REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA.
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA. MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA.
UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES.
TÉCNICAS DE IMPROVISACIÓN APLICADAS POR
JOHN PATITUCCI EN EL BAJO ELÉCTRICO DE SEIS CUERDAS
Análisis descriptivo de cuatro solos del disco John Patitucci
Trabajo Especial de Grado
Presentado para optar al título de Licenciado en Música Mención Ejecución Instrumental Jazz.
Autor: Luis Segura. Tutor: Edwin Arellano.
ii ACTA
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AGRADECIMIENTOS
A Dios, es a él a quien agradezco todos mis logros, por haber puesto en mi camino a las personas indicadas para lograr cruzar mis metas: mi familia y mis amigos. Tengo la dicha de estar dentro de una familia musical, es ahí donde germinó la idea de hacer la música una forma de vida y por eso agradezco a mis padres y hermanos, con los cuales siempre tengo placenteras reuniones musicales. También soy muy afortunado por haber conocido profesores que finalmente se convertirían en amigos, como Rafael Maldonado y Edwin Arellano, a quienes les agradezco muchísimo el aporte de su gran conocimiento para la realización de este trabajo. Agradezco mucho el apoyo de mis amigos y a quienes considero mis hermanos: William Silva e Hilcelis Casanova, ellos no se imaginan lo mucho que me ayudaron en este transcurso tan importante de mi vida. Agradezco a Pablo Hernández y su familia, a Gilberto Bermúdez, a Aditus, a mis maestros. Gracias a todos los que de alguna manera apoyaron este trabajo.
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DEDICATORIA
A mis padres.
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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA.
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA. MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA.
UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LAS ARTES.
TÉCNICAS DE IMPROVISACIÓN APLICADAS POR JOHN PATITUCCI EN EL BAJO ELÉCTRICO DE SEIS CUERDAS
Análisis descriptivo de cuatro solos del disco John Patitucci
Autor: Luis Segura. Tutor: Edwin Arellano. Abril de 2015.
RESUMEN
El Jazz es un género musical en el cual se mezclan características occidentales con afro-norteamericanas donde prevalecen tres aspectos fundamentales: El swing, la improvisación y la individualidad de los músicos ejecutantes. La improvisación es una de las características más importantes, ya que muchos investigadores crearon técnicas para mejorar esta habilidad particular durante el apogeo del género. En el Jazz, la importancia artística está en el individuo-ejecutante más que en el compositor, esto se puede afirmar porque desde los inicios del género, el artista siempre buscó la forma de interpretar las composiciones a su manera, para crear una personalidad musical única. El improvisador también es compositor, pero con la particularidad de crear sus melodías en tiempo real. La destreza de improvisar ha sido perfeccionada por muchos maestros, entre ellos John Patitucci, ejecutante norteamericano del bajo eléctrico de seis cuerdas y el contrabajo, quien tomó algunas técnicas, las aplicó en sus instrumentos y creó un estilo personal. Esta investigación busca conocer cómo improvisa Patitucci con el bajo eléctrico de seis cuerdas, mediante la transcripción y análisis musical de 4 de sus temas, teniendo como punto de partida la comparación entre la aplicación de algunas técnicas personales y las desarrolladas por grandes figuras y educadores dentro del Jazz como Hal Crook y Jerry Bergonzi. Patitucci es uno de los actuales intérpretes que ha contribuido en la ejecución del bajo eléctrico de seis cuerdas, es por esto que se hace necesario estudiar su técnica, para aportar un material especializado en el idioma castellano a las nuevas generaciones de estudiantes del instrumento.
vi CONTENIDO Pág. Introducción……… 1 CAPÍTULO 1. 1.1 John Patitucci……… 4
1.2 Discografía como líder……….. 10
1.3 Jazz Fusión……… 14
CAPÍTULO 2. 2.1 El bajo eléctrico……… 19
2.2 El bajo eléctrico de seis cuerdas……… 23
2.3 Cronología del bajo eléctrico……… 26
2.4 El bajo eléctrico en Venezuela……….. 29
CAPÍTULO 3. 3.1 La improvisación………..…. 35
CAPÍTULO 4. 4.1 El disco John Patitucci………. 44
4.2 Análisis de las improvisaciones 4.2.1 Growing……… 46
4.2.2 Peace and quiet time………. 63
4.2.3 Searching, finding……… 72
4.2.4 The view……… 82
vii CAPÍTULO 5. 5.1 Guía de ejercicios……… 106 Conclusiones y recomendaciones……… 127 Referencias……… 129 Anexos
Anexo A. Análisis melódico y armónico de los temas……… 137 Anexo B. Entrevistas……… 153 Anexo C. Partituras de los temas……… 170
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INTRODUCCIÓN
John Patitucci es uno de los principales ejecutantes del bajo eléctrico y del contrabajo en el mundo del Jazz. Es uno de los pocos bajistas de los que se puede decir que dominan en su totalidad tanto el bajo eléctrico como el contrabajo, ya que posee una técnica perfeccionada de ejecución en ambos instrumentos. Generalmente utiliza un bajo eléctrico de seis cuerdas con el cual creó un estilo propio de improvisación, utilizando diferentes elementos y técnicas de una manera personal, de tal manera que es posible identificar su fraseo con sólo escuchar su música. Se puede decir entonces que Patitucci posee una identidad musical, la cual ha sido optimizada mediante el estudio de sus instrumentos y de diferentes técnicas de improvisación.
Para improvisar se pueden utilizar diversas técnicas y recursos. Educadores especializados en el tema como Hal Crook, Jerry Bergonzi y David Liebman entre otros, han investigado y plasmado en libros algunos de estos elementos de improvisación, los cuales se pueden escoger para estudiarlos e incluirlos en nuestro discurso musical.
La musicalidad y sonoridad de Patitucci con el bajo eléctrico de seis cuerdas, motiva a investigar en qué elementos se basa para realizar sus improvisaciones. Es por esto que esta investigación se basa en la transcripción de cuatro de sus temas en los cuales improvisa. Estas improvisaciones se analizaron y se compararon los elementos utilizados por Patitucci con los investigados por los educadores especializados nombrados anteriormente, para lograr entender cómo el artista los utiliza en el contexto musical.
El estudio de la improvisación dentro del Jazz, a través de las generaciones de músicos, siempre ha sido por imitación. El músico tomaba las grabaciones hechas por intérpretes del Jazz y las transcribía para estudiar la manera de improvisar. Además de esto, el músico transcriptor también tenía ideas propias, lo que le daba el sonido que estaba buscando y una voz única. Esta forma de aprendizaje hizo que el Jazz se desarrollara de manera que el lenguaje de improvisación se hizo más complejo y sofisticado. Con esta forma de estudio, se ampliaron las posibilidades musicales, ya que
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algunos músicos imitaban a otros con instrumentos diferentes, es decir, muchos saxofonistas imitaron las melodías de los guitarristas de rock y blues, pianistas imitaron a los bateristas, bajistas imitaron a trompetistas, entre otros ejemplos. Todo esto desembocó en una gran cantidad de ideas para cada instrumento y contribuyó a que el Jazz se convirtiera en música académica.
En Venezuela, se puede estudiar música en la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE) y es una de las pocas en Latinoamérica que otorga el nivel de Licenciatura con menciones en Jazz, razón por la cual muchos estudiantes viajan al país para formación profesional. Pero es necesario reforzar la enseñanza del Jazz, con material de apoyo sobre la improvisación en idioma castellano, que comprenda varias técnicas perfeccionadas por educadores y profesionales de la música de reconocida trayectoria. Es necesario que los estudiantes aprendan a improvisar utilizando diferentes técnicas, porque es un requisito indispensable para su desarrollo como intérpretes en el Jazz. Actualmente, en UNEARTE no existe una cátedra que explique a los alumnos de Jazz las técnicas existentes, por lo tanto, se hace necesaria la elaboración de material de apoyo informativo sobre este tema.
El aporte que representa este trabajo no es sólo para los ejecutantes del bajo eléctrico, sino también para cualquier músico interesado en desarrollar aptitudes de improvisación. Además, esta investigación puede ser un precedente en la aplicación de una cátedra de improvisación para el Pensum de Jazz de la UNEARTE.
Con esta investigación se logra identificar algunas técnicas de improvisación aplicadas por John Patitucci en el bajo eléctrico de seis cuerdas, a partir de la transcripción y análisis de cuatro temas del disco John Patitucci, tomando como referencia la bibliografía de Jerry Bergonzi, Hal Crook, David Liebman, entre otros educadores especializados en el tema. Con esta información se realizó una guía de estudio para el bajo eléctrico de seis cuerdas, la cual comprende estos elementos de improvisación encontrados en las intervenciones musicales del artista.
Los temas fueron transcritos en su totalidad a manera de arreglo, para tener una referencia concreta de la armonía utilizada, la cual se extrajo de los teclados y el bajo eléctrico acompañante. Con estas partituras se realizaron los lead sheets de cada tema,
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para analizar su forma, melodía y armonía. También se realizó un análisis melódico a cada una de las improvisaciones o solos ejecutados por John Patitucci en cada uno de los temas.
El contenido de este trabajo está compuesto por cinco capítulos, los cuales se distribuyen de la siguiente manera: En el capítulo 1 se expone la biografía de John Patitucci, sus influencias y su proceso de aprendizaje dentro del Jazz, así como también una contextualización histórica del género musical que prevalece en el disco analizado, el Jazz Fusión. En el capítulo 2 se expone la historia del bajo eléctrico y su evolución hasta el bajo eléctrico de seis cuerdas, además de una síntesis de la historia del instrumento en Venezuela. En el capítulo 3 se muestran algunas definiciones de la improvisación, también cómo debe estudiarse para perfeccionar el arte de construir un discurso musical. El capítulo 4 muestra el análisis de los cuatro temas escogidos, de los cuales se extraen los elementos de improvisación utilizados por el artista. En el capítulo 5 se muestra una guía de ejercicios para aprender a utilizar los elementos encontrados en el análisis, además se colocan algunas frases utilizadas por Patitucci para incluirlas en nuestro discurso musical.
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CAPITULO 1
1.1.- John Patitucci
John Patitucci es un músico estadounidense nacido en Brooklyn, New York, el 22 de diciembre del año 1959. Sus comienzos en el bajo eléctrico se dieron cuando tenía 11 años de edad. Comenzó a componer música y tocar en público a la edad de 12 años. A los 15 años de edad comienza a tocar el contrabajo y a los 16 años el piano. Estudió el contrabajo clásico en la Universidad del Estado de San Francisco y en la Universidad del
Estado de Long Beach. A los 21 años de edad continúa su carrera musical en Los Ángeles como músico de estudio y artista de Jazz.
De acuerdo a una entrevista mostrada en el libro Bass Heroes de Tom Mulhern (1993)1, John Patitucci siempre estuvo rodeado de buena música, de hecho, sus padres cantaban y el sonido de la ópera siempre estuvo presente. Tom, el hermano mayor de John, también tuvo a temprana edad inclinación hacia la música y fue el primero que compró una guitarra. John acompañaba a su hermano en los coros, maracas y bongós. A los 11 años de edad, John adquirió un bajo Telstar2 de escala corta3 por unos $10. La primera influencia de John Patitucci fue el rock and roll, y el bajo que adquirió trasteaba (generaba un ruido que produce la cuerda con los trastes del instrumento), lo cual le daba un sonido característico para este estilo musical.
Del año 1969 al 1975 se escuchó mucho rock and roll y blues, en las estaciones de radio de Estados Unidos, sin dejar de nombrar los éxitos de la afamada firma discográfica Motown Records (música Soul). Según las listas de música del mundo
1 Munhern, Tom (1993). Bass Heroes. From the pages of Guitar Player Magazine. San Francisco: Backbeat Books.
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Telstar es uno de los modelos de bajo eléctrico de la marca Jansen Guitars, el cual tenía una escala corta para facilitar su ejecución.
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(The World’s Music Charts) de los años 1969 – 1975 (extraído desde: tsort.info/music/index.htm), entre los artistas que más sonaban en la radio en esos años, están: The Beatles, Archies, Rolling Stones, Elvis Presley, The Doors, Stevie Wonder, Blood Sweat & Tears, Johnny Cash, Sly & The Family Stone, Diana Ross & The Supremes, Frank Sinatra, Bob Dylan, BB King, Tom Jones, The Who, Henry Mancini, Santana, Led Zepellin, John Lennon, The Carpenters, The Jackson 5, Deep Purple, The Moody Blues, Chicago, The Temptations, Joe Cocker, Jimi Hendrix, Rod Stewart, Janis Joplin, Paul McCartney, Elton John, Marvin Gaye, Aretha Franklin, Tina Turner, Michael Jackson, Neil Young, Chuck Berry, Deep Purple, David Bowie, The Allman Brothers Band, The Eagles, entre otros. Esta época fue de gran influencia para Patitucci, de donde obtuvo la mayor información para la ejecución del bajo eléctrico en géneros populares estadounidenses. En la entrevista (Ob. Cit) se establece que:
Sus primeras influencias vienen de la escuela Motown – Stevie Wonder y Diana Ross, entre otros, quienes tenían el bajo mezclado al frente – y prácticamente cualquier cosa que escuchó en la rama del Pop y el R&B en la radio. Para cuando tenía 12 años, John comenzó a tocar en bandas de garaje de Long Island. Un momento crucial en sus preferencias de escucha viene un poco antes de que la familia se mudara a California: Su abuelo le dio a los chicos unas pocas cajas de discos de jazz con Wes Montgomery, el contrabajista Ron Carter, el baterista Art Blakey, y el organista Jimmy Smith, entre otros. Hasta entonces, John y Tom estuvieron interesados solo en rock, pero esto era diferente, y ellos se zambulleron de cabeza en el jazz. p. 514.
Tomando en cuenta que su abuelo le obsequió a John y Tom Patitucci, los primeros discos de Jazz, es posible que hayan tenido apoyo familiar para desenvolverse
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His earliest primary influences came from the Motown school – Stevie Wonder and Diana Ross, among others, who had the bass mixed up front – and practically anything he heard in the pop/R&B vein on the radio. By the time he was 12, John began playing in Long Island garage bands. A turning point in his listening preferences came shortly before the family moved to California: His grandfather gave the boys a few cartons of jazz albums featuring Wes Montgomery, string bassist Ron Carter, drummer Art Blakey, and organist Jimmy Smith, among others. Until then, John and Tom had been interested only in rock, but this was different, and they dived headlong into jazz. (Traducción nuestra).
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profesionalmente en la música. Los hermanos Patitucci estudiaron música de manera formal desde jóvenes y un profesor llamado Chris Poehler le dio a John grabaciones de los trompetistas Miles Davis, Quincy Jones y el cantante y pianista Donny Hathaway.
John Patitucci obtuvo el aprendizaje de las técnicas básicas de improvisación en sus estudios de secundaria, donde comenzó a estudiar teoría musical y, en su afán de aprender más acerca de lo que es el jazz, empezó a asistir a clases magistrales con Jamey Aebersold y David Baker.
Con respecto a la forma de acompañar diferentes estilos musicales con el bajo eléctrico, Patitucci indica en el DVD Electric Bass, vol. 1 & 25
, dirigido por Mangel
Glenn (1989), que su primer gran influencia es James Jamerson, también Jerry Jemmott, Chuck Rainey, Paul Jackson, Francis Rocco Prestia, Paul McCartney, John Entwhistle, Jack Bruce, Jimmy Blanton, Ray Brown, Ron Carter, Oscar Pettiford, entre otros.
Patitucci estudió de manera formal el contrabajo en dos universidades, donde continuó aprendiendo sobre la lectura musical, armonía y la ejecución de este instrumento: Técnicas de digitación y arco para mano derecha. Con respecto a esto, el mismo Patitucci, en la entrevista (Ob. Cit.), explica que:
Nunca quise renunciar al bajo eléctrico, pero quería tener otro sonido. Escuché a personas como Ron Carter y pensé que era increíble. Ray Brown, Eddie Gomez, Scott LaFaro, Niels-Henning Ørsted Pedersen, y George Mraz fueron también fuertes influencias. La entonación de George Mraz es probablemente la mejor que he escuchado, y hasta lo he escuchado tocar solos de acordes en el contrabajo. Desarrollé una personalidad musical dividida: Tuve raíces fuertes en R&B y estaba muy dentro del jazz, y me encontré entrando a la música clásica. p. 526.
5 Mangel, Glenn (Director). (1989). John Patitucci Electric Bass. Vol.1 & 2 [DVD]. New York: DCI Music Video Productions, Inc.
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I never wanted to give up electric, but I wanted to have another sound. I heard guys like Ron Carter and thought it was amazing. Ray Brown, Eddie Gomez, Scott LaFaro, Niels-Henning Ørsted Pedersen, and George Mraz were also strong influences. George Mraz’ intonation is probably the best I’ve ever heard, and I’ve even heard him play chord solos on upright. I developed a split musical personality: I had firm roots in R&B and I was heavily into jazz, and I found myself getting into classical music. (Traducción nuestra).
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John Patitucci se dedica a trabajar a los 19 años cuando se muda a Los Ángeles. Ahí conoce a Abraham Laboriel, importante ejecutante del bajo eléctrico de cinco cuerdas, quien lo presenta a otros músicos y emprende una labor musical que lo hará merecedor de respeto como ejecutante. Realizó trabajos como músico de sesión grabando jingles de televisión, radio, temas para artistas reconocidos, ejecutando el bajo eléctrico con Larry Carlton y Victor Feldman, siendo este último quien le presenta a Chick Corea.
John conoció a Corea mientras tocaba en una convención de educadores en Albuquerque. Después es presentado a algunos de los músicos de Corea y les comentó que disfrutaría mucho poder tocar con el tecladista. En los primeros meses del año 1985, tocó con el trío de Victor Feldman y se reencontró con Corea. Un poco después, cuando Chick estaba trabajando en unas obras de Mozart, John tocó el contrabajo con él, en ese momento Chick le comenta a John que quiere formar una banda eléctrica y le preguntó si le gustaría tocar el bajo eléctrico. Inmediatamente John le respondió que sí, porque ese era su instrumento principal. En abril, Patitucci envió una grabación a Corea y una semana después ya formaba parte de la banda eléctrica de Chick Corea. Ese mismo año, durante el otoño, John adquirió un nuevo bajo eléctrico, el Ken Smith BT personalizado de seis cuerdas. La razón era que John quería expandir su rango de improvisación y utilizar notas más graves para el acompañamiento. Ya lo había visto con Anthony Jackson, quien fue el precursor de este modelo, y le llamó mucho la atención el registro tan amplio. Adquirió el bajo de seis cuerdas un poco antes de empezar una gira con la banda, así que se vio forzado a aprender rápido y Chick Corea entusiasmó a John a que lo estudiara porque también le gustó la sonoridad.
El mismo Patitucci explica que gran parte de la razón por la que pudo dominar este nuevo instrumento fue porque estaba muy bien hecho, sin embargo la mayor dificultad fue la lectura a primera vista, ya que la mayor cantidad de cuerdas lo desorientaban un poco. Patitucci comenta, en la entrevista (Ob. Cit.) lo siguiente:
Fue realmente difícil (…). Me reía de mi porque tocaba las cuerdas equivocadas, y no podía creer lo diferente que se sentía.
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Además, la lectura a primera vista en cuatro cuerdas para la música de Chick es bastante difícil. Pero me quedé allí, y los compañeros en la banda pensaron que estaba bien. Si yo cometía un error, a ellos no les importaba, porque les gustaba demasiado el sonido del instrumento. p. 537.
El sonido de John Patitucci es muy particular. Es uno de esos músicos que se pueden reconocer con sólo escuchar su fraseo y su forma de acompañar. Ha desarrollado un lenguaje de improvisación avanzado y complejo a lo largo de su carrera musical que lo ha colocado como uno de los íconos del jazz actual. Con respecto a esto, el mismo Patitucci en la entrevista (Ob. Cit.) comenta:
Trato de obtener una flexibilidad como la de John Coltrane, Mike Brecker o Joe Henderson. Ellos tienen esa manera fluida de tocar a través de los acordes (…) Los saxofonistas siempre suenan libres. No sé si lo he logrado, pero quiero esa clase de musicalidad. He empleado mucho tiempo estudiando a los maestros de la improvisación. Solamente escuchando cómo se aproximan a las notas. Me doy cuenta lo flexible, relajado y lúcido que debes ser. Debes tener mucha concentración; al mismo tiempo, debes ser relajado y dejar que las cosas pasen. No puedes estar pre – programado. p. 548.
Patitucci expandió sus conocimientos de improvisación de la manera más común: Escuchando y transcribiendo a los maestros. Algunos de ellos son Chick Corea, Michael Brecker, John Scofield, Herbie Hancock, entre otros. Patitucci insiste en escuchar y estudiar las intervenciones de varios instrumentos, pero excluyendo definitivamente el
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It was really hard (…). I was laughing at myself because I hit the wrong strings, and I couldn’t believe how different it felt. Sight-reading on a 4-string for Chick’s music is difficult enough. But I hung in there, and the guys in the band thought it was all right. If I made a mistake, they didn’t mind, because they liked the sound so much. (Traducción nuestra).
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I try to get a flexibility like John Coltrane, Mike Brecker, or Joe Henderson. They have that flowing way they play through changes (…). Saxophonist always sound so free. I don’t know if I’m succeeding at it, but I want that kind of musicality. I’ve spent a lot of time studying the masters of improvisation. Just listen to them and how they approach things. I realize how flexible, loose, and lucid you have to be. You must have lots of concentration; at the same time, you have to be loose enough to let things happen. You can’t be pre-programmed. (Traducción nuestra).
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bajo eléctrico, de hecho, en la entrevista citada, el mismo Patitucci indica que le gusta mucho la interpretación de otros bajistas, pero se rehúsa a tocar como ellos. Por esta razón, ha evitado el bajo sin trastes por varios años, ya que le fascinaba la manera en que John Francis Anthony Pastorius III (Jaco Pastorius) tocaba, pero sabía que nunca llegaría a tocar como él. Patitucci indica que mucha gente ha tratado de tocar como Jaco, pero sólo se acercan un poco.
El reconocimiento total de John Patitucci como bajista y contrabajista se da con el salto a la fama de las bandas Elektric Band y Akoustic Band, ambas lideradas por el pianista y tecladista Chick Corea. En la Elektric Band causó gran popularización del bajo eléctrico de seis cuerdas por haber llevado su ejecución más allá de los estándares. John también ha grabado en varios álbumes con artistas como B.B. King, Bonnie Raitt, Chick Corea, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Michael Brecker, George Benson, Dizzy Gillespie, Was Not Was, Dave Grusin, Natalie Cole, Bon Jovi, Queen Latifah, Sting y Carly Simon. Ha tocado a través del mundo con su propia banda y además con luminarias del jazz como Chick Corea, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Stan Getz, Wynton Marsalis, Joshua Redman, Michael Brecker, Randy Brecker, Freddie Hubbard, Tony Williams, Hubert Laws, Mulgrew Miller y James Williams. Tuvo fuertes influencias de la música brasilera y grabó con varios artistas de Brasil como Astrud Gilberto, João Gilberto, Airto Moreira, Flora Purim, Ivan Lins, Milton Nascimento y João Bosco; el interés por la música brasilera ha sido una constante en su carrera.
Hasta los momentos ha grabado 14 discos como líder, donde presenta composiciones propias y de otros artistas, ejecutando con un gran virtuosismo el bajo eléctrico de seis cuerdas y el contrabajo. Sus grabaciones lo han hecho acreedor de muchos premios como ejecutante y artista de jazz.
10 1.2.- Discografía como líder9
• John Patitucci (1987). Productor: Chick Corea. Sello discográfico: GRP Records. Artistas invitados: Michael Brecker (saxofón tenor), Vinnie Colaiuta (batería), Chick Corea (piano y teclados), Peter Erskine (batería) y Dave Weckl (batería).
• On The Corner (1989). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: GRP Records. Artistas invitados: John Beasley (piano y teclados), Michael Brecker (saxofón tenor), Chick Corea (piano y teclados) y Al Foster (batería).
• Sketchbook (1990). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: GRP Records. Artistas invitados: Alex Acuña (percusión), Michael Brecker (saxofón tenor), Terry Lyne Carrington (batería), Dori Caymmi, Vinnie Colaiuta (batería), Jon Crosse, Paulinho Da Costa, Peter Erskine (batería), Judd Miller, John Scofield, Ricardo Silveira y David Witham.
• Heart of the Bass (1991). Productores: John Patitucci y Chick Corea. Sello discográfico: Stretch Records. Artistas invitados: Alex Acuña (percussion), John Beasley (piano), Arnold Belnick (violin), Jacqueline Brand (violin), David Campbell (viola), Chick Corea (piano, teclados y productor), Brian Dembow (viola), David Duke (corno frances), Earl, Dumler (oboe), Gary Foster (clarinet), Clayton Haslop (violin), Paula Hochhalter (cello), Ron Jannelli (fagot), Dennis Karmazyn (cello), Roland Kato (viola), Edward Meares (contrabajo), Ralph Morrison III (violin), Sheldon Sanov (violin), David H. Speltz (cello), Sheridon Stokes (flauta) y Brad Warnaar (corno francés).
• Another World (1993). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: GRP Records. Artistas invitados: Alex Acuña (percussion y coros), Jeff Beal (teclados, piano y trompeta), John Beasley (piano, teclados y coros), Michael Brecker (saxofón tenor), Luis Conte (percusión y coros), William Kennedy (batería, percusión y coros), Andy
9 Fuente: All Music (s/f). John Patitucci. Discography [Datos en Línea]. Disponible: http://www.allmusic.com/artist/john-patitucci-mn0000188776/discography [Consulta: 2014, Septiembre 4).
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Narell (steel pan), Armand Sabal-Lecco (contrabajo, compositor, arreglista y coros), Steve Tavaglione (EWI, saxofón tenor y saxofón soprano) y Dave Weckl (batería). • Mistura Fina (1994). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: GRP Records.
Artistas invitados: Alex Acuña (percusión), John Beasley (piano y teclados), João Bosco (compositor, guitarra, voz), Cathy Brandolino (arreglos, coros), Bill Cantos (coros), Dori Caymmi (compositor, guitarra), Peter Erskine (batería), David Goldblatt (piano y teclados), Kleber Jorge (compositor, coros), Kevyn Lettau (coros), Ivan Lins (voz), Scott Mayo (coros), Lou Pardini (coros), Armand Sabal-Lecco (contrabajo, compositor), Michael Shapiro (batería y percusión), Steve Tavaglione (EWI, saxofón soprano, saxofón tenor), Dave Weckl (batería).
• One more Angel (1997). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: John Beasley (piano y teclados), Michael Brecker (saxofón tenor), Paul Motian (batería), Alan Pasqua (piano y compositor), Sachi Patitucci (cello), Thomas Patitucci (guitarra acústica), Chris Potter (saxofón tenor) y Steve Tavaglione (saxofón soprano).
• Now (1998). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: Michael Brecker (saxofón tenor), Chris Potter (saxofón tenor), Bill Stewart (batería), John Scofield (guitarra).
• Imprint (2000). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: John Beasley (piano), Jack DeJohnette (batería), Horacio “El Negro” Hernández (batería y percusión), Giovanni Hidalgo (arreglista, percusión), Sachi Patitucci (compositora y kalimba), Danilo Pérez (piano), Chris Potter (saxofón soprano y saxofón tenor) y Mark Turner (saxofón tenor).
• Communion (2001). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: Valtinho Anastacio (percusión), Bruce Barth (piano), Brian Blade (batería), Duduka Da Fonseca (percusión), Horacio “El Negro” Hernández (batería), Joe Lovano (saxofón tenor), Brandford Marsalis (saxofón soprano), Brad Mehldau (piano), Sachi Patitucci (cello), Chris Potter (saxofón tenor), Marc Quiñones (percusión), Tim Ries (clarinete, clarinete bajo, flauta), Richard Rood (violín), Edward Simon (piano) y Luciana Souza (voces).
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• Songs, Stories & Spirituals (2003). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: Brian Blade (batería), Elizabeth Lim Dutton (violin), Lawrence Dutton (viola), Sachi Patitucci (cello), Thomas Patitucci (guitarra), Tim Ries (flauta), Richard Rood (violin), Eddie Simon (piano y percusión), Luciana Souza (arreglista, compositora y voces) y John Charles Thomas (coros).
• Line by Line (2006). Productor: John Patitucci. Sellos discográficos: JVC Victor / Concord Records. Artistas invitados: Brian Blade (batería), Elizabeth Lim Dutton (violín), Lawrence Dutton (viola), Jeremy McCoy (contrabajo), Sachi Patitucci (cello), Chris Potter (saxofón tenor), Adam Rogers (guitarra eléctrica y acústica) y Richard Rood (violín).
• Remembrance (2009). Productor: John Patitucci. Sello discográfico: Concord Records. Artistas invitados: Brian Blade (batería), Rogerio Boccato (percusión) y Joe Lovano (clarinete alto y saxofón tenor).
• Brooklin (2015). Productora: Sachi Patitucci. Sello discográfico: Three Faces
Records. Artistas invitados: Adam Rogers (guitarra eléctrica), Steve Cárdenas
(guitarra eléctrica) y Brian Blade (batería).
John Patitucci es catalogado como un músico multifacético que domina géneros populares norteamericanos y brasileños, además de la música clásica y el Jazz. Con respecto a esto, Aloy, Patricia (2014) indica que:
[Patitucci] Ha incursionado con sus dos instrumentos, el bajo y contrabajo, en la mayoría de todos los géneros populares norteamericanos: desde el jazz hasta el soul; desde el pop hasta el blues, coqueteando hasta con la música clásica en sus 13 álbumes.
“Me gustan muchos géneros, pero la improvisación musical es realmente lo mío, porque existe una libertad que no hay en ningún lado”, afirma. El bajo y contrabajo de Patitucci han sonado en temas de otros referentes del jazz como Chick Corea, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Stan Getz, entre otros.
Asegura que muchos compositores han marcado su carrera, no solo en el jazz, sino también en el pop, rock, R&B, soul, blues y música clásica. “En el jazz, definitivamente Wayne Shorter, John
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Coltrane, Chick Corea. En el pop, The Beatles, pero hay muchos que han sacudido mi mundo”, dice.
“El bajo es un instrumento fantástico, porque es la base y fundación de la música”, expresa el músico.
“Es un instrumento catalizador que suena en medio de todo; que deslumbra sonora y melódicamente. Si se mira en todas las canciones, sería el latido de su corazón”. Extraído desde: http://www.venezuelasinfonica.com/noticias/john-patitucci-el-bajo-seria-el-latido-del-corazon-de-una-cancion
Realizando un enfoque de los estilos musicales que ejecuta John Patitucci sólo con el bajo eléctrico de seis cuerdas, podemos decir que resalta el Jazz Fusión, porque en gran parte de su obra musical predomina la inclusión de instrumentos y sonoridades de otras culturas. Se pueden notar instrumentos como la guitarra eléctrica, sintetizadores, y otras características propias del estilo. Por esta razón, es importante una contextualización histórica del Jazz Fusión.
14 1.3.- Jazz Fusión
El jazz fusión tiene su origen a mediados de los años 60 y pasa a ser el estilo de jazz que marcaría la década de los años 70 (resaltando que no es la única tendencia musical para la época), pero continuará prosperando hasta la actualidad. El término fusión proviene de la unión de dos estilos: El Jazz y el Rock. Ambos estilos fueron influenciados por el blues, el ragtime, los spirituals entre otros, lo que permitió que esta fusión se diera de una manera natural. Para estos años, según Tirro (2007):
Eran muchos los jazzmen que se sentían desilusionados, pues se había vuelto difícil vivir de la profesión y ya nadie se ponía de acuerdo sobre lo que de veras significaba la palabra ‹‹jazz››. El rock ‘n’ roll y el free jazz habían asestado golpes decisivos al género, poniendo en un compromiso a los viejos maestros. La nueva música influía tanto entre los jóvenes músicos que (…) de repente se encontraron navegando sin un rumbo certero que seguir. Infinidad de músicos que llevaban tiempo trabajando con la aspiración de hacerse un nombre, de pronto se encontraron con que su arte parecía haber perdido todo valor. p. 123
La dificultad para vivir tocando jazz hizo que los músicos buscaran otra salida, de esta manera empezó la búsqueda de un estilo musical que les permitiera vivir decentemente. El mismo Miles Davis, citado por Tirro (2007), explica que:
El año de la eclosión del rock y el funk fue 1969, como se observó en el festival de Woodstock. Ahí se reunieron 400.000 personas. Tanta gente reunida en un concierto provoca que todo el mundo se vuelva un poco loco, sobre todo quienes trabajan en la industria discográfica. Lo único que piensan en ese momento es: ¿cómo podríamos hacer para vender discos a toda esa gente? […] A la vez, el jazz cada vez tenía menos salida, en disco y en directo. Por primera vez en mucho tiempo, no llenaba en los locales donde tocaba. En Europa siempre llenaba, pero en Estados Unidos tocamos en un montón de clubes medio vacíos durante 1969. Ahí aprendí una lección. p.127
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Así empezó la búsqueda de algo nuevo que cautivara al público, que volviera a llenar clubes en Estados Unidos y que llenara los bolsillos de los músicos y las discográficas. En esta búsqueda, varios músicos se atribuyen la invención del jazz – rock (como también se le llama al jazz fusión), pero existen dos potenciales artistas que pueden ser candidatos a ser los primeros en experimentar con la fusión: El guitarrista Larry Coryell y el vibrafonista Gary Burton. Al respecto, Scaruffi (2005) expresa lo siguiente:
El crédito por la “invención” del jazz – rock se dirige al vibrafonista blanco nacido en Indiana Gary Burton, originalmente un niño prodigio de la música country en Nashville. Tras su paso por el cuarteto de Stan Getz (1964-1966), Burton comenzó a experimentar con ritmos de rock en “The Time Machine” (abril 1966), que contó con el bajista Steve Swallow, e intentó una fusión de jazz y la música country en “Tennessee Firebird” (septiembre 1966). El cuarteto con el guitarrista Larry Coryell, Swallow y el baterista Roy Haynes, grabó el primer disco de jazz-rock, Duster (abril 1967), destacado por la fascinante ejecución de Coryell, seguido por “Lofty Fake Anagram” (agosto 1967). Después de ejecutar la composición de Carla Bley A genuine Tong Funeral (noviembre 1967), Burton cerró el círculo mediante la adición de la música country a la mezcla de “Country roads and other places” (septiembre 1968), grabado por un nuevo cuarteto que simplemente reemplazó a Coryell con el guitarrista Jerry Hahn, y en “Throb” (junio 1969), agregó al violinista de country Richard Greene al cuarteto. Y entonces Burton abrazó teclados electrónicos para “Good Vibes” (septiembre 1969), que era básicamente un álbum de Rhythm n’ Blues. Pionero de una técnica de cuatro mazos, Burton le debe poco a los pioneros del jazz del instrumento (Lionel Hampton, Red Norvo, Milt Jackson) y parecía no darse cuenta de las innovaciones introducidas por el vibrafonista más influyentes de la época, Bobby Hutcherson10. Extraído desde: http://www.scaruffi.com/history/jazz17a.html
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Credit for "inventing" jazz-rock goes to Indiana-born white vibraphonist Gary Burton, originally an infant prodigy of country music in Nashville. After a stint in Stan Getz's quartet (1964-66), Burton began
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Con respecto a Larry Coryell, el mismo autor destaca lo siguiente: Otro candidato a inventor del jazz – rock es el guitarrista blanco nacido en Texas Larry Coryell. Se mudó a New York en 1965, en donde formó un grupo de jazz – rock, The Free Spirits, que lanzó Out of Sight And Sound (1966). Después de trabajar en el cuarteto de Gary Burton (1967 – 68), Coryell surgió como uno de los guitarristas eléctricos más innovadores y ruidosos de todos los tiempos, compitiendo con su más famoso contemporáneo Jimi Hendrix11.
Extraído desde: http://www.scaruffi.com/history/jazz17a.html
Miles Davis fue quien estableció definitivamente el género después de grabar
In a Silent Way (1968) y Bitches Brew (1970). Con ambos discos Miles se introduce en
el mundo de los sonidos electrónicos y timbres diferentes a los que se acostumbraban oír. Y tratando de buscar un público más grande, Miles empieza a presentarse en sitios diferentes. Al respecto, Tirro (2007) comenta:
Poco después de grabar Bitches Brew, Miles accedió a actuar como telonero de los Grateful Dead en el Fillmore West de San Francisco. La enormidad del gesto no puede ser minimizada. Como telonero de este grupo de rock, el trompetista actuó frente
to experiment with rock rhythms on The Time Machine (april 1966), that featured bassist Steve Swallow, and attempted a fusion of jazz and country music on Tennessee Firebird (september 1966). The quartet with guitarist Larry Coryell, Swallow and drummer Roy Haynes, recorded the first jazz-rock album, Duster (april 1967), highlighted by mesmerizing Coryell playing, followed by Lofty Fake Anagram (august 1967). After performing Carla Bley's composition A Genuine Tong Funeral (november 1967), Burton came full circle by adding country music to the mix on Country Roads and Other Places (september 1968), recorded by a new quartet that simply replaced Coryell with guitarist Jerry Hahn, and on Throb (june 1969), added country violinist Richard Greene to that quartet. And then Burton embraced electronic keyboards for Good Vibes (september 1969), which was basically a rhythm'n'blues album. Pioneering a four-mallet technique, Burton owed little to the jazz pioneers of the instrument (Lionel Hampton, Red Norvo, Milt Jackson) and seemed unaware of the innovations introduced by the most influential vibraphonist of the era, Bobby Hutcherson. (Traducción nuestra).
11 Texto original: Another candidate to inventor of jazz-rock was Texas-born white guitarist Larry Coryell. Relocating to New York in 1965, he formed an early jazz-rock group, the Free Spirits, that released Out of Sight And Sound (1966). After working in Gary Burton's quartet (1967-68), Coryell emerged as one of the most innovative electric and noisy guitarists of all time, competing with his more famous contemporary Jimi Hendrix. (Traducción nuestra).
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a un público compuesto por 5000 hippies, en su mayoría blancos y más bien idos. La cosa no constituyó un episodio aislado. Davis apareció en conciertos similares en el Fillmore East neoyorquino y otros recintos similares. Pronto convertido en primera figura de cartel, Miles consiguió llegar a una nueva audiencia, de la que aprendió tanto como de los jóvenes músicos rockeros de los que se rodeaba por entonces. p. 127
No se puede dejar de lado el potencial de Miles para reclutar en sus agrupaciones a nuevos músicos que poseen un talento especial y diferente en sus instrumentos. Esto lo aplica a su grupo de jazz – fusión y logra una formación musical con los mejores músicos de la época. Tirro (2007) explica que:
Tras sus conciertos en ambos Fillmores, a principio de los setenta grabó con numerosos solistas prometedores, muchos de los cuales acabaron liderando sus propias formaciones: John McLaughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Keith Jarret, Steve
Grossman, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Ron Carter y otros. p. 127
A partir de la década de los años 70, todos estos músicos empezaron a formar sus agrupaciones y aportaron al desarrollo y establecimiento del jazz fusión como uno de los estilos de la historia del jazz. Se debe acotar que el jazz – fusión como estilo ha continuado su desarrollo hasta la actualidad.
Las características de este jazz fusión radican en el uso de efectos de sintetizadores, teclados electrónicos, uso del bajo eléctrico, ritmo estable, no existe el swing, uso de pulsos de rock, uso de melodías intrincadas al unísono, uso de la armonía modal y secciones repetidas. Las ciudades importantes en la era del jazz fusión fueron Los Angeles, San Francisco y New York. Los primeros músicos importantes dentro de este estilo fueron Gary Burton, Chick Corea, Miles Davis, Keith Jarret, Pat Metheny, Wayne Shorter y Joe Zawinul. Las primeras agrupaciones más importantes fueron The Brecker Brothers, Headhunters, Jeff Lorber Group, The Mahavishnu Orchestra, The Pat Metheny Group, Return to Forever, Steps Ahead, Weather Report y The Yellowjackets.
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En el jazz – fusión se da entonces una sonoridad eléctrica, en donde casi todos los instrumentos son eléctricos. Los instrumentos de viento y metales a menudo eran tratados con efectos electrónicos para lograr un timbre diferente y contribuir a la sonoridad del estilo. La batería se hizo más grande para lograr esa potencia del rock y permitir a los bateristas experimentar nuevos sonidos. Con el bajo eléctrico se lograba un sonido más potente y claro para acompañar e improvisar sobre los temas, la potencia tan alta del sonido es también una de las características del jazz – fusión.
19 CAPITULO 2
2.1.- El bajo eléctrico
El bajo eléctrico es un instrumento musical de cuerdas, generalmente pulsadas con plectro o con los dedos, que se utiliza para proporcionar la base armónica y rítmica de una agrupación musical. En los inicios del Jazz, se utilizó la tuba para esta función, luego el contrabajo y después el bajo eléctrico. Respecto a esto, Berendt (1994), indica que:
En el jazz moderno, los cuatro golpes regulares del bajista son muchas veces el único factor que sostiene con inquebrantable firmeza el ritmo fundamental. Y como el bajo pulsado puede cumplir con mayor precisión esta tarea rítmica que la tuba “soplada”, pudo desplazar al poco tiempo a este último instrumento. Y 35 años más tarde, el bajo eléctrico está a punto de desplazar al contrabajo. Así, el desarrollo va de la tuba al contrabajo al bajo electrificado: el impulso rítmico se hace, a través de este desarrollo, más preciso, más corto, más acentuado. p. 496.
A través de la historia del jazz existen estos tres instrumentos que proporcionan la base rítmica y armónica a los demás músicos, pero al final, ni la tuba ni el contrabajo fueron desplazados porque aún existen corrientes tradicionales dentro del jazz que hacen uso de estos instrumentos, como algunas orquestas que representan la historia de un pueblo (bandas marciales o bandas de dixieland con tuba) o como big bands, combos, cuartetos o tríos, que aún utilizan el contrabajo para mantener la tradición jazzística.
La aparición del bajo eléctrico se remonta a los años 30, cuando el músico e inventor Paul Tutmarc, desarrolló la idea de un instrumento parecido a la guitarra que realizara la misma tarea del contrabajo. Antes había creado el transductor de audio para guitarra (micrófono), pero no pudo patentarlo porque la empresa de Graham Bell ya lo
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había hecho junto a la idea del teléfono. Este inventor logró vender algunas guitarras
eléctricas con el micrófono incorporado. Después de la instalación de su empresa “The Audiovox Manufacturing”, el mismo Tutmarc fue el mejor promotor de su
empresa, ya que realizaba muestras en vivo tocando sus instrumentos para sus clientes y en estos años (1935) aparece en su catálogo el primer bajo eléctrico fabricado. Según
The Free Online Encyclopedia of Washington State History (s/f) (La Enciclopedia en
línea de la Historia del Estado de Washington) la reseña de este instrumento es la siguiente:
Cuando Audiovox finalmente produjo la nueva invención de Tutmarc – el Violín Bajo Electrónico #736 – la innovación principal del refinado instrumento, fue un diseño de bajo de cuerdas para ser colocado en la posición horizontal ya familiar en lugar de la posición vertical tradicional. Así que, debido a su naturaleza electrificada, diapasón con trastes (a diferencia de los bajos verticales), y tamaño verdaderamente compacto, este revolucionario instrumento puede ser considerado el primer bajo eléctrico de cuerpo sólido del mundo12. (Extraído desde: http://www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=output.cfm &File_Id=7479).
El crédito de la invención del bajo eléctrico es de Paul Tutmarc, pero este instrumento nuca tuvo éxito comercial. La Enciclopedia en línea de la Historia del Estado de Washington explica lo siguiente:
Sin embargo, a pesar de que Audiovox vendió numerosos violines – bajo electrónicos a los músicos del noroeste, el instrumento estaba tan completamente por delante de su tiempo que nunca tuvo éxito en el mercado. Así, a pesar de la singularidad pionera de los instrumentos Audiovox,
12 When Audiovox finally produced Tutmarc's next invention -- the #736 Electronic Bass Fiddle -- the refined instrument's main innovation was as a string-bass instrument designed to be held in the now-familiar horizontal position rather than the traditional vertical upright position. So because of its electrified nature, fretted neck (unlike upright basses), and truly compact size, this revolutionary instrument can be considered the world's first solid-body electric bass guitar. (Traducción nuestra).
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relativamente pocos fueron vendidos, ninguna estrategia de distribución nacional fue implementada alguna vez, y la contribución de Tutmarc cayó básicamente a través de las grietas de la historia. Todo esto ayuda a explicar por qué la saga Audiovox desapareció de todos los libros de historia temprana de la guitarra eléctrica, y otros hombres – como Fullerton y Leo Fender de California (que comercializan por primera vez su famosamente exitoso bajo eléctrico en 1951) – reciben todo el crédito por la “invención” del bajo eléctrico13. (Extraído desde: http://www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=output.cfm &File_Id=7479).
El Fender Precision Bass (P – Bass), se convirtió en un estándar industrial ampliamente copiado. Este instrumento causó un gran impacto porque podía ser trasladado más fácilmente que un contrabajo y no tenía efectos de feedback14, además de la gran fortaleza de promoción y venta que tenía la empresa. Otras empresas como Gibson, Danelectro, Hofner, Rickenbacker, entre otras también se dieron a la tarea de diseñar y mercadear sus propios modelos, partiendo de la idea del instrumento con cuatro cuerdas.
Muchas fueron las mejoras que realizaron otras empresas al instrumento, como utilizar circuitos preamplificadores, el uso de maderas exóticas en su construcción, entre otros elementos que permitieron mejorar el sonido del bajo eléctrico.
13 However, even though Audiovox sold numerous Electronic Bass Fiddles to Northwest musicians, the instrument was so completely ahead-of-its-time that it never succeeded commercially. So, despite the trail-blazing uniqueness of Audiovox instruments, relatively few were sold, no national distribution strategy was ever implemented, and Tutmarc's contributions basically fell through the cracks of history. All of which helps explain why the Audiovox saga went missing in all of the early electric guitar history books, and other men -- like Fullerton, California's Leo Fender (who first marketed his famously successful bass guitar in 1951) -- long received all the credit for "inventing" the electric bass. (Traducción nuestra). 14 Feedback: Según la página web de la empresa Audio-Technica, la retroalimentación o feedback, es una condición en aplicaciones de refuerzo del sonido que se produce cuando el sonido captado por el micrófono es amplificado, radiado al parlante, después captado otra vez, sólo para ser re-amplificado. Eventualmente el sistema comienza a sonar, y se mantiene aullando hasta que se reduce el volumen. La retroalimentación tiene lugar cuando el sonido desde el altavoz llega al micrófono tan alto o más alto que el sonido que llega directamente de la fuente original (parlante, cantante, etc.). Extraído desde: http://www.audio-technica.com/cms/site/b66d861dff223626/
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Algunos ejecutantes pensaron en la idea de expandir las posibilidades del bajo eléctrico con respecto a su rango tonal, así aparecieron el instrumento de cinco cuerdas y el de seis cuerdas, siendo los primeros en utilizarlos Jimmy Johnson y Anthony Jackson respectivamente, aunque existen antecedentes a estos instrumentos: La viola de gamba en el periodo barroco (seis cuerdas) y el contrabajo de cinco cuerdas en el periodo romántico.
La empresa Fender, había presentado al mercado un modelo de bajo de cinco cuerdas, el Fender Bass V. La cuerda agregada era para sonidos más agudos afinada en Do, con la idea de facilitar la lectura a primera vista. Este instrumento tuvo pocos adeptos y no tuvo éxito comercial, por lo que fue sacado del mercado al poco tiempo. La versión actual del bajo de cinco cuerdas, posee una cuerda con tono más grave afinada en la nota Si y el crédito de la idea se le otorga al bajista Jimmy Johnson. Al respecto, el mismo Johnson otorga el crédito a su padre, quien fuera contrabajista en la orquesta de Minnesota, citado por Matt Resnicoff (1989) indica que:
Ellos [los contrabajistas] usualmente tienen una extensión en los contrabajos que va hasta un Do grave. Yo estaba tratando de averiguar cómo hacer eso en el eléctrico, y mi padre dijo “Bueno, también hay bajos eléctricos de cinco cuerdas”. Ellos los hacían entonces, pero con un Do agudo, y yo prefería el grave. No tengo un montón de ganas de ir más alto de lo que el bajo puede ir15.
(Extraído desde: http://www.fingerprintsweb.net/ah/press/ gw0589jj.html)
Johnson compró a la empresa Alembic un bajo eléctrico de cinco cuerdas, pero este bajo tenía la extensión aguda, es decir, la cuerda agregada era la del Do agudo. En 1975, Johnson modifica este bajo y le coloca la cuerda más grave afinada en la nota Si. Esta cuerda fue fabricada por pedido de Johnson en la empresa GHS Strings.
15 They usually have an extension on upright basses that goes down to low C. I was trying to figure out how to do that on electric, and my dad said, 'Well, there's also five-string basses.' They were making them back then, but with a high C, and I preferred the bottom. I don't have a whole lot of desire to go higher than the bass can go. (Traducción nuestra).
23 2.2.- El bajo eléctrico de seis cuerdas
Existe otro músico que tenía la idea de expandir el registro tonal del bajo eléctrico desde mucho antes, pero no lograba concretarla. Este músico es Anthony Jackson y su idea fue un bajo eléctrico de seis cuerdas, el cual tiene la extensión grave similar al de cinco cuerdas, pero además tiene una extensión aguda afinada en la nota Do.
El periodista Chris Jisi (s/f) realiza una entrevista a Anthony Jackson en la cual pregunta cuándo fue la primera vez que se le ocurre la idea del bajo con seis cuerdas. Jackson responde lo siguiente:
Eso fue alguna vez en 1968; yo tenía 16 y había estado tocando el bajo eléctrico por unos cuatro años. Mientras practicaba con una colección de grabaciones del trío con órgano de Jimmy Smith, estuve encontrándome sin espacio mientras caminaba queriendo llegar por debajo del registro inferior y con ganas de ir al registro superior sin sentir que me iba a quedar sin espacio. Estuve afinando el instrumento hacia abajo por un semitono o un tono completo desde que toqué en la primera banda, a la edad de 12. Pero por alguna razón, en ese particular momento la idea de colocar otra cuerda más grave se me ocurrió. Yo había probado el Fender Bass V, el cual tiene una cuerda Do aguda, hacía un par de años; ese era un instrumento mal diseñado que desapareció rápidamente, pero recuerdo pensar, ¿Por qué no colocaron la cuerda extra en los graves? Me imaginaba a Fender como el constructor de este nuevo instrumento, porque esa era la norma mundial, y pensé, mientras estábamos en ello, coloquemos una cuerda en la parte superior y se extiende el rango en ambas direcciones16. (Extraído desde:
16 It was sometime in 1968; I was 16 and I had been playing the bass guitar for about four years. While practicing with a collection of Jimmy Smith organ trio records, I kept finding myself running out of room while walking – wanting to get down underneath the bottom register and wanting to move to the upper register without feeling like I was going to run out of space. I had been tuning the instrument down a half or whole-step since the first band I played in, at age 12. But for whatever reason, at this particular time the idea to put another string on the bottom occurred to me. I had tried out the Fender Bass V, which had a high C string, a few years earlier; it was a poorly designed instrument that disappeared quickly, but I remember thinking, Why didn’t they put the extra string on the bottom? I envisioned Fender as the builder
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http://www.melvinleedavis.com/images/Contrabass%20 Conception.pdf).
Jackson mantuvo la idea en mente y su carrera como bajista comenzó a tener auge en 1972. A finales de 1973 comienza a materializar el pensamiento de construir el instrumento, buscando algunos luthiers en la ciudad de New York. Muchos colocaron obstáculos y decían que una cuerda más grave no serviría de nada, no se escucharía porque las cornetas de los automóviles y de los equipos de sonido eran muy pequeñas, entre otros obstáculos de construcción. Jackson no se rindió e hizo que le construyeran el instrumento. La creación del instrumento fue un proceso de ensayo y error. En 1974 el luthier Carl Thompson entrega a Anthony Jackson el primer modelo de seis cuerdas, el cual utiliza por primera vez en una grabación en 1975: el álbum Let This Melody Ring
On de Carlos Garnett. Jackson no estaba conforme con el instrumento y sigue
experimentando, esta vez con el Luthier Ken Smith, quien fabrica un instrumento de seis cuerdas pero con especificaciones propias. En diciembre de 1981 Jackson recibe el instrumento de Ken Smith y siendo un buen instrumento, no está conforme por el espacio entre las cuerdas porque no puede utilizar la púa, ya que con esta técnica no obtenía el sonido que buscaba. Cabe resaltar que Ken Smith produjo varios modelos de bajos eléctricos de seis cuerdas, de los cuales uno de ellos fue adquirido por John Patitucci algunos años después. Jackson continúa en la búsqueda de perfeccionar su instrumento, logrando un trato con Vinnie Fodera y Joey Lauricella, quienes trabajaron con Ken Smith, pero decidieron comenzar su propia compañía: Fodera Basses. Según Jackson, estos fueron los primeros Luthiers que respetaron su idea y su trabajo con el bajo de seis cuerdas. El trato fue que ellos construirían cualquier instrumento que Jackson quisiera, éste lo probaría en el estudio de grabación y en vivo, dándoles información sobre el funcionamiento del instrumento, seguidamente ellos materializaban las nuevas ideas en sus modelos de producción para luego construir otro modelo para Jackson, este ciclo ha continuado por muchos años. Es una asociación de tres, con Vinnie Fodera como el Luthier, Joey Lauricella como intermediario integral, ya que es of this new instrument, because that was the world standard then, and I thought, While we’re at it, let’s put a string on top and extend the range in both directions. (Traducción nuestra).
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un bajista profesional, y Jackson probando los instrumentos. De esta manera los bajos actuales de Anthony Jackson han logrado superar sus expectativas de sonido, peso del instrumento, acabado, entre otras características. Con Fodera, Jackson logró construir el bajo que había pensado desde hace unos 30 años.
Algunos ejecutantes del bajo eléctrico que fueron o son reconocidos a nivel mundial, son los siguientes:
• Bajo eléctrico de cuatro cuerdas: Monk Montgomery, James Jamerson, Jaco Pastorius, Jeff Berlin, John Entwhistle, Jack Bruce, Paul McCartney, Stanley Clarke, Les Claypool, Adam Clayton, Bootsy Collins, Víctor Wooten, Stuart Hamm, Carol Kaye, Louis Johnson, John Paul Jones, Michael Manring, Pino Paladino, Billy Sheehan, Esperanza Spalding, Tal Winkenfeld, Verdine White,
Bob Babbitt, Víctor Bailey, entre otros.
• Bajo eléctrico de cinco cuerdas: Jimmy Johnson, Nathan East, Abraham Laboriel, Leland Sklar, Bunny Brunnel, Brian Bromberg, Richard Bona, Carles Benavent, Matthew Garrison, Janek Gwizdala, Hadrien Feraud, Federico Malaman, entre otros. • Bajo eléctrico de seis cuerdas: Anthony Jackson, John Patitucci, Oteil Burbridge,
Steve Bailey, Tetsuo Sakurai, Alain Caron, Jimmy Haslip, John Myung, Adam Nitti, Damian Erskine, Tony Grey, Gerald Veasley, Mike Pope, Dave Carpenter, Todd Johnson, entre otros.
Hay que resaltar que muchos de los bajistas nombrados anteriormente pueden tocar bajos de 4, 5 y 6 cuerdas indistintamente, sólo que en la mayoría de sus actuaciones se observan con el instrumento indicado.
26 2.3.- Cronología del bajo eléctrico.
1935 Aparece por primera vez en catálogos un instrumento considerado el primer bajo eléctrico en la historia, creado por Paul Tutmarc y denominado el violín – bajo electrónico #736 (#736 Electronic Bass
Fiddle).
1951 Se coloca en venta por primera vez el Fender Precision Bass (P – Bass). Instrumento que se convertiría en el bajo eléctrico estándar, altamente copiado por otras empresas.
Como curiosidad, el bajista Jaco Pastorius nace este mismo año.
1951 Los primeros ejecutantes del Fender Precision Bass pertenecieron a la banda de Lionel Hampton: Primero Roy Johnson, que lo utilizó durante un tiempo hasta que dejó la banda en el mismo año y luego William “Monk” Montgomery (hermano del guitarrista Wes Montgomery), primer bajista eléctrico que logró un gran reconocimiento en la historia del instrumento17.
1953 Es posible que las primeras grabaciones con el bajo eléctrico Fender
Precision Bass, fueron realizadas por Monk Montgomery en la banda de
Lionel Hampton. Tomando en cuenta esto, se encuentra el disco Lionel
Hampton in Paris (1953) como posible opción al primer disco en donde
se grabó con bajo eléctrico18.
17 Fuente: Music Radar (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible:
http://www.musicradar.com/news/bass/the-history-of-the-electric-bass-part-one-the-early-days-507234/ [Consulta: 2015, Febrero 25].
18 Fuente: All Music (s/f). Lionel Hampton. Discography [Datos en Línea]. Disponible: http://www.allmusic.com/artist/lionel-hampton-mn0000833150/discography [Consulta: 2015, Febrero 25].
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1960 Fender diseña otro bajo eléctrico, el Jazz Bass. Con características de sonido más versátiles y más facilidad para tocar19.
1961 Bill Wyman, uno de los bajistas que han pasado por la banda The Rollings
Stones, tiene el crédito por crear el primer bajo sin trastes en 1961,
cuando le sacó los trastes a un bajo eléctrico de bajo costo y empezó a tocar con el instrumento20.
1965 Aparece el Fender Bass V, bajo eléctrico de cinco cuerdas y quince trastes que tuvo poca acogida entre los músicos debido a su tamaño y forma. La afinación era E – A – D – G – C, es decir, se le agregó una cuerda más aguda al instrumento de cuatro cuerdas. Sólo se produjeron 200 instrumentos desde 1965 hasta 1971, año en que el instrumento fue descontinuado.
1966 El primer bajo eléctrico sin trastes producido es el Ampeg AUB – 1. Se dice que John Entwistle (bajista de la banda The Who), ayudó a desarrollar la fabricación de cuerdas roundwound21, lo que le otorgó un sonido más brillante y claro al instrumento. Hasta el momento sólo se utilizaban cuerdas Flatwound22en los bajos eléctricos.
1970 Fender lanza su primer modelo de bajo eléctrico sin trastes el Fretless
Precision Bass.
19 Fuente: Fender Musical Instrument Corp. (2011). Fender ® Make HistoryTM. Owner Manual for
Fender® Basses. Scottdale: Fender Musical Instrument Corp.
20 Fuente: Roberts, Jim (2001). How the Fender Bass changed the world. San Francisco: Backbeat Books. 21 Roundwound: Entorchado redondo.
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1974 El luthier Carl Thompson entrega a Anthony Jackson el primer modelo de bajo eléctrico de seis cuerdas.
1975 Jimmy Johnson, en asociación con la empresa Alembic y GHS Strings, construyen el primer bajo eléctrico de cinco cuerdas como se conoce en la actualidad, la afinación es B – E – A – D – G, es decir, se le agregó una cuerda de afinación más grave al instrumento estándar.
Anthony Jackson utiliza por primera vez el bajo eléctrico de seis cuerdas en una grabación: el álbum Let This Melody Ring On de Carlos Garnett.
29 2.4.- El bajo eléctrico en Venezuela
La aparición del bajo eléctrico en Venezuela se da a finales de la década de 1950, en donde se encuentran intervenciones en géneros como el rock (que estaba naciendo en el país por influencia de los Estados Unidos, su país de origen), la música tradicional venezolana y el Jazz.
El rock llega a Venezuela como fondo musical de varias películas estadounidenses a partir de 1955. Con respecto a esto, Montiel Cupello (2004) establece que:
En la Venezuela de 1955 se empieza a dar el contacto masivo con esta música cuando en Caracas se exhibe la primera película con una pieza de rock and roll en su banda sonora: Blackboard
Jungle (Semillas de maldad), que resultó ser la emblemática
«Rock around the clock» (Al compás del reloj) de Bill Haley y sus cometas.
Enseguida vinieron otros films y pudimos ver Rock around the
clock (que sí estaba enteramente dedicada al género con la
actuación de Haley y su grupo), Don’t knock the rock (Celos y revuelos), The girl can’t help it (Tú sabes lo que quiero) y las películas de Elvis Presley. p.9.
Es importante resaltar el hecho de que las películas de Elvis Presley también se presentaron en el país, ya que el bajista Bill Black, quien acompañaba a Elvis en el contrabajo, adquirió en el año 1957 un Fender Precision Bass del año 56. De esta manera, Black fue pionero en el uso del bajo eléctrico para el rock and roll que estaba haciendo Elvis. Este instrumento empieza a ser visto por estos años en las giras musicales de Elvis. Al respecto, V. Roy (2011) indica que:
En 1957, Bill Black adquirió un Fender Precision Bass del año 1956, serial #13182. Sid Lapworth de la empresa O.K. Houck, dijo que le entregó el bajo a Elvis personalmente para Bill un
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poco antes de que se mudara a Graceland23. (Extraído desde: http://www.scottymoore.net/56PBass.html).
Al mismo Elvis le impresionó el instrumento y también lo ejecutó algunas veces en películas y comerciales. Incluso grabó un tema del disco All Shook Up (1958), el tema fue Baby, I don’t care. V.Roy (2011) comenta que Elvis graba el tema porque Bill no podía tocarlo después de varios intentos.
En Venezuela, empiezan a aparecer grupos de rock en Maracaibo y luego en Caracas, para convertirse en pioneros de este género. Una de las primeras agrupaciones en ser conocidas fue “Los Impala”, agrupación que nace a partir de 1958 y que tiene una gran trayectoria. Edgar Alexander, citado por Montiel Cupello (2004) establece que:
Los Impala era un cuarteto de muchachos entre 15 y 17 años que tocaban en fiestas y clubes de esa Maracaibo de fines de los cincuenta. Estaban conformados por Rafael “Rafito” Montero en primera guitarra, Servando Alzati en segunda guitarra o guitarra rítmica, Gilberto Urdaneta en bajo y Heberto Medina en batería. A finales de 1960 salen Montero y Urdaneta. Alzati pasa a la primera guitarra, Edgar Quintero entra como segunda guitarra, Bob Bush al bajo y Paco Piedrafita como cantante. p. 12.
En 1961, “Los Impala” se presenta en El Show de Renny por Radio Caracas Televisión, logrando un gran éxito.
La agrupación se desintegra a finales del mismo año para reagruparse en 1963 con “(…) Henry Stephen (voz), Francisco Belisario (segunda guitarra) y Nerio Quintero (bajo) más el ex “Tempest” Omar Padauy (batería) y Pedro Alfonso (piano), mientras Edgar pasaba a la guitarra principal” (Montiel Cupello, 2004, p. 23).
De esta manera son tres los bajistas que fueron pioneros en el rock venezolano con la banda “Los Impala”: Gilberto Urdaneta, Bob Bush y Nerio Quintero, quien
23 Texto Original: In 1957, Bill Black acquired a 1956 Fender Precision Bass, Serial #13182. Sid Lapworth from O.K. Houck said he delivered it to Elvis personally for Bill sometime after Elvis first moved in to Graceland.
