombre el 4 de octubre de 1937.

Décadas más tarde, en 1970, alguien le dijo a Janis Joplin que su ídolo estaba bajo en una tumba sin inscripción. Sin pensarlo, pagó de su bolsillo el coste de la lápida. Juanita Green, la niña a la que Bessie aconsejó que no dejara la escuela, también contribuyó:

“La más grande cantante de blues nunca dejará de cantar” Bessie Smith 1895-1937.

“Mama y papa eran un par de críos cuando se casaron. Él tenia dieciocho años, ella dieciséis y yo tres.” El padre de Eleanora, Clarence Holliday, era músico y apenas veía a su hija. Su madre, Sadie Fagan, casi que tampoco, la dejaba al cuidado de su hermanastra. Eleanora se pasó una infancia haciendo novillos y su comportamiento asocial le trajo más de un problema. Su presencia en el tribunal de menores era tan frecuente, que con 10 años fue mandada a un reformatorio católico; aguantó 9 meses. Sadie abrió un restaurante y la necesitaba. Con solo 11 años, Eleonora nunca más volvería a la escuela. Cuando no estaba en el restaurante se quedaba en casa sola. La nochebuena de 1926, Sadie, agotada de vuelta de un duro día, notó algo raro en el humilde apartamento que tenia alquilado, su hijita había sido violada por un vecino. El agresor fue arrestado y la niña fue puesta bajo custodia como testigo. Dos meses más tarde fue liberada. Una vez más, tenía que ganarse la vida, encontró trabajo haciendo recados para las prostitutas del barrio. Y en ese ir y venir escuchaba a Louis Armstrong y a Bessie Smith en los discos de gramola que sonaban en los burdeles.

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Su madre la abandona para irse a Harlem a trabajar con una “madame”, pero Eleonora no quiere estar sin ella y la opción que le queda es seguir sus pasos, se va a Harlem y con solo 14 años se inicia en “el trabajo más antiguo del mundo”. Unos meses después, tras una redada, conoce por primera vez la cárcel, donde permanece medio año.

Tras ser liberada, adopta el nombre de Billie de una actriz a la que admiraba: Billie Dove. Vagando por las calles de Harlem entró en un local donde se necesitaban bailarinas, el propietario le dijo que no le hiciera perder el tiempo pero el p i a n i s t a , c o m p a s i v o , l e p r e g u n t ó s i s a b i a c a n t a r . Inmediatamente fue contratada. Sus compañeras del club le empiezan a llamar Lady por su comportamiento altivo. Al principio llevaba una eterna gardenia, se la ponía para tapar un mechón que había perdido al ponerse rulos calientes. El interés que despierta va en aumento, hasta convertirse en rival de muchas cantantes del momento como Mildred Bailey que estaba tan celosa de Billie, que contrató a Sadie, su madre, para que le lavase la ropa y limpiara.

El 27 de noviembre de 1933 fue una fecha decisiva. Tres días después de que Bessie Smith grabara su última sesión para Columbia, fue la primera vez que Billie pisaba un estudio de grabación y la primera que Benny Godman incluía en su formación a músicos negros. Una cantante negra con una orquesta de blancos… las tensiones raciales surgían con frecuencia, a veces el propio público se quejaba e interrumpía su actuación. A menudo era obligada a entrar por la puerta de servicio mientras que el resto de sus compañeros accedían por la entrada principal. Era el colmo. Decide incluir en su repertorio “Strange Fruit”, la letra describe el linchamiento de un negro. Y al contrario de lo que se pensaba, fue todo un éxito.

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Sadie, de nuevo aparece en su vida. Ha montado un restaurante y de nuevo la necesita, Billie financia con lo que puede, el negocio pero descubre con decepción, que cuando es ella la que necesita dinero, su madre se lo niega. De su rabia compone “God Bless the child”.

Como a Bessie, a Billie la llaman para trabajar en una película, esperaba un buen papel, estaba realmente ilusionada. Escribió un buen número de canciones. Los productores, acosados por el Macartismo que quería evitar la impresión de que el pueblo negro había inventado el jazz, redujeron su papel al de una mera sirvienta, aunque eso sí, utilizaron sus canciones. Consiguió matizaciones musicales inigualables y registró excelentes grabaciones rindiendo tributo en muchas ocasiones a su admirada Bessie Smith y como ella, también grabó un soberbio “St. Louis Blues”. Pero Billie fumaba cada vez más marihuana y cambiaba de maridos, uno de los cuales la inició en la heroína. Un día fue arrestada en su apartamento por tenencia de drogas. Durante el juicio descubrió que su

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abogado no tenia ningún interés en defenderla. Deprimida, cayó enferma, se declaró culpable y la ingresaron el hospital de la prisión de Virginia. Cuando salió de la cárcel se organizó un concierto que agotó las entradas. Sin embargo Billie no era del todo libre, estaba vetada de poder cantar en clubs serios de la ciudad, le habían retirado la Cabaret Card (2). Su voz se hacía más frágil. Elegía canciones, algunas compuestas por ella, que exaltaban una profunda negritud en contra de la cultura blanca, tal vez en venganza por el racismo que sufría. Cuando le preguntaban cómo estaba, contestaba:”ya ves, sigo siendo negra”… Se hizo musa de los intelectuales y de la izquierda culta, atraía a un público que a veces permanecía expectante a ver si Billie se caería rendida sobre el escenario. Arrastraba un lúgubre pasado, estaba obsesionada por lo que le había pasado de niña. Ya no tenía a Lester Young a su lado y, aunque desintoxicada de la heroína, ahora le tocaba al alcohol. Un día, de nuevo la arrestaron en su apartamento por posesión de narcóticos pero la encontraron muy enferma, (tal vez de los excesos etílicos para olvidar a Lester), su hígado no aguantaba más. Fue trasladada por la policía a urgencias, pero a la vista de que no la atendían (¿por ser negra, quizá?), fue llevada al Metropolitan Hospital de Harlem. Entró en coma, vigilada permanentemente por dos policías. Lady Day murió arrestada.

Al mes de nacer, sus padres se separaron. Su madre se trasladó a Nueva York y se echó un novio metodista, que se pasaba el día estudiando la biblia. Cuando no asistía a la iglesia Ella no paraba de bailar, era lo que más le gustaba hasta que su madre murió. Tenía solo 15 años. Su padrastro, el que se pasaba el día estudiando la biblia, abusó de ella. Huyó a casa de su tía pero las autoridades decidieron que era mejor que se ingresara en un orfanato. Se escapó y se convirtió en una niña “sin techo”. El baile seguía siendo su pasión. Decide presentarse a un concurso en el teatro Apolo, pero justo antes de iniciar su tan ensayada coreografía, cambia de opinión, y cogiendo el micrófono, comienza a cantar uno de esos temas que

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tanto había escuchado de su admirada Billie Holiday y aunque lo hace con sencillez, con una voz casi infantil, el teatro queda mudo y ella gana el premio. Lo que la historia no cuenta es que, aunque ganó el concurso, costó mucho esfuerzo convencer a Chick Webb para que la incluyera en su orquesta. Sus ropas raídas, su aspecto de homeless y su trabajo haciendo recados para los burdeles no le ayudaban mucho… hasta que alguien se encarga de darle un aspecto más decente y finalmente “la cenicienta” se suma a los músicos de la orquesta de Chick Webb, que se convirtió en casi su padre adoptivo.

En esa época, a las cantantes que acompañaban a las big bands se les llamaba “canarios”, normalmente ganaban menos sueldo que sus compañeros, apenas les llegaba para renovar el vestuario que les era exigido. Los promotores sabían que una figura femenina y un traje bonito aumentaba el atractivo de las bandas y era parte fundamental del espectáculo. Ella Fitgerald, aunque era gordita y poco sensual, empezó siendo canario pero acabó volando a grandes alturas hasta convertirse en “ la reina del swing”. Era una mujer tímida, pero la música parecía encender su interior y le permitía convertirse en una personalidad viva que interpretaba con brillantez los temas de Cole Porter.

Tras la repentina muerte de Chick Webb decidió hacerse cargo ella misma de la orquesta. Se había convertido en una mujer emancipada. Al igual que Bessie y que Billie interpretó algunos papeles en el cine pero al igual que ellas, por ser negra no podía cantar en ciertos clubs. Y al igual que Bessie y que Billie, los maridos que tuvo no la ayudaron mucho. Sin embargo, consiguió cierto equilibrio en su vida, la admiración de luminarias como Dizzy Gillespie, Boris Vian, Duke Ellington o Marilyn Monroe y hasta trece Grammys.

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Pero su salud se hacía frágil. En 1993 le diagnosticaron una fuerte diabetes, se quedó ciega y sus dos piernas fueron amputadas.Vivió sus últimos días en su hogar de Beverly Hills con su hijo y con su nieta Alice. Días antes de morir expresó: “solo quiero sentir el aire fresco, oír el canto de los pájaros y la risa de Alice”. La niña de las ropas roídas, la cenicienta convertida en reina del swing, murió el 14 de junio de 1996.

Tres vidas, casi paralelas, tres destinos próximos con muchas coincidencias. Tres niñas sin muñecas, sin padre, sin escuela. Infancias perdidas, virginidades violadas, mancilladas. Empezaron a trabajar muy pronto y en ambientes poco ortodoxos, los burdeles, las meretrices, les eran familiares. Trabajaban durante la noche en ambientes sazonados por el alcohol, las drogas. Sufrieron la condición de mujer en un ambiente dominado por los hombres. La ausencia de una figura paterna tal vez les hizo equivocarse en la elección de sus compañeros, que pocas veces les aportaban un beneficio financiero o emocional. Aguantaron la crítica y el reproche de una sociedad americana puritana, hipócrita, manipulada por el Macartismo

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que condenaba el comunismo pero aceptaba el KuKluxklan y las asociaciones de “guardadores de la moral”. Se hicieron fuertes y hasta empresarias en un momento histórico, en que encontrar a una mujer negra emancipada era difícil. Probablemente fueron sin querer de las primeras feministas de Estados Unidos: Bessie se compró un vagón y Ella se hizo con la dirección de toda una orquesta. El alcohol y las drogas aumentaron sus problemas y aunque Ella si consiguió cierto equilibrio personal, la desgracia volvería a su vida cuando se quedó ciega y sin piernas. Las otras dos terminaron sus días casi como empezaron: Billie murió arrestada (se había pasado la vida, desde niña, perseguida por la policía), y Bessie, tan pobre, que fue enterrada sin sepulcro.

Pero las tres pertenecieron a la realeza: “emperatriz”, “lady” y “reina” y las tres, a pesar de sus infancias arrebatadas por la vida, han firmado con letras de oro la historia de la música del siglo XX y de todos los tiempos.

Notas:

T.O.B.A. (1) Theater Owners Booking Association era una asociación de empresarios blancos que controlaba un circuito de vodeville de artistas negros durante los años 20 y 30. Más conocida coloquialmente como Tough on Black Artist (Mano dura con los músicos negros) o como decía Ma Rainey “Tough on Black Asses” (mano dura con los culos negros) porque pagaban míseros salarios y las condiciones de trabajo eran a menudo, degradantes. A pesar de todo ello, la TOBA influyó enormemente, en la difusión del blues y del jazz.

La Cabaret Card (2) obedecía a una ley que negaba a personas con antecedentes penales o comportamientos indecentes, el permiso para trabajar en locales de Nueva York que expidieran

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alcohol. Para muchos, la pérdida de la cabaret card les suponía perder su forma de ganarse la vida. Charlie Parker, Thelonius Monk o Chet Baker, entre otros muchos, fueron algunos artistas de jazz a los que se les retiró.

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La Odisea de la Música

Afroamericana (017) [Podcast]

El capítulo 17 de La Odisea de la Música Afroamericana (LODLMA) está dedicado a Fletcher Henderson, una figura esencial en el jazz puesto que su influencia fue determinante en el swing. A este químico reconvertido en músico se le puede considerar el padre de las big bands. Adelantado de alguna manera a su tiempo, fueron otros como Benny Goodman quienes cosecharon en plenitud el éxito de sus planteamientos, aunque bien es cierto que el caso del clarinetista le hizo partícipe de ello puesto que Henderson fue su arreglista. En el programa suena la música de Henderson interpretada tanto por sus grupos (Fletcher Henderson Orchestra, The Dixie Stompers), como por otros músicos (Benny Goodman, Manhattan Transfer), así como mostrando al Henderson pianista (junto a la enorme Bessie Smith). También sirve para adelantar la siguiente figura que pasará por la odisea: Louis Armstrong en un tema grabado junto a otro gigante, Duke Ellington. El cierre y apertura viene con la voz de George Benson y la deliciosa Mary Stallings.

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Fletcher Henderson En el capítulo 17 suena:

“Surrey With The Fringe On Top” Mary Stallings “Wang Wang Blues” Fletcher Henderson Orchestra “Variety Stomp” The Dixie Stompers

“Baltimore” The Dixie Stompers

“Down South Camp Meeting” Fletcher Henderson “Down South Camp Meeting” Benny Goodman

“Hop Off” Fletcher Henderson

“King Porter Stomp” Manhattan Transfer “A Rhythmic Dream” Fletcher Henderson

“There´Ll Be A Hot Time In The Old Town Tonight” Bessie Smith

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“Duke´S Place” Louis Armstrong

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Ragtime II. La Odisea de la

Música

Afroamericana

(Capítulo 010) [Podcast]

Luis Escalante continúa en el décimo capítulo de La Odisea de la Música Afroamericana el recorrido por el ragtime que

comenzó en el capítulo anterior. Si se habla de este estilo

musical hay que mencionar irremediablemente en uno u otro momento a Scott Joplin. Un músico que aunque tuvo éxito a lo largo de su vida, fue varias décadas después de su fallecimiento cuando logró un enorme éxito popular gracias a la película El golpe. Otro aspecto paradójico de su vida fue

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que el éxito que no logró en su momento con la ópera

Treemonisha lo consiguiese (premio Pulitzer incluido) 70 años

después de su publicación. Otros músicos y artistas que aparecen en el programa son el pianista y compositor Eubie Blake, así como los compositores John Philip Sousa e Irving Berlin, ambos unos protagonistas sumamente importantes de esta odisea musical.

Billy Hathorn tomó esta fotografía de una foto de Scott Joplin en Finney County, KS, Historical Museum en Garden City, KS, con una cámara Canon.

“Just squeeze me” Tierney Sutton “Maple Leaf Club” Scott Joplin “The Entertainer” Scott Joplin

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“The easy winners” Scott Joplin “Charleston rag” Eubie Blake

“Memories of you” The Golden Gate Quartet “Stars and stripes forever” Eubie Blake “Alexander´s ragtime band” The Boston Pops “Alexander´s ragtime band” Benny Goodman “Alexander´s ragtime band” Bessie Smith

“I´m putting all the eggs in one basket” Diane Schuur & B. B. King

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Blues III. La Odisea de la

Música

Afroamericana

(Capítulo 007) [Podcast]

En el sexto capítulo de La Odisea de la Música Afroamericana,

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masculinos. En el séptimo capítulo las protagonistas son ellas, las cantantes de blues. En este punto surge una cuestión interesante, y es si hay coincidencias entre los intereses de ellos y los intereses de ellas. Efectivamente los hay, y de hecho, hay muchas coincidencias entre los artistas y las artistas. En un programa con un perfil femenino, Luis Escalante repasa las biografías de mitos como Big Mama

Thornton, Rosetta Howard, y Mattie Delaney. No obstante, la

protagonista central es Bessie Smith, la emperatriz del blues, en quien se detiene pormenorizadamente y a quien hay oportunidad de escuchar en compañía de artistas como Louis

Armstrong, Coleman Hawkins, James P. Johnson, Clarence Williams o Buck Washington.

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Bessie Smith by Carl Van Vetchen En el capítulo 7 suena:

“Just One Of Those Things” Laverne Buttler “Rock Me Baby” Big Mama Thornton

“Men Are Like Street Cars” Rosetta Howard “Tallahatchie River Blues” Mattie Delaney “It Won´T Be You” Bessie Smith

“Baby Won´T You Please Come Home” Bessie Smith “Cake Walking Babies From Home” Bessie Smith “Careless Love Blues” Bessie Smith

“After You´Ve Gone” Bessie Smith “He´S Got Me Going” Bessie Smith “Down In The Dumps” Bessie Smith

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Blues I. La Odisea de la

Música

Afroamericana

(Capítulo 005) [Podcast]

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En el quinto capítulo de La Odisea de la Música Afroamericana Luis Escalante centra el programa en el blues. Como no podía ser de otra manera aparecen referencias a los minstrel shows (con sus protagonistas Jim Crow y Zip Coon), y a la guerra civil norteamericana. A su estructura de doce compases, al origen de su nombre en la expresión “to be blue” y en los duendecillos conocidos como “blue devils”, y a su referencia p o r l o s p r i m e r o s c a n t a n t e s c o m o u n a m ú s i c a q u e y a existía antes que ellos. Todo ello desembocó finalmente en el registro de “Crazy Blues”, el primer blues grabado en la historia por la cantante Mamie Smith, el 14 de febrero de 1920.

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“MamieSmith” by unknown. Original uploader

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from en.wikipedia; transferred to Commons by

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http://culan.org/main.htm). Licensed under

Public Domain via Wikimedia Commons.

“You´re Fine” Walter Wolfman Washington “Blow Top Blues” Dinah Washington

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“When Johnny Comes Marching Home” Glenn Miller “Battle Hymn Of The Republic” Monty Alexander “Every Day I Have The Blues” Jimmy Rushing “Happy Me” Big Mama Thornton

“Must Have Been The Devil” Otis Spann “C. C. Rider” Ray Charles

“Crazy Blues” Mamie Smith

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Las primeras expresiones

musicales. La Odisea de la

Música

Afroamericana

(Capítulo 004) [Podcast]

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autor del libro Y se hace música al andar con swing.

En el cuarto capítulo de La Odisea de la Música Afroamericana, Luis Escalante indaga en la evolución que transformó a la música de los esclavos afroamericanos en el jazz y en el blues. A lo largo del programa se incide en los distintos instrumentos que algunos amos permitieron utilizar a sus esclavos (especialmente el violín y el banjo), con ánimo de entretener a otros esclavos y a sus amos. También en los lugares en que se fue desarrollando esta música. También a sus primeras expresiones como fueorn el ragtime y los minstrel shows.

J o h n n y S t . C y r . Autor desconocido En el capítulo 4 suena:

“I Can´t Give You Anything But Love” Terence Blanchard & Jane Monheit

“Stomping At The Savoy” Benny Goodman “Caravan” Duke Ellington

“Alexander´s Ragtime Band” The Boston Pops

“Willie The Weeper” Louis Armstrong & His Hot Seven “When You Walk Out The Door” Albert King

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“Since I Met You Baby” B. B. King & Katie Webster “I Got To Right To Sing The Blues” Billie Holiday “St. Louis Blues” Bessie Smith & Louis Armstrong “Moten Swing” Kansas City (Banda Sonora)

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Tomajazz

recomienda…

un

blues: “Honky Tonk” (Mack

Avenue Superband, 2013)

La versión de “Honky Tonk” de Wild Bill Doggett, interpretada por la Mack Avenue Superband, es el excelente colofón al CD

Live At The Detroit Jazz Festival 2012.

Esto no quiere decir que el resto del CD resulte carente de interés. En absoluto. Hasta llegar a este punto se pasa por unas más que interesantes versiones del “All Blues” Milesiano, el homenaje a Bessie Smith “Oh Daddy Blues” con la cantante Cécile McLorin Salvant, o la magnífica versión de “Guantanamera” a piano solo de Alfredo Rodríguez con un desarrollo que parte de lo abstracto hasta llegar a la melodía del conocido tema. Sin embargo la versión de “Honky Tonk” es capaz de reunir y reproducir la excitación de los grandes

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momentos. Tras la exposición del tema y unos solos breves y magníficos por parte de los saxofonistas (Tia Fuller y Diego Rivera), el trompetista (Sean Jones) y el vibrafonista (Gary Burton), el pianista Aaron Diehl lleva al tema a los terrenos del boogie. Tras él los guitarristas Kevin Eubanks y Evan Perri se enzarzan en unos solos y duetos más propios del blues que dan paso al trabajo en los arreglos por parte de sus siete compañeros, que encuentran respuesta en un magnífico solo del contrabajista Rodney Whitaker, la exposición del tema final y una coda volviendo a mostrarlo, dada la intensidad lograda en nueve minutos y medio absolutamente inspirados. Toda una lección de jazz en directo y un final de fiesta perfecto.

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Tomajazz

recomienda…

un

homenaje: Amina Claudine

Myers Salutes Bessie Smith

(1980)

En 1980 Amina Claudine Myers grababa en Leo Records su segundo disco titulado

Amina Claudine Myers Salutes Bessie Smith.

La pianista y cantante estaba acompañada por Cecil McBee y Jimmy Lovelace con los que componía un disco que estaba lleno de sonidos que homenajeaban a la emperatriz del blues en temas como “Wasted Life

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Blues”, “Dirty No-Gooder’s Blues”, “Jailhouse Blues” («Good morning blues, how do you do?» canta en un tema en el que

Cecil McBee está especialmente brillante), e incluso se

atrevía a incorporar alguna composición suya como el emocionante “African Blues”.

©Adolphus van Tenzing Amina Claudine Myers. Salutes Bessie Smith (Leo Records, 1980)

Tomajazz recomienda… Especial

25 Discos de Jazz: una guía

esencial

Cuatro especialistas y grandes aficionados desarrollan el especial “25 Discos de Jazz: una guía esencial”. El resultado

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es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

Agustín Pérez, Ignacio Fuentes y Jorge López de Guereñu, coordinados por Fernando Ortiz de Urbina han desarrollado el especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

El especial está estructurado de la siguiente manera:

Presentación: http://www.tomajazz.com/web/?p=626 por Fer

Urbina (Fernando Ortiz de Urbina), quien actuó como coordinador de este proyecto.

Se desarrolla cronológicamente estructurado en estas cuatro partes:

1917-1942: http://www.tomajazz.com/web/?p=629 por Eke BBB

(Agustín Pérez)

1953-1969: http://www.tomajazz.com/web/?p=23973 por Fer Urbina

1960-1979: http://www.tomajazz.com/web/?p=23981 por Natxo

(Ignacio Fuentes)

1980-2000: http://www.tomajazz.com/web/?p=23984 por Jorge LG

(Jorge López de Guereñu)

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25 discos de jazz: una guía

esencial

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The following article is a list of CDs containing some of the best jazz recorded in the 20th century. Although we are aware that 65 currently available CDs (25 “essentials” plus other 40) are not enough to summarize the history of recorded jazz, we have tried our best to offer a view as balanced and representative as possible of this music’s first eighty years, or at least a taster of what this diverse and ever-changing music has to offer.

PRESENTACIÓN

Lo que sigue a continuación es una selección de CDs de jazz con grabaciones realizadas entre 1917 y 2000, periodo que hemos dividido en cuatro partes de aproximadamente 20 años. Los discos están agrupados en 25 “esenciales” y 40 “complementarios”, siguiendo un criterio resultante de la combinación de factores que abarcan desde los motivos estrictamente musicales hasta la disponibilidad real en el mercado español, pasando por la calidad de sonido de las reediciones y el equilibrio entre la diversidad y la representatividad en cada periodo.

El desarrollo del jazz está estrechamente ligado al de la industria discográfica. La improvisación, como composición espontánea, convierte al jazz en la más efímera de las músicas, y su rápida evolución y difusión en menos de un siglo no habrían sido posibles sin la tecnología de grabación de sonidos: gracias a ella, el músico aprendiz puede escuchar un mismo pasaje cuantas veces sea necesario, independientemente de la distancia espacial o temporal que le separe del intérprete emulado, con una riqueza de matices de timbre y ritmo imposible de reflejar en papel pautado. En cuanto al formato en sí, hemos limitado esta selección a las ediciones en CD por ser el soporte más extendido, a pesar de que aún sobrevive el LP y los nuevos formatos de compresión de sonido cobran más fuerza cada día que pasa. Respecto a la disponibilidad de las ediciones, aunque hemos incluido únicamente discos en catálogo, hay que señalar que el CD es un formato que se presta especialmente al mercado de segunda mano, que merece la pena investigar.

Dado el carácter retrospectivo de esta selección, es necesario un breve apunte sobre las reediciones. En todos los casos hemos procurado escoger las publicadas por los propietarios de las grabaciones originales o por sellos de reputación contrastada. El motivo es simple: las reediciones “oficiales” casi siempre ofrecen la mejor calidad de sonido, una consideración nada desdeñable, particularmente cuando hablamos de la música de entreguerras.

La decisión del número de discos que contiene esta selección, 25 más 40, se tomó pensando en quienes quieren empezar a introducirse en esta música. Aunque hemos tratado de cuajar una colección representativa, el jazz –o “los jazz”, como clama la mancheta de la revista francesa “Jazzman”– es demasiado diverso y rico para lograrlo con 65 discos (como referencia, en su “Jazz On Record” el reputado Brian Priestley afirma que una colección de 300 volúmenes apenas sería representativa).

Ha de tenerse en cuenta, además, lo que Dan Morgenstern apunta en su “Living With Jazz”: comparado con todo el jazz que se ha tocado, la parte que se ha recogido en grabaciones vendría a ser una gota en el océano. Añádase que de esa gota de jazz grabado, en su mayoría publicado en discos de 78 o 33 RPM, sólo se ha reeditado en CD una mínima parte, y que de esta mínima parte publicada en formato CD, nosotros hemos desestimado el material descatalogado. La conclusión es que en ningún caso debería entenderse esta lista como una historia del jazz grabado, ni mucho menos como una historia del jazz. Viendo el vaso medio lleno, todos los discos aquí incluidos han superado la prueba definitiva para toda obra de arte, el paso del tiempo, y son un ejemplo de lo que puede dar de sí esta música.

Finalmente, como editor de los textos que siguen, aunque no soy responsable de las opiniones expresadas por mis tres colegas, sí lo soy de las erratas que hayan podido colarse. Tras casi medio año de conversaciones y 700 e-mails a cuatro bandas, sólo me queda agradecer a Agustín, Natxo y Jorge su dedicación y generosidad, y a Pachi Tapiz la publicación de esta guía, que sólo busca contribuir a abrir puertas a un universo musical que es fuente inagotable de satisfacciones y sorpresas.

Que aproveche.

Fernando Ortiz de Urbina

DISCOS ESENCIALES 1917-1942 por Agustín Pérez

• Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens (JSP, 4 CDs) • Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot (RCA/BMG) • Bix Beiberdecke: Vol.1, Singin’ The Blues (Columbia/Sony) • Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943 (Jazz Legends) • Billie Holiday: Lady Day, The Best Of Billie Holiday (Columbia/Sony, 2 CDs) • Count Basie: The Best Of Early Basie (Decca/Universal)

• Duke Ellington: Never No Lament, The Blanton-Webster Band (Bluebird/BMG, 3 CDs) …más diez complementarios: King Oliver, Bessie Smith, Art Tatum, Bennie Goodman… 1943-1959 por Fernando Ortiz de Urbina

• Charlie Parker: The Essential Charlie Parker (Union Square Music, 2 CDs) • Thelonious Monk: Genius of Modern Music, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI) • Lennie Tristano: Intuition (Capitol/EMI)

• Art Blakey: A Night In Birdland, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI) • Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia/Sony) • Ornette Coleman: The Shape Of Jazz To Come (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Dizzy Gillespie, Bud Powell, Sonny Rollins, George Russell… 1960-1979 por Ignacio Fuentes

• Bill Evans: Waltz For Debby / Sunday At The Village Vanguard (Riverside/Fantasy) • Eric Dolphy: Out To Lunch (Blue Note/EMI)

• Albert Ayler: Spiritual Unity (ESP) • John Coltrane: A Love Supreme (Impulse/Universal) • Herbie Hancock: Head Hunters (Columbia/Sony) • Charles Mingus: Changes One / Changes Two (Atlantic/WEA) …más diez complementarios: Gil Evans, Oliver Nelson, Andrew Hill, Lee Morgan… 1980-2000 por Jorge LG

• David Murray: Ming (Black Saint) • Lester Bowie: The Great Pretender (ECM) • Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2 (ECM)

• Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground) (Columbia/Sony) • Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm) (Novus/BMG) • John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997) (Tzadik) …más diez complementarios: Anthony Braxton, Dave Holland, Paul Motian , Bill Frisell… LOS CULPABLES

Agustín Pérez (EKE BBB) es economista, ha contribuido a diversos proyectos discográficos y es el autor de ladiscografía de Tete Montoliu más completa jamás publicada.

Lamenta haber dejado fuera a Bunny Berigan, Eubie Blake, Cab Calloway, James P. Johnson, Jimmie Lunceford, New Orleans Rhythm Kings, Bennie Moten, Pee Wee Russell, Jabbo Smith, Fats Waller y un largo etcétera.

Fernando Ortiz de Urbina (Fer Urbina) es traductor. Escribe sobre música desde 1993 y ha colaborado con El Diario Vasco (San Sebastián), Radio Euskadi (Bilbao), Jazzwise (Londres), La Tempestad (México) y Teoría (Puerto Rico). Actualmente es el corresponsal en Londres de Cuadernos de Jazz y prepara una discografía de Eddie Costa.

Lamenta no haber incluido a Louis Armstrong y los All-Stars en directo, Teddy Charles, el trío de Nat King Cole, más Miles Davis, Jimmy Giuffre, Woody Herman (1945-46), el Modern Jazz Quartet, el quinteto de Max Roach y Clifford Brown, Sarah Vaughan y Ben Webster con Oscar Peterson.

Ignacio Fuentes (Natxo) es abogado. Dirigió y presentó el programa Jazzteiz en Hala-Badi Irratia de Vitoria entre 1996 y 2003, y ha colaborado con la revista literaria La Botica.

Se le quedaron fuera Jimmy Giuffre, Wayne Shorter, Horace Silver, Archie Shepp, Jackie McLean, Roland Kirk, Hank Mobley, Wes Montgomery, Woody Shaw y Dexter Gordon.

Jorge LG (López de Guereñu) es artista y profesor. En los ochenta y noventa colaboró en distintas asociaciones con programas educativos mixtos de música y arte en Estados Unidos, Francia y Gran Bretaña y escribió artículos sobre arte, música y cultura urbana en Ear Magazine, Sound Journal y

publicaciones académicas. En la actualidad dirige su escuela de Arte y Diseño en Bilbao.

Músicos que lamenta haber dejado fuera: Don Byron, Don Cherry, Ornette Coleman y Prime Time, Joe Henderson, Greg Osby, Dewey Redman, Mal Waldron con Steve Lacy o Marion Brown, y Cassandra Wilson. © Tomajazz, 2005

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1917-1942: de la primera

grabación al boom del swing.

Especial 25 Discos de Jazz:

una Guía Esencial. Por

Agustín Pérez Gasco

Introducción

Sobre la base de géneros musicales tan diversos como las work

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shows, el jazz se gestó en Nueva Orleáns alrededor del cambio

de siglo, de la mano de pioneros como el cornetista Buddy Bolden.

La primera grabación de jazz la realizó en 1917 una mediocre banda blanca, la Original Dixieland Jass Band, pero hubo que esperar cinco años para el primer disco de jazz de un grupo negro, el del trombonista de Nueva Orleáns Kid Ory. El jazz de su ciudad se caracterizaba por la improvisación colectiva y el contrapunto ejecutados por grupos pequeños con una primera línea de corneta, trombón y clarinete. Con la diáspora de los músicos de Nueva Orleáns, el jazz se extendió por todo el país, principalmente en Chicago y Nueva York, y en menor medida en California y el Medio Oeste.

Gracias a Louis Armstrong, otro hijo de Nueva Orleáns, la música evolucionó hacia un mayor protagonismo del solista sobre el conjunto y, sobre todo a partir del denominado jazz de Chicago, su repertorio derivó hacia las canciones populares y del teatro musical (standards). Entretanto, en el contexto del Harlem Renaissance se desarrolló el stride, estilo pianístico de gran virtuosismo cuyo precursor fue James P. Johnson.

Por otra parte, en la segunda mitad de los años 20 se fue definiendo el concepto de big band, con sus secciones de trompetas, trombones, cañas y rítmica, y el consiguiente énfasis sobre los arreglos. De estas orquestas con músicos cada vez más profesionalizados surgieron solistas estrella como Coleman Hawkins y Henry “Red” Allen. A partir de 1935, y gracias al éxito de la radio y el baile, el Swing se convierte en la auténtica música popular norteamericana, aunque por poco tiempo: la Segunda Guerra Mundial, la huelga promovida por la Federación Americana de Músicos en agosto de 1942 y el propio agotamiento de un estilo cada vez mas previsible fueron la clave del fin de la era delSwing.

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Discos esenciales

Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens

JSP Records JSP-100 (4 CDs) Grabado entre 1925 y 1930 Publicado en 1999

Personal (entre otros): Louis Armstrong (corneta, trompeta, voz), Kid Ory (trombón), Pete Briggs (tuba), Johnny Dodds, Don

Redman (clarinete, saxo alto), Lil’ Armstrong (piano, voz), Earl Hines (piano), Johnny St. Cyr (banjo, guitarra), Lonnie Johnson (guitarra), Baby Dodds, Zutty Singleton (batería).

Esta edición del sello británico JSP contiene todas sesiones de los Hot Five y los Hot Seven y algunas grabaciones de Armstrong con los Savoy Ballroom Five y con su orquesta y, aun careciendo de la cuidada presentación de la de Columbia, ofrece un magnífico sonido por la remasterización de John R.T. Davies. Gracias a la creatividad y los inagotables recursos técnicos de Armstrong, estas grabaciones marcan el abandono del estilo polifónico y la improvisación colectiva del jazz de Nueva Orleáns hacia la predominancia del solista. La coda de “Cornet Chop Suey”, el stop-time de “Potato Head Blues”, la introducción de “West End Blues”, el scat de “Heebie Jeebies” o el dúo con el pianista Earl Hines en “Weather Bird” son algunos de los momentos más memorables de la historia del jazz.

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Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot

RCA-Bluebird/BMG 66641 Grabado en 1926 y 1927 Publicado en 1995

Personal (entre otros): George Mitchell (corneta), Kid Ory,

Gerald Reeves (trombone), Quinn Wilson (tuba), Omer Simeon

(clarinete, clarinete bajo), Barney Bigard, Johnny Dodds (clarinete), Jelly Roll Morton (piano, voz),Johnny St. Cyr (banjo), Bud Scott (guitarra), Baby Dodds (batería), Clarence

Black (violín).

Las sesiones de los años 26 y 27 para el sello Victor con sus Red Hot Peppers suponen el punto álgido de la carrera de Jelly Roll Morton, el primer compositor importante del jazz. La edición del sello Bluebird incluye todas las master takes más cuatro tomas alternativas. Estas grabaciones, algunas de las cuales presentan elaborados arreglos (estructuras complejas, cambios de instrumentación), se hallan a medio camino entre la rigidez compositiva delragtime y la espontaneidad de la improvisación jazzística, y en ellas Morton extrae lo mejor de sus músicos. Clásicos como “Sidewalk Blues”, “Grandpa’s Spells”, “Black Bottom Stomp” o “Dead Man Blues” suponen, a la vez, la culminación y el canto de cisne del estilo de Nueva Orleáns.

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Bix Beiderbecke: Vol.1 – Singin’ The Blues

Columbia/Sony COL 45450 Grabado en 1927

Publicado en 1991

Personal (entre otros): Bix Beiderbecke (corneta, piano), Bill

Rank, Miff Mole (trombón), Jimmy Dorsey (clarinete, saxo

alto), Don Murray (clarinete, saxos tenor y barítono, arreglos), Frankie Trumbauer (saxo tenor en do), Adrian

Rollini (saxo bajo), Paul Mertz (piano, arreglos), Frank Signorelli (piano), Eddie Lang (guitarra), Joe Venuti

(violín),Chauncey Morehouse (batería), Irving Kaufman (voz),

Bill Challis (arreglos).

La asociación entre el cornetista Bix Beiderbecke y el saxofonista Frankie Trumbauer, bien en la orquesta de éste, bien en pequeños grupos con músicos como el guitarrista Eddie Lang, está considerada como una de las más importantes de los años 20, y su influencia llega hasta Lester Young y la posterior corriente del Cool Jazz. Este CD incluye lo más destacado de esa asociación, con clásicos como “Singin’ The Blues”, “Trumbology”, “Riverboat Shuffle” o “I’m Coming Virginia”, además de “In A Mist (Bixology)”, interpretado a piano solo por el propio Bix. Con su digitación heterodoxa, sus audacias armónicas y su reconocible y cálido tono, la mitificada figura de Beiderbecke ha quedado como paradigma del

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jazz de los “locos años 20”.

Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943

Jazz Legends 1012

Grabado entre 1929 y 1943 Publicado en 2003

Personal (entre otros): Henry Red Allen, Buck Clayton, Harry

Edison, Cootie Williams (trompeta), J C Higginbotham, Glenn Miller, Dickie Wells (trombón), Edmond Hall (clarinete), Coleman Hawkins (saxo tenor),Benny Carter (trompeta), Adrian Rollini (saxo bajo), Lionel Hampton (vibráfono), Horace Henderson (piano, arreglos), Eddie Heywood, Count Basie, Art Tatum (piano), Django Reinhardt, Freddie Green (guitarra), Eddie Condon (banjo), Pops Foster, John Kirby, Oscar Pettiford

(contrabajo), Gene Krupa, Shelly Manne, Sid Catlett(batería). Esta recopilación constituye un rápido repaso a quince años de la carrera de “Bean” fuera de la orquesta de Fletcher Henderson, desde su coronación como máxima figura del saxo tenor a finales de los años 20 hasta las decisivas grabaciones de los años 40 para Commodore o Signature en los albores del

Be Bop, pasando por su grupo de 1933 con Henry Red Allen, sus

dúos con el pianista Buck Washington o su estancia en Europa. Como temas clásicos cabe señalar “One Hour” con los Mound City Blue Blowers, “The Man I Love” con el cuarteto con Heywood, Pettiford y Manne, o “Boff Boff (Mop Mop)” con los Esquire

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All-Stars. Pero por encima de todos destaca el “Body And Soul” de 1939, un solo de 64 compases que marcó un hito en la concepción del saxo tenor. No en vano se considera a Hawk el padre de este instrumento.

Billie Holiday: Lady Day – The Best Of Billie Holiday

Columbia-Legacy/Sony C2K 85979 (2 CDs) Grabado entre 1935 y 1942

Publicado en 2001

Personal (entre otros): Roy Eldridge, Buck Clayton, Jonah

Jones, Bunny Berigan, Hot Lips Page, Harry Edison(trompeta), Benny Morton, Dickie Wells (trombón), Benny Goodman, Artie Shaw, Edmond Hall, Buster Bailey(clarinete), Jimmie Hamilton

(clarinete, saxo tenor), Tab Smith (saxos soprano y alto),

Johnny Hodges, Benny Carter, Earl Warren (saxo alto), Ben Webster, Chu Berry, Lester Young (saxo tenor), Harry Carney

(saxo barítono), Teddy Wilson, Joe Bushkin, Claude Thornhill (piano), Freddie Green, Al Casey (guitarra), Walter Page, John

Kirby, Milt Hinton (contrabajo), Jo Jones, Cozy Cole, Gene Krupa, Kenny Clarke (batería), Billie Holiday (voz).

Recopilación extraída de la caja “The Complete Billie Holiday on Columbia” que recoge, con una magnífica calidad sonora, algunos de los mejores momentos de la primera parte de su carrera, en compañía de destacados músicos deSwing, entre ellos Lester Young, con el que mantuvo una singular relación

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tanto musical como personal. Con su expresiva voz –aunque de registro limitado– su sentido del compás y fraseo, y su capacidad de transmitir sentimientos y de dar sentido a las letras, Lady Day nos dejó memorables interpretaciones de temas como “All Of Me”, “God Bless The Child”, “Billie’s Blues” o “My Man”, cuya influencia en generaciones posteriores de vocalistas de jazz ha sido decisiva.

Count Basie: The Best Of Early Basie

Decca-GRP/Universal GRD-655 Grabado entre 1937 y 1939 Publicado en 1996

Personal (entre otros): Buck Clayton, Harry Edison, Shad

Collins (trompeta), Benny Morton, Dickie Wells(trombón), Eddie Durham (trombón, guitarra, arreglos), Earl Warren (saxo alto), Herschel Evans, Lester Young(saxo tenor, clarinete), Chu Berry

(saxo tenor), Jack Washington (saxos alto y barítono), Freddie

Green (guitarra),Count Basie (piano), Walter Page

(contrabajo), Jo Jones (batería), Jimmy Rushing, Helen Humes (voz).

Nacida en torno un núcleo de músicos procedentes de la popular banda de Bennie Moten, la “Orquesta del Antiguo Testamento” supuso la culminación del estilo de Kansas City. Con la base de una sólida sección rítmica, un grupo de excitantes solistas (Young, Evans, Clayton, Edison) y hondas raíces en el blues, la música de esta big bandtransmite un contagioso Swing a base de arreglos sencillos y riffs pegadizos. Esta recopilación

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extraída de la caja de 3 CDs “The Complete Decca Recordings”, incluye los mejores temas de esta etapa de la carrera de Count Basie, entre los que se encuentran clásicos imperecederos como “One O’Clock Jump”, “Good Morning Blues” y “Jumpin’ At The Woodside”.

Duke Ellington: Never No Lament – The Blanton/Webster Band

RCA-Bluebird/BMG 82876-50857-2 (3 CDs) Grabado en 1940 y 1942

Publicado en 2003

Personal (entre otros): Rex Stewart (corneta), Cootie Williams (trompeta), Ray Nance (trompeta, violín, voz),Lawrence Brown,

Joe Nanton (trombón), Juan Tizol (trombón de pistones), Barney Bigard (clarinete), Johnny Hodges (saxos soprano y alto,

clarinete), Otto Hardwick (saxos alto y bajo), Ben Webster (saxo tenor), Harry Carney (clarinete, saxos alto y barítono),

Duke Ellington, Billy Strayhorn (piano, arreglos), Fred Guy

(guitarra),Jimmie Blanton (contrabajo), Sonny Greer (batería),

Ivie Anderson, Herb Jeffries (voz).

Extraída de la caja de 24 CDs “The Centennial Edition”, esta colección ofrece todas las tomas máster grabadas por la orquesta de Duke Ellington en los años 1940-42 para el sello Victor, los novedosos dúos Ellington-Blanton y algunas tomas alternativas. La remasterización de Steven Lasker ha causado cierta controversia, pero ofrece un sonido nítido con gran presencia de los instrumentos. Con la incorporación de nuevos músicos (Strayhorn, Blanton o Webster, quien desarrollaría una

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sólida carrera como líder) y la continuidad de veteranos como Hodges y Williams, el período 1938-42 fue especialmente brillante para la orquesta. Esto, unido a la creatividad del tándem Ellington-Strayhorn, que produjo innumerables obras maestras como “Cotton Tail”, “Ko-Ko” o “Take the A train”, hace que se trate de un legado musical extraordinario.

… y 10 Complementarios

King Oliver Creole Band: Complete Set

Retrieval-Challenge 79007 (2 CDs) Grabado en 1923 y 1924

Publicado en 1997

Personal: King Oliver, Louis Armstrong (corneta), Honoré Dutrey (trombón),Johnny

Dodds, Jimmie Noone (clarinete), Stump Evans

(saxo tenor en do), Charlie Jackson (saxo bajo), Lil’ Armstrong, Clarence Williams, Jelly

Roll Morton (piano),Johnny St. Cyr (banjo), Bill Johnson, Bud Scott (banjo, voz), Baby

Dodds (batería).

Remasterizada por John R.T. Davies, esta edición incluye todas las grabaciones de los combos de King Oliver (“Creole Band”, “Jazz Band”) en los años 1923-24, así como dos dúos con Jelly

Roll Morton, con temas clásicos como “Dippermouth Blues”, “Mabel’s Dream” o “King Porter Stomp”. Éstas pasan por ser las

más importantes grabaciones del jazz de Nueva Orleáns previas a los Hot Five de Louis Armstrong.

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Sidney Bechet: Young Sidney Bechet

Timeless CBC-1028 Grabado en 1923-25

Publicado en 1997

Personal: Thomas Morris, Louis Armstrong (corneta), John Mayfield, Charlie

Irvis(trombone), Sidney Bechet, Buster Bailey

(saxo soprano, clarinete), Don Redman(saxo alto), Clarence Williams, Lil’ Armstrong (piano), Buddy Christian (banjo),Sarah Martin,

Rosetta Crawford, Margaret Jonson, Virginia Liston, Eva Taylor,Alberta Hunter, Clarence

Todd (voz).

Veinticuatro temas de la época más temprana del saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet, uno de los primeros

grandes virtuosos del jazz de Nueva Orleáns. Se incluyen algunos clásicos de los Clarence Williams Blue Five con Louis

Armstrong y numerosos temas acompañando a vocalistas. La calidad del sonido es limitada en algunos temas, a pesar de la

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Bessie Smith: The Essential Bessie Smith

Columbia-Legacy/Sony C2K 64922 (2 CDs) Grabado entre 1923 y 1933

Publicado en 1997

Personal (entre otros): Joe Smith, Louis

Armstrong (corneta), Frankie Newton(trompeta), Charlie Green, Jimmy Harrison, Jack Teagarden

(trombón), Buster Bailey, Coleman Hawkins,

Benny Goodman (clarinete), Garvin Bushell (saxo

alto),Chu Berry (saxo tenor), Clarence

Williams, Jimmy Jones, Fletcher Henderson,James P. Johnson, Porter Grainger (piano), Charlie

Dixon (banjo), Eddie Lang(guitarra), Bessie Smith (voz).

Ejemplar selección de 36 temas que cubre toda la carrera de la Emperatriz del Blues. Su poderosa voz, llena de recursos y en

absoluto limitada al terreno del blues, es acompañada en varias sesiones por algunos de los mejores músicos de jazz de la época. Existe también una integral de ocho discos del sello

británico Frog, magníficamente remasterizados por John R.T. Davies.

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Duke Ellington: The Okeh Ellington

Columbia/Sony C2K 46177 (2 CDs) Grabado entre 1927 y 1931

Publicado en 1991

Personal (entre otros): Bubber Miley, Jabbo

Smith, Arthur Whetsol (trompeta),Cootie Williams (trompeta, voz), Joe Nanton

(trombón), Juan Tizol (trombón de pistones),

Barney Bigard (clarinete, saxo tenor), Johnny Hodges (saxos alto y soprano, clarinete),

Otto Hardwick (saxos soprano, alto y

barítono), Harry Carney(clarinete, saxos alto y barítono), Fred Guy (banjo), Lonnie Johnson (guitarra),Duke Ellington (piano, arreglos),

Wellman Braud (contrabajo), Sonny

Greer(batería, voz), Adelaide Hall, Baby Cox

(voz).

Estas grabaciones para OKeh son una buena muestra del período

jungle de Ellington, en el que ya despuntan sus cualidades

como compositor y arreglista y su capacidad para emplear una paleta sonora de forma completamente original, con temas clásicos como “East St. Louis Toodle-oo”, “Black And Tan Fantasy”, “The Mooche” o “Mood Indigo”. Se incluyen además

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Fletcher Henderson: Tidal Wave

Decca-GRP/Universal GRD 643 Grabado en 1931 y 1934

Publicado en 1994

Personal (entre otros): Bobby Stark, Rex

Stewart, Henry Red Allen (trompeta),Benny Morton (trombón), Buster Bailey (clarinete),

Benny Carter, Russell Procope (saxo alto), Coleman Hawkins, Ben Webster (saxo tenor), John

Kirby(tuba y contrabajo), Fletcher Henderson, Horace Henderson (piano, arreglos),Walter

Johnson (batería).

La orquesta de Fletcher Henderson, una de las pioneras en la década anterior, siguió manteniendo un importante elenco de solistas en sus filas en los primeros años 30, así como unos magníficos arreglos. El disco, que ofrece una buena calidad de sonido, incluye cinco sesiones para Decca grabadas en los años 31 y 34, con destacadas piezas como “Sugar Foot Stomp”, “Radio

Rhythm” o “Down South Camp Meeting”.

Art Tatum: Classic Early Solos (1934-1937)

Decca-GRP/Universal GRD 607 Grabado entre 1934 y 1937

Publicado en 1991

Personal: Art Tatum (piano).

A pesar del sonido pobre de unos pocos temas y de la ausencia de sus dos caballos de batalla en esta época, “Tiger Rag” y

“Tea For Two”, este disco ofrece la mejor recopilación de solos de piano del Tatum temprano, donde su estilo pianístico,

de barroca ornamentación y gran complejidad armónica, se muestra prácticamente desarrollado. El mayor virtuoso del

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Django Reinhardt: The Quintessential Django Reinhardt & Stephane Grappelli

ASV/Living Era 5267 Grabado entre 1934 y 1940

Publicado en 1998

Personal (entre otros): Stephane Grapelli,

Eddie South (violín), Django Reinhardt(guitarra

solista y rítmica), Roger Chaput, Joseph

Reinhardt, Pierre Ferret,Eugene Vees (guitarra

rítmica), Alix Combelle, Hubert Rostaing (clarinete), Louis Vola, Tony Rovira (contrabajo), Pierre Fouad (batería). Con su peculiar instrumentación (instrumentos de cuerda, sin

instrumentos de viento ni batería) y unas influencias procedentes de la música clásica y folclórica europea, el Quinteto del Hot Club de Francia, liderado por Reinhardt y Grappelli, fue uno de los más destacados combos de Swing de la

época, con éxitos como “Dinah”, “Djangology”, “Minor Swing” o “Nuages”.

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Benny Goodman: The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert

Columbia-Legacy/Sony C2K 65143 (2 CDs) Grabado el 16 de enero de 1938

Publicado en 1999

Personal (entre otros): Bobby Hackett (corneta), Ziggy Elman, Chris Griffin, Harry

James, Cootie Williams, Buck Clayton

(trompeta), Benny Goodman (clarinete),Johnny

Hodges (saxos alto y soprano), Babe Russin, Art Rollini, Lester Young(saxo tenor), Harry Carney

(saxo barítono), Jess Stacy, Teddy Wilson,

Count Basie(piano), Lionel Hampton (vibráfono), Allan Reuss, Freddie Green (guitarra), Walter Page (contrabajo), Gene Krupa (batería), Martha

Tilton (voz).

El primer concierto de Swing celebrado en el famoso auditorio neoyorquino presentó a un Benny Goodman en plena forma con su

orquesta y sus habituales combos, así como con miembros invitados de las orquestas de Basie y Ellington, para un breve

homenaje a la historia del jazz. Esta edición incluye el material completo y, a pesar de la polémica suscitada, ofrece

un sonido nítido, aunque no exento de ruido de fondo.

Willie The Lion Smith: The Chronogical Willie The Lion Smith 1938-1940

Classics 692

Grabado entre 1938 y 1940 Publicado en 1996

Personal (entre otros): Sidney De Paris (trompeta), Willie The Lion Smith, Joe Bushkin,

Jess Stacy (piano), Bernard Addison (guitarra), George Wettling(batería), Big Joe Turner (voz).

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El tercer volumen dedicado a este pianista de Stride en la colección cronológica del sello francés Classics incluye los

famosos catorce solos que grabó para Commodore en enero de 1939, en los que desarrolla todo su virtuoso estilo

fuertemente influido por el piano clásico. Entre ellos, cabe destacar sus composiciones “Echoes Of Spring”, “Passionette”,

“Rippling Waters” o “Morning Air”.

Charlie Christian / Dizzy Gillespie: After Hours

Esoteric/Fantasy OJCCD-1932 Grabado en mayo de 1941

Publicado en 2000

Personal (entre otros): Dizzy Gillespie, Joe

Guy, “Hot Lips” Page (trompeta), Rudy Williams

(saxo alto), Don Byas, Kermit Scott (saxo tenor), Charlie Christian(guitarra), Thelonious

Monk (?), Kenny Kersey, Allen Tinney (piano), Nick Fenton(contrabajo), Kenny Clarke

(batería).

Estas grabaciones realizadas por Jerry Newman en el club Minton’s presentan una foto de la gestación del Be Bop, y además muestran una parte esencial de la brevísima carrera de

Charlie Christian, verdadero padre de la guitarra eléctrica. La edición de Fantasy, que además incluye tres temas de Dizzy Gillespie con Don Byas grabados en otra fecha, ofrece el mejor

sonido disponible.