Junto a lo anterior, existe una profunda intención de familiarizarnos con el repertorio de estos compositores, quienes son importantes para el desarrollo de la ópera y el estilo bel canto. Un elemento clave en el soporte conceptual que ayudará en la preparación del repertorio presentado en este borrador será el reconocimiento de los momentos e influencias que tuvieron los compositores en el estilo bel canto.
Antecedentes del belcanto
Los castrati
Entre los legados más importantes de los castrati en las artes vocales se encuentra el establecimiento de una metodología vocal que tiene gran utilidad -cuando se utiliza correctamente- en la pedagogía moderna. En sus textos ofrecía explicaciones de la interpretación de los ornamentos musicales más utilizados de la época, como los trinos y los "portamenti".
De la monodia al nuevo estilo
Aspectos estilísticos
Entre 1630 y 1640 se inició una nueva era de la música italiana, coincidiendo con el nacimiento del estilo bel canto, inicialmente de la mano de los compositores Luigi Rossi de Roma y Cavalli de Venecia. Al contrario de lo que se podría creer, las melodías del bel canto eran mucho más refinadas y menos ostentosas afectivamente que las de la monodia.
El oratorio y sus antecedentes
La sorprendente simplicidad de la armonía emerge no sólo en el uso enfático de Estos oratorios se diferencian de la ópera sólo por su argumento sagrado y la falta de acción escénica.
Haendel y el belcanto clásico
El messiah
- Comfort ye my people, ev’ry valley
Comienza cuando el cantante finaliza su discurso y lo hace con el primer motivo que canta el tenor en la obra en el compás 4, dándole. En el compás 109, la frase cadencial comienza con un motivo melódico interrogativo que finaliza en calderón con el tutti orquestal abriendo el espacio para el desarrollo de.
Cristoph willibald gluck
La restauración de un género en declive
Respecto a la trama en su libro “Una Historia de la Ópera”, Torrellas (2013) dice: “Dentro de esta constelación de personajes y parejas suele desarrollarse una trama que involucra momentos de lucha de poder, conflicto y traición con elementos de amor. Sabemos muy bien que la forma de aria más adecuada en este género era el aria da capo, que, sin embargo, tenía una función específica dentro de la estructura de los actos y era conocida con diferentes nombres.
Estructura de la ópera seria
El término obbligato denota una voz instrumental independiente que no puede suprimirse y debe interpretarse en la orquesta (de ahí obbligato). A partir de 1750, se hicieron comunes las críticas contra la rigidez de estas convenciones y la ausencia de "naturalidad" de la ópera seria.
La ópera francesa del siglo XVIII
La tragédie lyrique
Tanto en la ópera francesa como en la italiana, el cambio en el gusto vocal también está relacionado con el cambio de principios estéticos y la difusión de nuevos géneros. El siglo XVIII fue una época de grandes cambios políticos, sociales y artísticos, y muchos sintieron que el lirismo de la ópera y la tragedia serias no estaba en sintonía con los tiempos y debería incorporar una representación más natural y realista del drama en la música y en el escenario. .
La propuesta reformista de gluck y calzabigi
La principal diferencia con la ópera seria italiana, como las óperas de Lully, radicaba en la costumbre de que todos los actos culminaran en un divertissement, una gran escena colectiva que integraba a los solistas, el coro y la danza. La danza debe abandonar su función decorativa y quedar plenamente integrada en la trama de la obra. Tras el impacto limitado de las óperas reformistas italianas en la propia Italia y la sensación de que la ópera seria proporcionaba un marco limitado para sus esfuerzos reformistas, Gluck centró su interés a partir de la década de 1770 en el gran género francés de música incidental.
Orphée et eurydice, la renovación de un género
- L’espoir renait dans mon âme
En el compás 38, tras completar la coloratura, regresa al estilo declamado francés que mantiene el equilibrio de la obra. Por otro lado, es en la palabra “llama” donde siempre recurre al virtuosismo de la melodía, pero con total seguridad se nota que no está desmotivado. La segunda parte del trabajo se desarrolla como una repetición de A, es decir, se daría una forma de (A, A1).
De la ópera buffa al melodrama giocoso y el singspiel
Wolfgang amadeus mozart
El elemento más obvio de la inventiva de Mozart se refiere a su perfecta descripción musical de la psicología de sus personajes; es probable que fuera el primer compositor que utilizó la música no sólo para describir un escenario o una emoción aislada, sino que además para ello se preocupó por la formación de la individualidad de los personajes, un ejemplo de ello es Don Giovanni. Para ello, Mozart tuvo que liberarse de las etiquetas de géneros y contar con los elementos musicales de cada género, ópera seria, ópera buffa y tragedia francesa, para lograr una definición muy exhaustiva de sus personajes y del drama, sin salirse. calidad musical a un lado. Mozart estuvo fuertemente influenciado por los elementos estructurales de la ópera buffa, por lo que a continuación daré una breve descripción de los elementos más importantes que se utilizan con mayor frecuencia en sus óperas y en sus Singspiele.
La ópera buffa
- Antecedentes
- La reforma de carlo goldoni en la segunda mitad del siglo XVIII
- Estructura de la ópera buffa
Sin duda, uno de los puntos más relevantes fue la introducción de personajes de la ópera seria en la trama de la ópera buffa y sus personajes, llamados por él "mezzo carattere", personajes capaces de adoptar actitudes cómicas o serias según la situación. . La expansión musical de arias y conjuntos, y el uso cada vez mayor de estas formas intermedias permitió que todos los números contribuyeran al progreso de la acción, en detrimento del estilo secco. Como resultado de esta evolución, el coro interactúa más con otros personajes en el desarrollo de la trama y en ocasiones asume más funciones hablantes y pasa a formar parte de la dramatis personae.
El surgimiento de nuevos parámetros vocales
Mozart fue una figura innovadora en las dimensiones genéricas de sus óperas, borró la línea que separaba la ópera seria de la ópera buffa y osciló entre los estilos drama giocoso y ópera buffa, un ejemplo muy notable de esta fusión de estilos son las óperas Don Giovanni, Cosí fan tutte, Die Entführung aus dem Serail y Le Nozze di Figaro. Uso de la voz de cabeza y de pecho, entrenamiento con vocales principalmente abiertas, uso de messa di voce, unificación de registros de pecho y de cabeza. Utilización de la pared pélvica para la emisión de notas altas, colocación de la voz principal.
Die entführung aus dem serail y el desarrollo del nuevo estilo nacional
Singspiel
El Singspiel siguió en Viena un peculiar desarrollo, basado en tradiciones autóctonas como la Folkskomödie (comedia popular), que supo ofrecer una síntesis equilibrada entre música culta y música popular, característica que culminó en los ejemplos mozartianos del género. Desde la década de 1770, se hizo cada vez más notable la huella dejada por el Singspiel a través de las óperas bufe italianas representadas en Viena -especialmente las arias- y la influencia del vodevil francés en el uso de la orquesta, así como de la música. canciones con la forma y estilo de la Canción. Su fuerte inclinación a dar todo el protagonismo a la música le llevó a una inversión de proporciones, más que una obra hablada intercalada con canciones.
El rapto en el serrallo
- O wie ängstlich, o wie feurig
Mozart supo aprovechar la libertad conseguida en las formas instrumentales para separar finalmente la ópera de los números cerrados, dando a la música el lugar que le corresponde. Estas modulaciones transitorias se caracterizan por un cambio en el motivo melódico y rítmico que depende enteramente de la palabra. Aquí podemos ver la macro estructura del trabajo que se detallará en los anexos finales.
Belcanto romántico, antecedentes históricos y musicales
El perfeccionamiento de un arte
Elementos como el color local y los motivos evocadores desarrollados en la opéra comique serán decisivos para el desarrollo de la dramaturgia musical del Romanticismo, así como el gusto por los sonidos oscuros y pastoriles de instrumentos como el violonchelo y la trompa abrirán espacio para el nuevo lenguaje musical. Torrellas (2013) afirma “Junto al color local hay que hablar de los motivos asociativos, melodías y pequeñas frases musicales que aparecen en distintos lugares de la ópera y le dan coherencia musical”. (pág. 179). Sus oberturas contienen ya un núcleo de temas y motivos que constituyen el afecto principal de la ópera, que se desarrollará con un procedimiento dialéctico, aunque será Gaspare Spontini quien cimente la estética dramática del Romanticismo que influenciará a Rossini y Bellini.
Estructura de las óperas del siglo XIX
Como elemento característico de la ópera francesa, propone una alternativa a la "ópera de números" italiana con el diseño de una unidad escénica-musical más amplia e integradora. De la opéra comique y la tragédie lyrique de la primera década del siglo XIX, el cuadro pasó al melodrama italiano, la gran ópera francesa y la ópera alemana, todo lo cual dio lugar a materializaciones diferentes y muy personales. En la ópera italiana del siglo XIX, la primera parte importante de la escena; A diferencia de la cabaletta, la cavatina suele ser lenta, íntima, introspectiva y de forma libre.
Rossini, y la gratuidad del arte vocal
L’italiana in algeri, le comte ory y stabat mater
Parte de esta atemporalidad del lenguaje musical se refleja en el acompañamiento de cuerdas en staccato, que realza aún más la prominencia de la línea solista. En el compás 57 la orquesta inicia el desarrollo de esta sección de Do con un nuevo motivo que aumenta la tensión modulando los distintos grados de la tonalidad de Si bemol mayor, manteniendo la parte inferior de las cuerdas un movimiento. Al finalizar la repetición de la primera parte, comienza una nueva parte.
Vincenzo bellini, la culminación de un estilo
La sonnambula
- Ah! perchè non posso odiarti
De la segunda generación romántica –la de Bellini y Donizetti– el sugerente motivo es uno de ellos. La cavatina es interrumpida por Amina, que vuelve al estilo recitativo en el que surge un diálogo que da paso a la segunda parte de la cavatina. Allí se encuentra el aria de Elvino, conocida en el índice de la ópera como 'Tutto è sciolto'.
Voz cubierta, el nuevo paradigma vocal
Esta "voz tapada" tiene como esencia la producción de timbre oscuro, sabemos muy bien que en la voz existen dos timbres principales, claro y oscuro, para la producción del. De hecho, el timbre oscuro es resultado de lo que en el canto se conoce como giro de la voz. Sin embargo, mediante el ajuste supraglótico, el cantante puede mantener la relación de fase y evitar un cambio completo de registro.
Decadencia y resurgimiento del belcanto
Con un estudio riguroso se puede controlar, en el registro alto, la intervención de los músculos para producir una voz potente, rica en armónicos, homogénea y flexible. Otra causa de la pérdida de interés por el estilo fue la soberanía que tuvo Richard Wagner a lo largo de su carrera como compositor de ópera: tenía una idea radicalmente contradictoria de lo que debía ser la ópera como obra de arte y como drama, y por ello escribió un gran número de tratados teóricos que redefinen la forma de concebir el arte dramático, guiados por las reformas llevadas a cabo anteriormente por Gluck. Actualmente existe un renovado aprecio por el arte del bel canto, iniciado por la soprano Maria Callas, a quien se le atribuye haber revivido este estilo en el siglo XX, en el debut realizado en Venecia con la ópera I Puritani de Vincenzo Bellini el 19 de enero. 1949; Otro factor importante en el resurgimiento del estilo fue la intervención del musicólogo, crítico musical, profesor de canto y escritor italiano Rodolfo Celletti, quien en el siglo XIX investigó y restauró las tradiciones del bel canto, con obras como: Le grandi voci: Dizionario. crítico, biográfico dei cantanti (1964); Historia del bel canto (1983); Memoria de un ascoltatore: Cronache musicali vere e immaginarie (1985); Il canto (1989); Voce di tenore (1989); Historia de la ópera italiana (2000).
La ópera en Colombia y sus antecedentes
En definitiva, una estética puramente italiana dentro de los cánones desarrollados en la ópera hasta ese momento, porque a estas alturas podemos decir que la ópera no era sólo un producto de la estética italiana. Estos elementos enriquecerán las ideas del compositor colombiano José María Ponce de León, así como formas españolas como la zarzuela chica y la zarzuela grande, que dieron como resultado la configuración de las tres obras dramáticas más importantes y complejas del estilo lírico colombiano. .
La zarzuela en Colombia
La zarzuela grande
- Aspectos estructurales
La zarzuela grande o "seria" adoptó características formales y musicales que le permitieron distinguirse sin ambigüedades de la concepción formal anterior, creando un espectáculo serio y complejo que reformó el género lírico en España y que propuso una alternativa local a la ópera italiana. Un ejemplo de esta reforma lo encontramos en la zarzuela en tres actos Jugar con fuego, compuesta por Barbieri y letra de Ventura de la Vega, que está considerada la primera zarzuela de este tipo. Se respeta el tiempo real y se evita el distanciamiento (a diferencia de la ópera o la ópera cómica).
Ponce de león y el castillo misterioso
Romanza de cristian
La función educativa de la ópera no tenía cabida en una zarzuela, acompañada de situaciones risibles. Los trabajos contemporáneos sobre la enseñanza del canto prueban la eficacia de elementos de su formación, así como las investigaciones científicas en la anatomía del canto. Una de las más populares y utilizadas es la enseñanza de la "garganta abierta" en la música tradicional que aborda la práctica del arte lírico, así como el uso de adornos como pausas o apoyaturas, portamentos y melismas. heredado a través de la interacción de estos elementos en la práctica empírica, y en su sistematización en la academia.
