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Decidí pintar retratos porque es lo que me ha gustado hacer siempre, puesto que me interesa la flexibilidad que se encuentra en la cara para crear distin- tas expresiones faciales y cómo estas logran expresar distintas emociones. Esto es lo que me interesa plasmar en mis obras, sólo que haciendo el gesto más exagerado, grotesco y deformándolo a través de la manipulación de los cubos. Pues con la práctica y el manejo de este material, me he podido dar cuenta que logro hacer trazos fuertes y agresivos en varias direcciones, utili- zando colores llamativos o ensuciando el color. Estas pinceladas me ayudan a crear figuras y formas grotescas.
Por medio de la deformidad puedo expresar situaciones referentes al regis- tro de la sensación (rabia, tristeza, angustia) en los retratos, sin tener que lle- gar a la representación natural de la imagen, pues me gusta alterar la figura exagerando las partes de la cara, para obtener el propósito de mi proyecto que es suscitar la sensación. A raíz de mi experiencia personal en la que han sido definitivos los constantes cambios de ánimo, ha surgido mi encanto por la imperfección, pues pienso que a través de éstos, el rostro adquiere una deformación, que es la que me interesa plasmar.
La sensación y la captación están relacionadas ya que la sensación requiere de ser captada para poder percibir las sensaciones de las cuales se está tra- tando en la obra. Asimismo, es importante que la captación requiera de la sensación, pues sin ella, el cuadro no cumpliría con su fin, el cual requiere la deformación del rostro para hablar de una sensación.
Para captar la sensación, es necesario percibir la imagen pues ésta contiene una carga de sensaciones que el espectador deberá ir descubriendo, a me- dida que va observando la pintura. En ésta encontrará sensaciones que grita la obra por sí misma, sin tener que llegar a una explicación al lado de la obra. Con respecto a la figura y la figuración, la que más me afecta es la forma
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Justificación
referida a la sensación (figura), pues es la que me interesa trabajar en mis obras; ya que siempre intento que la imagen a través de los trazos hechos y los colores produzcan sensaciones que intencionalmente he querido captar en mi obra.
Con respecto a la figura y la figuración, la que más me afecta es la forma referida a la sensación (figura), pues es la que me interesa trabajar en mis obras; ya que siempre intento que la imagen a través de los trazos hechos y los colores produzcan sensaciones que intencionalmente he querido captar en mi obra.
Pintar la sensación o registrar el hecho, “Es un problema muy intrincado y difícil el de saber por qué una pintura afecta directamente al sistema nervioso”1.
Registrar la sensación es lo que pretendo que quede plasmado en el cuadro, pues no es hacer un estudio sobre las emociones, ni explorar el rango de emociones que puede generar un ser humano. Es plasmar esa sensación en su parte más física, la carne en pintura que es el cuerpo de la obra, lo que muestra la vivencia experimentada de tal sensación.
Las sensaciones son las impresiones que las cosas producen en la mente por medio de los sentidos, en este caso la pintura produce sensaciones visuales en las personas (tristeza, ira, agresividad, miedo, risa) como diferentes tem- peramentos o humores. Estas mismas sensaciones, son las que pinto en mis cuadros, pues lo encontraría como un método de desahogo a mi cuerpo y mi mente.
“Por eso la sensación es maestra de deformaciones, agente de deforma- ciones del cuerpo”2.
Con este postulado, pienso que cuando quiero captar un cambio de tem- peramento lo primero que me imagino es el rostro deformado de una per-
1Deleuze, Gills, Francis Bacon. Lógica de la sensación, p. 42
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Transmutación
sona teniendo esa transformación, por lo que no podría pensar en un rostro figurativo teniendo este aspecto, ya que se contradeciría con el hecho de pintar la sensación y no se encontraría la deformación en la obra. Además sin las sensaciones, no sería posible captar la deformación.
La deformación la muestro en mi trabajo, pues me interesa la alteración de la figura para suscitar las emociones y así captar la sensación a través de esta intensidad emocional que plasmo, en donde se pueden encontrar los estal- lidos del temperamento en ese momento.
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Referentes
A lo largo de la historia del arte, la pintura ha sido un medio con el que diferentes civilizaciones y artistas, han encontrado una herramienta para narrar historias desde la idea más básica, pasando por el arte más primitivo hasta el concepto más complejo y el arte contemporáneo. El arte clásico oc- cidental, de entrada buscaba contar historias mediante las imágenes donde encontramos cantidades de iconografías por las mismas formas, poses, ob- jetos y personajes que encontrábamos en las obras. De la misma manera, era un arte que por naturaleza y tradición manejaba el canon estético
de la belleza.
De esta forma, el arte a partir del S. XX empieza a cambiar drásticamente ya que no se juzga por el canon tradicional que se mantuvo durante años en la época clásica (belleza), pues se empieza a practicar un arte no figurativo y abstracto. Este arte desecha totalmente y no le importa las normas y elemen- tos establecidos por el canon clásico (la proporción, la simetría, la perspec- tiva, la belleza, la armonía, el equilibrio (…)) ya que no responde explícita- mente a ningún orden objetivo. Por tanto, es moderno, libre y vanguardista. Hoy en día el arte contemporáneo sigue existiendo y es independiente. Lo podríamos encontrar como un arte que existe para el mercado, es decir un arte público. Asimismo, la tecnología ha cambiado el arte, pues ya la pintura y los pinceles físicos no son la única herramienta para poder pintar, pues ex- isten programas digitales donde podemos encontrar un lienzo y consegui- mos dibujar y pintar utilizando todos los colores de la paleta sin tener que comprar materiales. Igualmente, podemos combinar la pintura, o la foto- grafía con este tipo de software especializado para complementarla.
Ahora bien, los referentes técnicos que he tenido en cuenta para la elabo- ración de mi proyecto y que han sido fundamentales para mi desarrollo artístico van desde la pintura antigua hasta el arte digital y tecnológico. Asimismo, tengo una cantidad de referentes técnicos que valdría la pena
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Referentes
nombrar (Otto Dix, Shiele, El grupo Cobra, Goya, Antonio Saura, Basquiat, Auerbach, Freud, Giacometti, Paul klee, Jenny Saville, Michael Hussar, Joel Peter Witkin) Cabe resaltar que lo que mas me interesa de estos artistas es la forma como pintan desfigurando el cuerpo y los rostros, creando person- ajes grotescos.
Para empezar, uno de los artistas más significativos para mi desarrollo como artista es el Bosco. Este artista es de gran importancia por la técnica y temática que utilizo en su obra, pues sabemos que los protagonistas de sus cuadros eran la humanidad, y como estos eran juzgados por los pecados cometidos. Mostraba a la sociedad ante un juicio en el reino de los cielos y el infierno.
De esta manera los personajes que mostraba en sus cuadros tenían gestos grotescos y eran deformes, asimismo estos personajes que vemos con es- tas características, son los demonios o las personas que están cometiendo pecados. De este modo, la técnica que utiliza el Bosco para crear estos re- tratos grotescos y exagerados son los que me llaman la atención y hace que me fascine sus cuadros por como maneja la expresión en los rostros de sus personajes (muecos, ojos desviados, belfos, narizones, con expresiones de dementes, melancólicos).
En esta imagen, Cristo con la cruz a cuestas, podemos observar la canti- dad de rostros que se encuentran en la pintura creando distintas formas gestuales donde el color juega un papel importante, pues a medida que nos fijamos más en los rostros de estos protagonistas nos damos cuenta que entre mayor decadencia se encuentra su rostro el color cambia en tonos azules y rojizos.
Asimismo encontramos una composición sin perspectiva, ya que en un primer plano encontramos solo retratos de distintas personas, creando un cuadro a partir de formas y volúmenes.
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