Tema 10
ARTE BARROCO
El Barroco es un movimiento artístico y cultural que nace en Italia y que se extiende por Europa durante el siglo XVII .Surge en una Roma con ansias artísticas novedosas.
El nombre Barroco en portugués significa perla imperfecta o perla irregular. Este término fue utilizado por los neoclásicos (s XIX) para referirse a este arte de manera despectiva.
Hoy día se reivindica el Barroco como un estilo artístico que surge cuando las posibilidades expresivas del Renacimiento se agotan y se buscan nuevas formas de expresión artística que ya se habrían iniciado en el Manierismo.
Contexto histórico
Históricamente el Barroco se desarrolla en una Europa regida por los papas y por las
monarquías absolutas. En contraste con esos polos de poder, la historia europea presenta una época en pleno retroceso económico, de conflictos sociales, hambre, enfermedades,
devastadoras guerras entre países y guerras de religión entre católicos y protestantes En este ambiente surge el arte Barroco en un principio como instrumento artístico de una iglesia católica frente al protestantismo, y como instrumento de poder al servicio del absolutismo (Monarquías)para evidenciar el poder y gloria de los monarcas.
El mundo católico descubrió que el arte podía servir a la religión de un modo que iba más allá de la tarea didáctica de la Edad Media. Los artistas están ahora llamados a transformar las iglesias en grandes representaciones cuyo esplendor y aspecto arrebatara los sentidos. Si los
protestantes predicaban contra el lujo y ostentación de la iglesia, más afanosa se volvía la iglesia romana en poner a su servicio las facultades de los artistas.
Características generales
Frente al equilibrio, serenidad y sobriedad del Renacimiento clásico, el Barroco defiende el dinamismo, el movimiento y los contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos de obras arquitectónicas, esculturas y pinturas. Se crea un arte, en arquitectura, pintura y escultura, que llama a los sentidos del espectador. Es el arte de lo teatral y de lo fastuoso.
En la evolución del Barroco se pueden distinguir dos etapas:
Barroco pleno o época de madurez (s XVII hasta 1680)(El que estudiamos)
Barroco tardío o Rococó (Hasta 1750) que culmina en las cortes de Viena y Praga caracterizado por el lujo y ornamentación interior. Ver libro
EL ARTE BARROCO
1.- Marco histórico
Características generales
Bernini
Italia
Arquitectura Borromini
Francia: Versalles
2.-Europa Escultura Bernini
Los Hermanos Carracci
Italia
Caravaggio
Pintura
Escuela Flamenca : Rubens
Países Bajos
3.- ARTE BARROCO ESPAÑOL
1ª mitad XVII:Juan de Mora, Crescensi,
Castilla:Churriguera
Narciso Tomé
Pedro Rivera
Arquitectura
Andalucía: Sevilla Figueroa
Granada: Alonso
Cano
2ªmitad XVII, Hurtado
principios XVIII: Izquierdo
Murcia: Jaime Bort
Galicia:Casas
y Novoa
Características
Castellana.Valladolid:Gregorio Fdez
Escultura Imagenería Escuelas
Andaluza Granada:Alonso Cano
Juan de Mesa
Murcia:Salzillo
Característicass
Valenciana: Ribalta y Ribera
Pintura Escuelas Andaluza: Zurbarán
VELAZQUEZ
Murillo
ARQUITECTURA BARROCA Características
La arquitectura barroca deja de lado las formas clásicas. Se caracteriza por:
- La búsqueda de movimiento y dinamismo mediante el predominio de líneas curvas, superficies onduladas y líneas que se quiebran produciendo contrastes de luces y sombras en fachadas .
- Se utilizan a veces plantas movidas que contraen y dilatan el espacio mediante paredes .cóncavas y convexas que dan sensación de movimiento y abundantes efectos de luz.
- Riqueza decorativa en fachadas donde se emplean los elementos constructivos como decorativos: frontones partidos, columnas que se retuercen, arquitrabes que se curvan o se parten- Preocupación por los recintos públicos urbanos
Se realizan principalmente edificios religiosos: iglesias, que representan el poder y el triunfo de la iglesia que descubrió en el Barroco el poder del arte para impresionar y atraer a los fieles.
También se realizan edificios civiles: palacios, que representan el poder real
Estas características las podemos ver en el barroco italiano y español, no así en Francia donde se impone una dictadura arquitectónica controlada desde la Academia y sometida al buen gusto. Allí predominarán las fachadas rectas y los volúmenes nítidos que tratan de no transgredir las normas renacentistas.
Elementos arquitectónicos empleados con afán decorativo Se utilizan:
Órdenes clásicos de proporciones muy grandes: sobre todo corintio y compuesto. Columnas salomónicas
Frontones partidos
Cúpulas de base elíptica o mixtilínea.
En cuanto a las plantas presentan dos modelos:
- Planta rectangular con una sola nave , capillas laterales y cúpula sobre el crucero por influencia del Gesú de Vignola. Muchas iglesias barrocas seguirán este modelo
ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA: BERNINI Y BORROMINI
Los antecedentes de la arquitectura barroca italiana los podemos encontrar en la iglesia del Gesú de Vignola
Los arquitectos indiscutibles del Barroco son Bernini y Borromini.
Podemos establecer semejanzas entre ellos ya que ambos presentan características barrocas de dinamismo y movimiento en sus edificios, pero se diferencian en los elementos constructivos, los materiales, el uso del espacio y de la luz:
Bernini respetó las normas clásicas y la proporción de los órdenes. Borromini rompió las normas e inventó nuevos elementos.
Bernini utilizó preferentemente el mármol. Borromini utilizó más el ladrillo y el estuco Bernini trabajó en espacios abiertos. Borromini trabajó en espacios reducidos.
Bernini deja sus fachadas e interiores pulidos para que la luz y las sombras resbalen y los bañen por igual. Borromini diseña revueltas, aristas para que la luz se quiebre y de efectos de claroscuro.
Bernini trabajó para los papas y la aristocracia. Borromini trabajó para las órdenes religiosas BERNINI
Fue un genio: arquitecto, escultor y pintor. Trabajó al servicio de los papas y de la aristocracia. Dedicó gran parte de su vida a la Basílica de San Pedro del Vaticano.
*Baldaquino de San Pedro
Fue su primera obra. Cubre el altar Mayor y es una obra que participa de la arquitectura y la escultura con todos los elementos del barroco: dinamismo y decoración.
Es un templete sostenido por cuatro columnas salomónicas (29m) en bronce inspiradas en columnas que se creían procedentes del templo de Salomón. Los fustes se dividen en anillos horizontales y se cubren de decoración escultórica de tallos y hojas de acanto. Acaban en un capitel compuesto y sostienen un dosel, o especie de cortinaje en bronce. Se remata el conjunto con unas volutas que sostienen el globo terráqueo y una cruz, símbolo de la salvación . La decoración la completan unos ángeles en los vértices.
Cátedra de San Pedro
Está detrás del baldaquino. Representa el trono de San Pedro sostenido por los apóstoles. Juega con la decoración y la luz.
*Plaza de San Pedro
Es su obra más grandiosa. La constituyen dos brazos que salen de la fachada de San Pedro (de Maderna) formando una gran plaza elíptica que comunica con la ciudad a través de la avenida de la Conciliación. Bernini pretendía comunicar el Vaticano con la ciudad de Roma y al mismo tiempo dar relevancia a la cúpula de Miguel Angel, símbolo de la cabeza de la iglesia .Se consigue amplitud visual y gran capacidad espacial que permite la congregación de muchos fieles.
Cada uno de los brazos de la elipse forma una columnata de cuatro hileras de columnas dóricas que sostienen un entablamento que se remata con una balaustrada con 140 mártires y santos de
la Iglesia. Esa un espacio típicamente barroco con un juego de líneas en contraste: forma ovalada de la columnata, verticalidad de las columnas y línea horizontal del arquitrabe. En los lados de la elipse hay dos fuentes y en el centro un obelisco (romano, del Circo Máximo donde murió San Pedro). Con esta forma elíptica Bernini consigue un efecto de profundidad ( desde la plaza el templo parece estar más alejado) También el diseño de la plaza tiene un valor simbólico: representa la acogida de la iglesia a los fieles del mundo.
San Andrés del Quirinal
Es una pequeña iglesia. La fachada queda enmarcada por dos pilastras adosadas que soportan un entablamento y un gran frontón. El centro de la fachada es un templete circular que cubre la puerta principal , sobre una escalinata también de forma circular.
La combinación de partes rectas y curvas , así como de pilastras y columnas da un gran dinamismo a la fachada.
La planta del templo es elíptica con capillas laterales con zonas que se adelantan a otras en un movimiento típico del barroco. Cuenta con una gran cúpula, símbolo del universo y del poder divino.
BORROMINI
Fue primero colaborador y luego competidor de Bernini. De temperamento inquieto y de carácter violento. La insatisfacción de su propia obra le llevó al suicidio. No le resultó tan fácil que su arte le fuera reconocido. Su clientela fueron las órdenes religiosas.
Borromini realiza edificios pequeños de planta central. Sabe dar mucha movilidad a las superficies. Su obra se caracteriza por el juego de curvas, contracurvas, espacios cóncavos y convexos al servicio del movimiento.
*San Carlos de las Cuatro fuentes (Roma)
Su obra más representativa es San Carlos de las cuatro fuentes de fachada alabeada (ondulada) de gran dinamismo. Está dividida en dos cuerpos separados por un entablamento curvo y tres calles separadas por columnas adosadas de orden compuesto y proporciones gigantescas. En medio, hornacinas rectangulares y ovaladas. El remate superior es una cornisa que forma una línea de curvas y contracurvas y que se corta en el centro por un medallón circular que interrumpe el movimiento de la cornisa, aumentando la inestabilidad del conjunto. Remata la fachada una balaustrada.
La planta elíptica da lugar en el interior a unas paredes de superficies onduladas que culminan en una cúpula ovalada con una linterna en el centro también elíptica. La decoración interior muestra el lujo y ostentación del barroco.
Los tramos rectos, curvos y contracurvos del las paredes dan sensación de movimiento y abundantes efectos de luz
*San Ivo de la Sapienza (Roma)
La planta es centralizada formada por la intersección de dos triángulos. Toda la iglesia en su interior es un conjunto de rectas y curvas cóncavas y convexas. Termina en una cúpula mixtilínea que termina en una linterna que al exterior es helicoidal. La fachada cóncava (en el interior de un patio) contrasta con la forma convexa del exterior de la cúpula.
(Otras obras ,llenas de esplendor y movimiento son El colegio de la Propaganda Fide y El Oratorio de los Filipenses.)
LA ARQUITECTURA BARROCA FRANCESA
La arquitectura francesa es de carácter cortesano. El palacio se convirtió en el símbolo del poder absoluto de la monarquía francesa.
El arte francés se diferenció del arte barroco italiano y español por el clasicismo. Se impuso una dictadura arquitectónica controlada desde la Academia y sometida al buen gusto. Allí predominarán las fachadas rectas y los volúmenes nítidos que tratan de no transgredir las normas renacentistas.
Luis XIV convirtió a su palacio en Versalles en símbolo de la ostentación y el poder y será el modelo de residencia de las monarquías absolutas.
El Palacio de Versalles
Está situado a las afueras de París .Destacan la suntuosidad de los interiores y la armonía de los exteriores.
El principal arquitecto fue Louis Mansart.( Junto a él colaboraron el pintor y decorador Le Brune y el paisajista y decorador de jardines Le Notre.)
Fue residencia de la corte de Luis XIV . Tenía capacidad para 200.000 personas. Planteada como ciudad con mansiones para la corte, zonas administrativas, cuarteles del ejército, todo ello articulado en torno a la residencia real y la capilla.
Tiene dos fachadas, una da al centro urbano y otra a los jardines. La fachada que da al centro urbano tiene tres niveles. En el segundo , una combinación de columnas y pilastras separan los espacios ocupados por grandes ventanales. El tercer nivel se remata con una balaustrada con símbolos de los Borbones. La horizontalidad de la fachada se rompe con una serie de planos entrantes y salientes que dan cierto movimiento a la construcción.
El edificio se integra en la naturaleza. El jardín cercano al palacio es de diseño geométrico con setos recortados que simulan muros y forman tres avenidas que confluyen en el palacio. Tiene terrazas, estanques, fuentes . Al final hay una zona abierta donde la naturaleza se incorpora en total libertad.
La armonía y el clasicismo interior contrasta con la riqueza decorativa interior, donde se suceden una serie interminable de salones ricamente decorados con tapices, cuadros, espejos, bronces y mármoles de colores. Destaca el salón de los Espejos de 75 m de largo, con 16 largos ventanales abiertos al jardín y espejos en el otro lado, produciendo extraordinarios efectos de luz. Le Brune decoró sus espacios con mármoles policromados y trofeos dorados. Este palacio sirvió de modelo para los palacios de las cortes europeas. Así por ejemplo y el Palacio de la Granja en Aranjuez el Palacio Real de Madrid.
ESCULTURA BARROCA Características generales
La escultura experimentó como la arquitectura transformaciones importantes respecto al Renacimiento. Algunos antecedentes los encontramos en el manierismo.
- Predominan las escenas en movimiento captado en un instante de máxima acción Las figuras aparecen en actitudes desequilibradas El movimiento también se aprecia en las telas: los paños se agitan y los plegados se multiplican como impulsados por un vendaval.
- Las superficies presentan entrantes y salientes que producen contrastes de luces y sombras que acentúan el dramatismo.
- Los gestos y actitudes son teatrales
- El objetivo es conmover emocionalmente al espectador.
Los temas son religiosos, al servicio de la Iglesia como propaganda. También hay temas mitológicos y se cultiva el retrato
BERNINI
El mayor representante de la escultura barroca es Lorenzo Bernini, que dominó todas las facetas artísticas. Si como arquitecto fue una figura clave del Barroco, como escultor es el máximo representante de Europa de esta época (como arquitecto recordamos que realizó la columnata de San Pedro o el Baldaquino entre otras obras)
Se formó en Roma donde fue influido por la escultura de Miguel Ángel. Fue un artista de gran éxito y trabajó al servicio de los papas y la nobleza italiana.
Características (Las indicadas más arriba)
Exalta en su obra el movimiento captado en un instante fugaz Composiciones en diagonal o en aspa
Busca efectos teatrales
Obtiene del mármol diferentes texturas y calidades Trabajó el mármol de Carrara.
En su éoca juvenil realizó obras mitológicas par la familia Borguese de la nobleza italiana: Apolo y Dafne
Grupo escultórico en mármol basado en el mito de Apolo y Dafne extraído de las Metamorfosis de Ovidio(s.I). Bernini elige el momento final de la persecución , (Dafne huye porque no quiere ser seducida por el dios) cuando al abrazar el dios Apolo a la ninfa Dafne sus brazos se convierten en laurel y se transforma en árbol.
La composición muestra una diagonal muy pronunciada desde la mano derecha de Dafne hasta el pie izquierdo de Apolo .La posición de las piernas de Apolo, el ropaje y el cabello indican la captación de un momento fugaz en movimiento.
Contrasta la idealización de los cuerpos clásicos, con la captación del movimiento y el realismo en la expresión de los rostros: Dafne se vuelve asustada al notar la presión de la mano de Apolo pero aún no se ha dado cuenta de que se está transformando en laurel. En
cambio el rostro de Apolo sí muestra asombro porque él sí está viendo la transformación. La emoción del rostro de Dafne se subraya con recursos como la boca entreabierta y los ojos ligeramente hundidos.
Hay distinto tratamiento de las calidades como el pulido de la piel que permite que la luz resbale dando sensación de suavidad y la forma más rugosa del árbol y las ramas que provoca efectos de claroscuro.
El David
Bernini repitió el tema del personaje bíblico que ya habían representado Donatello y Miguel Ángel.
Frente al David de Donatello, adolescente, orgulloso tras la victoria, y a la escultura de Miguel Ángel, como un atleta clásico inmóvil, concentrado y con la mirada fija, antes del lanzamiento, Bernini lo representa en el momento mismo en que va a lanzar la piedra, el momento fugaz. Abre las piernas para mantener el equilibrio y gira el cuerpo para tener más fuerza en el lanzamiento. Sus músculos están en tensión , la mirada tensa y el ceño fruncido, que dan gran expresividad al personaje.
La composición sigue la línea diagonal( cabeza, pie izquierdo). Recuerda en el giro al Laoconte. La obra ofrece diversos puntos de vista
En la época de madurez realiza San Longinos, el retrato del cardenal Borguese y sobre todo el Extasis de Santa Teresa.
El Éxtasis de Santa Teresa
Representa una fusión entre escultura y arquitectura para lograr un efecto teatral.
El cardenal Cornaro le encargó esta obra que es una de las esculturas fundamentales de la Historia del Arte.
Este grupo escultórico representa un momento de la vida de la santa contado en su biografía: el momento de éxtasis de la santa cuando un ángel le traspasa con un dardo el corazón mientras ella se eleva traspasada de amor por las nubes.
La composición es en aspa. Presenta a la santa suspendida en el espacio sobre un trono de nubes horizontales y superficies rugosas. El hábito de la santa con sus grandes plegados no acusa las formas del cuerpo. Sólo podemos ver un pequeño pie, una mano y el rostro con los ojos cerrados y la boca entreabierta.
En contraste con la santa desfallecida la fina túnica del ángel se ciñe al cuerpo. La calidad de su túnica es diferente a los amplios pliegues de la santa. Su rostro está lleno de vida y de alegría. Tiene en la mano un dardo y las alas desplegadas.
Las dos figuras parecen volar bajo las nubes y están iluminadas por los rayos del sol de bronce que caen desde una ventana por donde entra la luz
Hay un fuerte contraste entre la zona superior iluminada y la inferior en oscuridad que aumenta la sensación de que las figuras están suspendidas en el aire.
El efecto teatral de la escena se acentúa porque la capilla se convierte en escenario de esta obra decorada con bronces, mármoles e incluso Bernini representó ala familia Cornaro contemplando el milagro desde los palcos laterales.
Técnicamente destaca la captación momento del éxtasis, el diferente tratamiento de los cuerpos, las telas y el acabado rugoso de las nubes. Los fuertes contrastes de luces y sombras que se consiguen al incidir la luz en los entrantes y salientes de la escultura. El monumento funerario del papa Urbano VIII
San Longinos
Los ángeles del puente de Santángelo
Hace la Fuente de los Cuatro ríos con elementos paisajísticos
En la última etapa de su vida sufrió una crisis similar a la de Donatello o Miguel Ángel ante la desesperanza de la cercanía de la muerte. Es una época de fuerte expresividad . A esta época pertenecen La Beata Albertoni donde repite el desmayo místico, y la tumba de Alejandro VII.
LA PINTURA BARROCA EN EUROPA
Recordamos el contexto histórico en el que se desarrolla la pintura barroca Características de la pintura barroca son:
- Afán de movimiento que se consigue con una serie de recursos: diagonales, posiciones en escorzo, formas inestables, retorcidas.
- Responde a un nuevo concepto estético. Frente al idealismo renacentista se caracteriza por su realismo.
- Predominio del color sobre el dibujo: las formas se obtienen con manchas de colores. - Papel fundamental de la luz a base de contrastes violentos de luces y sombras. La
luz destaca los elementos más importantes y deja otros en la oscuridad. Tiene su origen en el “tenebrismo” de Caravaggio.
- Composiciones asimétricas, complicadas. - Gusto por lo efectista y teatral.
En cuanto a los temas:
- Se acerca a la vida en todos sus aspectos: dolor, fealdad, vejez, totalmente diferente al idealismo renacentista (dioses, Venus, rostros bellos etc)
- Continúa la temática religiosa al servicio de la iglesia y la Contrarreforma en los países católicos.
- Se desarrolla la pintura de género aproximada a la vida cotidiana (escenas sencillas de interiores), sobre todo en la Europa protestante.
- El paisaje adquiere cada vez más importancia. - Adquiere mucha importancia el retrato.
- Se pintan bodegones ( aparecen flores, cacharros, animales muertos, también se llaman .naturalezas muertas)
ITALIA
En Italia la pintura presenta una doble vertiente: el clasicismo de los Hermanos Carraci y el naturalismo tenebrista de Caravaggio, que marcan la pintura barroca europea.
Los Hermanos Caracci
Son tres hermanos que crean una escuela de pintura en Bolonia. Consideraban el dibujo elemento prioritario. Su método era adoptar de cada uno de los artistas algunas de sus cualidades más representativas, así se inspiran en el dibujo de Miguel Ángel y en el color de los pintores venecianos.
Pintaron grandes frescos y bóvedas inspiradas en temas clásicos cuidando el equilibrio compositivo, la claridad del dibujo, y el uso del color.
De la familia, el más conocido es Aníbal Carracci que trabajó en Roma en la Villa Farnesio, cuyas galerías decoró con una serie de frescos inspirados en la mitología grecolatina . Inspirado en la Capilla Sixtina divide el espacio en elementos arquitectónicos. Desarrolla escenas del triunfo del amor entre dioses y héroes. La escena más importante es la que representa a Baco y Ariadna, dos personajes mitológicos, subidos en un carro tirados por leopardos y otros animales. Están rodeados por un cortejo nupcial.
Resume las claves del clasicismo: estilo solemne, inspirado en modelos antiguos, canon de belleza, dibujo apretado, colores brillantes, luz potente, movimiento inspirado en Miguel Ángel. Estos frescos tuvieron gran influencia en la pintura decorativa del siglo XVII e influyeron en pintores europeos como por ejemplo Rubens.
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Caravaggio
Es el máximo representante de la pintura barroca italiana .Es el creador del tenebrismo, técnica que va a influir en toda la pintura del barroco.
Sus dos características fundamentales son el tenebrismo y el naturalismo.
Fue el mayor maestro del Tenebrismo: ciertas partes o motivos de sus cuadros son iluminados por una intensa luz, mientras que los fondos y otras partes quedan sumidos en una profunda oscuridad. A veces la luz crea un foco luminoso que viene desde arriba y cruza la escena en diagonal.
Naturalismo: su pintura representa la máxima expresión del realismo en los personajes. Se acerca a la realidad de forma casi brutal. Los modelos de sus cuadros son tipos vulgares de la calle: mendigos, hombres y mujeres de origen humilde, lo que era difícil de admitir por los partidarios del clasicismo.
Otras características: Emplea composiciones en diagonal, escorzos. Introduce en sus cuadros bodegones (se consideraba una curiosidad venida de los pintores del
Norte europeo) Colores cálidos
Dejó huella evidente en los principales pintores de la época: Rembrandt, Velázquez o Ribera.
.De la época juvenil en Roma nos quedan cuadros pequeños en los que refleja el ambiente de los bajos fondos (vendía los cuadros en mercadillos ambulantes).Pinta pintura mitológica y bodegones de flores y frutas
La Buenaventura
Baco, dios del vino con la apariencia de un joven lánguido de formas blandas y afeminadas. En actitud típica del barroco trata de implicar al espectador ofreciéndole una copa de vino.
Los personajes, de medio cuerpo sobre nítidos fondos sin perspectiva. La luz crea los volúmenes pero todavía no aparece el tenebrismo.
En la cesta de frutas se trata de un bodegón que él cultiva solo o que forma parte del cuadro. En la época de madurez aparece el tenebrismo. Realiza obras de tipo religioso.
En La cena de Emaús aparece Jesús acompañado de sus discípulos en torno a una mesa. Incorpora el bodegón. Ilumina la escena con una especie de luz de sótano. La composición es en diagonal. Muestra los gestos y la teatralidad característicos del barroco. Jesús levanta la mano mientras los otros están sorprendidos. Los colores son cálidos. Contrasta el color de la túnica de Jesús con el blanco del mantel.
La Crucifixión de San Pedro. Presenta una composición en aspa. Una diagonal va desde la mano del sayón y la cuerda y la otra desde el sayón que sujeta la cruz hasta el extremo del madero. Los cuerpos están en escorzo y una luz tenebrista ilumina el cuerpo de San Pedro. Los personajes son muy reales. Hay naturalismo en el rostro, las canas, las arrugas del vientre de San Pedro.Los pies sucios del sayon. El cuadro transmite la tensión del momento. La conversión de San Pablo. (Recoge el pasaje de los Hechos de los Apóstoles que relata como San Pablo enemigo de los cristianos iba a caballo hasta que un rayo divino le tiró al suelo y lo hizo cambiar)
Aparece San Pablo tumbado en el suelo en escorzo al igual que el caballo. Hay líneas diagonales marcadas. Una luz muy intensa destaca las figuras y hay un personaje que se abre paso en la penumbra. Hay un predominio de colores cálidos que contrastan con el blanco del caballo.
*El cuadro más importante de esta época es la Vocación de San Mateo. La escena se desarrolla en una especie de taberna: Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación de impuestos vestidos con túnicas.
El tema principal no es Cristo, que queda desplazado, sino una mesa de juego alrededor de la cual se amontonan cinco personajes vestidos como pajes de época barroca y un anciano usurero contando monedas.
Un plano de luz oblicua corta la oscuridad y recae en el apóstol San Mateo. Jesús alarga su mano señalando a San Mateo como si fuera la voz que lo llama. El apóstol se interroga con el dedo en el pecho ante la inesperada llamada como diciendo: ¿soy yo?
El cuadro religioso abandona lo sagrado y aparece una representación vulgar. El papel preponderante lo tiene la luz con un papel simbólico como significando que con Jesús entra la luz. Hay gran realismo en los rostros, vestiduras, monedas, etc.
La muerte de la Virgen o el Tránsito de la Virgen. Representa a la Virgen tumbada en el lecho, muerta y rodeada de los apóstoles. La representación carece por completo de toda idealización religiosa. La propia Virgen es una mujer vulgar, pálida, con el vientre y los pies
hinchados. Se ha visto como símbolo de la maternidad universal pero también circuló la leyenda de que había tomado como modelo a una mujer ahogada en el río Tíber.
La luz penetra por la ventana de la izquierda y sigue una línea diagonal hasta iluminar el cuerpo de la Virgen y de una mujer que llora inclinada hacia ella. Los tonos son cálidos: rojos, ocres. El cuadro creó una profunda polémica. Los frailes que lo encargaron no lo quisieron y al final lo compró Rubens.
LA PINTURA EN LOS PAÍSES BAJOS: BÉLGICA Y HOLANDA Contexto histórico
Los Países Bajos, que habían pertenecido al imperio de Carlos V quedaron divididos en dos entidades políticas:
Las provincias del norte (actual Holanda), de población protestante se sublevaron contra Felipe II y se independizaron de la monarquía española.
Los territorios del sur:Flandes (actual Bélgica) católica, permaneció unido a la corona española y a la iglesia católica.
Así se establecieron dos estados opuestos: uno republicano, burgués y democrático, en Holanda, y otro monárquico, aristocrático y católico en Flandes.
Diferencias en la pintura de Flandes y Holanda
Las fuertes diferencias políticas, sociales, económicas y religiosas se reflejaron en la pintura: En Flandes, de población católica, se hacen cuadros religiosos de gran tamaño que sirven de propaganda de la Contrarreforma. También se hacen cuadros mitológicos.
En Holanda, protestantes, son escasos los cuadros religiosos, (la doctrina protestante prohíbe imágenes en las iglesias) y se hacen cuadros de pequeño tamaño para decorar las viviendas y para ser contemplados en la intimidad del hogar: escenas costumbristas, caseras, paisajes, bodegones ,retratos de grupo.
Dentro del retrato también hay diferencias: en Flandes predomina el retrato individual que resalta el rango social de la persona propio de una sociedad aristocrática. En Holanda se prefieren retratos de grupo de carácter corporativo en plano de igualdad propio de una sociedad no aristocrática y burguesa.
En el bodegón, los flamencos presentan ricas vajillas, mesas repletas de comida, mientras que los bodegones holandeses son más austeros respondiendo a criterios puritanos más sencillos. ESCUELA FLAMENCA
La máxima figura de la Escuela Flamenca es Pedro Pablo Rubens.(1567-1640) Es creador de una pintura llena de alegría y optimismo que se aleja del naturalismo de
Caravaggio. Creó un estilo personal, lleno de vida, de formas desbordantes, exageradas y de brillante colorido.
Su obra refleja una sociedad acostumbrada a los placeres como era la sociedad de Amberes, donde vivió.
Fue un hombre de mucho éxito: apuesto, inteligente, culto, católico. Se casó dos veces y le sirven de modelos sus esposas: Isabel Brant y Elena Fourment
Su obra fue muy fecunda. Creó un taller de más de 100 discípulos y abordó todas las técnicas: oleos, frescos, cartones, ilustraciones para libros.
Recibió influencias: De Leonardoy Rafael en la composición de sus obras De los venecianos tomó el color
De Miguel Ängel, la grandiosidad De la tradición flamenca, el realismo Destacamos en su estilo:
- Escenas llenas de movimiento y dinamismo
- Composiciones abiertas con predominio de diagonales
- Primacía del color: colores cálidos, brillantes, con pinceladas sueltas - Luz difusa que envuelve sus escenas
- Predilección por el desnudo femenino y formas gruesas, blandas en sus mujeres inspiradas en Tiziano.
- En sus personajes no ahondó en los estudios psicológicos de las figuras. Sus obras podemos dividirlas según su temática en:
Retratos:
Retrato del Duque de Lerma: un retrato ecuestre en un escenario de nubes tormentosas que muestra la influencia de Tiziano, si bien presenta más dinamismo (escorzo, movimiento de la cola del caballo)
Retrato de María de Medicis, reina de Francia, casada con Enrique VIII. Es una figura elegante de carnes nacaradas que contrastan con sus negras vestiduras. La luz destaca rostro y manos. Refleja la transparencia de los puños con sus pinceladas.
Mujer con sombrero: Aparece sedente y mira la frente, con pelo rizado y adornos de plumas en el pelo. Aplica el color creando transparencias
Autorretrato con su segunda esposa: Isabel Brant Obras mitológicas:
Siempre incluyen desnudos femeninos que están tratados con profundo realismo y según el ideal femenino de la época muy alejado del gusto actual.
*Las Tres Gracias. Repite el tema de Botticelli y Rafael. Son tres figuras enérgicas de carnes blandas, nacaradas, que, enlazadas, inician un paso de baile. La luz es intensa e ilumina la escena desde la izquierda y acentúa la sensualidad de los cuerpos, de formas gruesas y líneas onduladas. Una de ellas parece ser su mujer: Elena Fourment. Al fondo hay un paisaje idílico quedando enmarcada la escena por una guirnalda de flores y la rama de un árbol.
El rapto de las hijas de Leucipo: movimiento, sensualidad, diagonales, colorido, contraste entre la piel nacarada característica de las mujeres y el color más tostado de los hombres
*La Venus del Espejo, donde la Venus se mira en el espejo sostenido por Cupido.Velazquez repetirá este tema
Temas costumbristas:
El jardín del amor. Representa una fiesta que es una alegoría del amor llana de vida y colorido. Aparecen parejas de gente elegante, frívolas. A la derecha la diosa Juno, protectora del
Obras religiosas:
Trípticos de la Elevación de la cruz y del Descendimiento. Están entendidas como obras cortesanas con vestiduras de la época. Aparecen Muchos personajes. Siguen una composición diagonal barroca con influencia de Caravaggio, también en la luz, los colores cálidos.
La adoración de los reyes destaca por su riqueza y colorido .La composición forma una gran diagonal desde el niño a la parte superior derecha. La Virgen y el niño aparecen muy iluminados lo que nos atrae la atención. El colorido y la grandiosidad recuerdan la pintura italiana de Veronés pero el dinamismo que tiene la obra es propio de Rubens.
Temas históricos:
Glorificación de María de Médicis, grandes lienzos dedicados da glorificar a María de Médicis como el Desembarco en Marsella donde incorpora la mitología y el desnudo.
Otros miembros de la escuela flamenca, contemporáneos de Rubens son: Jordaens y Van Dyck.
Van Dyck
Fue un retratista muy elegante que trabajó en la corte inglesa.
Retrato ecuestre de de Carlos I de Inglaterra que recuerda a Tiziano .Contraste de fondo: a la izquierda un paisaje cubierto de árboles y a la derecha horizontes y paisajes lejanos. Detalles, colorido, luminosidad.
ESCUELA HOLANDESA
Holanda vivió en esta época, en contraste con la mayoría de Europa, un periodo de gran prosperidad económica basada en el comercio que dio lugar a una burguesía, de religión protestante, cliente del mercado artístico.(ver introducción)
El mayor representante es Rembrandt,(1606-1669) uno de los mayores pintores de todos los tiempos. Perteneció a una familia burguesa. Vivió en Amsterdam que era una ciudad próspera cuyos habitantes s sentían orgullosos de su poderío comercial, de su religión protestante y de su carácter republicano.
Rembrandt vivió como un gran señor en Amsterdam. Se casó con Saskia y a la muerte de su primera mujer tuvo una relación con la niñera Handrikje que fue su compañera el resto de su vida. La relación con una mujer de categoría inferior le supuso el aislamiento de la sociedad puritana en la que vivía.
Es uno de los grandes creadores del claroscuro con influencia de Caravaggio pero se diferencia de él porque no tiene contrastes violentos sino sombras graduadas, penumbras que crean ambientes llenos de misterio. La luz parece irradiar de los personajes.
El color es aplicado en gruesas manchas y pinceladas sueltas.
Es uno de los grandes retratistas de todos los tiempos. Sus retratos se caracterizan por la profunda penetración psicológica de los personajes
Retratos individuales:
Autorretrato: resume sus características: penetración psicológica, pinceladas sueltas, luces y sombras graduadas que crean un ambiente de penumbra.(mas de cuarenta)
Retrato de Saskia con sombrero donde la luz parece emanar de la propia figura. Retratos de grupo
Los pinta por encargo de los diferentes gremios para decorar sus sedes. **Lección de anatomía del Dr.Tulp
(Comentario de la obra).
Cuadro, pintado al óleo sobre lienzo. Pertenece a la pintura holandesa, Época barroca siglo XVII. Es el primer retrato de grupo que realiza Rembrandt por encargo del gremio de cirujanos de Amsterdam. Recoge el momento en que el doctor Tulp ante un cadáver diseccionado sobre una mesa, explica a siete estudiantes el funcionamiento de los tendones del brazo.
La composición es piramidal en torno al cadáver que está en posición de escorzo sobre una mesa.
El doctor explica mientras los estudiantes presentan diversas actitudes, unos siguen la lección con atención y otros están más distantes. Hay una captación psicológica individual de los retratados. Uno de los alumnos sostiene un folio con el nombre de todos.
El color dominante es el negro que contrasta con el blanco de las golas o cuellos que enmarcan los rostros de los personajes. Aparece una mancha de rojo: la sangre del brazo que está siendo diseccionado.
Es importante el claroscuro que se crea con la luz que entra por la izquierda e ilumina los rostros y la que parece emitir el cuerpo del cadáver, y la penumbra en la que se recortan los personajes.
Si tuviera que analizar esta obra, después del análisis formal (arriba) hablaría de las características de la pintura de Rembrandt: creador del claroscuro, con influencia de Caravaggio pero sin sus violentos contrastes…, la luz parece irradiar de los personajes y crea ambientes de penumbra. Aplica el color con pinceladas sueltas, magnífico retratista, que capta la psicología de los representados…(ver apuntes)
A continuación diría que esta obra pertenece a la serie de retratos de grupo que realizó Rembrandt y nombraría otros retratos de grupo que realizó como Los síndicos del gremio de los Pañeros y la Ronda de Noche.
Nombraría algunas de las características de la pintura barroca europea en general (ver
introducción a la pintura barroca): Naturalismo, afán de movimiento, papel fundamental de la luz, predominio del color, composiciones complicadas…, para centrarme luego en las características de la pintura holandesa
Pasaría a hablar del marco histórico: El Barroco nace en Italia, en parte como expresión del espíritu de la Contrarreforma, como instrumento de propaganda ,pero rápidamente se extendió por toda Europa, incluyendo los Países Bajos.
La división de los países Bajos en dos zonas diferenciadas desde el punto de vista político y religioso en esta época que dará lugar a dos concepciones diferentes del arte: Flandes católico
y aristocrático desarrolla una pintura religiosa, mitológica, y retratos individuales.
Holanda, protestante, republicana, burguesa, desarrolla una pintura de pequeño tamaño, y retratos de grupo de carácter corporativo, como es La lección de anatomía.
Terminaría nombrando a otros pintores de la escuela holandesa como Frans Hals y Vermeer. Los Síndicos del Gremio de los Pañeros. Representan un grupo de contables que entorno a una mesa examinan los libros de cuentas. Presenta las mismas características que el cuadro anterior con unos retratos bien diferenciados.
La Ronda de Noche. Una de sus obras maestras. Recibe este nombre ya que para algunos representa un retrato de grupo en el momento de vigilancia por las murallas de
Amsterdam. Para otros representa el momento en que se ponen en marcha las tropas para defender la independencia de Holanda.
Aparece en el centro el Capitán Cou, vestido de negro y con banda roja que da la orden de ponerse en marcha a a su lugarteniente. Están rodeados por el resto de la guardia y los espectadores que contemplan la escena.
La acción principal se descompone en múltiples acciones aisladas, como si fuera una impresión fotográfica.
Destaca el tratamiento de la luz que emana de los cuerpos y los resalta y los envuelve en una atmósfera misteriosa.
Hay una figura de una niña que aparece de pronto y tiene un aspecto fantasmal.(Sus rasgos recuerdan los de su mujer, Saskia, muerta ese año) Lleva un gallo, símbolo de la Compañía. Predominan los tonos ocres, los brillos de las armaduras, blancos, brillos de la niña. El color se aplica con pinceladas sueltas.
El efecto del movimiento del grupo se ha conseguido mediante las actitudes y gestos de los personajes.
Este cuadro fue un encargo para decorar la sede de la compañía. Al principio no fue del agrado de los clientes, pero después se ha convertido en la obra más representativa de Rembrandt. Obras religiosas
La Cena de Emaús. Penumbras, sombras y luces que invaden la escena. El descendimiento
Al final de su vida tiene una crisis personal que derivó hacia una pintura de fuerte realismo y fuerza expresiva.
Otras obras
El buey abierto en canal. Ya al final de su vida. Pincelada suelta , fuerte realismo Otros autores de la escuela holandesa son:
Frans Hals, el pintor “de la sonrisa” de la alegría: el alegre bebedor, la gitanilla Vermeer
Es un maravilloso pintor de interiores. Refleja en su obra la vida cotidiana de la sociedad holandesa, con cuadros llenos de intimidad. Luz clara, gama cromática rica,
BARROCO ESPAÑOL
Contexto histórico del barroco
El Barroco es un movimiento artístico y cultural que nace en Italia y que se extiende por Europa durante el siglo XVII.
El nombre Barroco en portugués significa perla imperfecta o perla irregular. Este término fue utilizado por los neoclásicos (s XIX) para referirse a este arte de manera despectiva.
Hoy día se reivindica el Barroco como un estilo artístico que surge cuando las posibilidades expresivas del Renacimiento se agotan y se buscan nuevas formas de expresión artística que ya se habrían iniciado en el Manierismo.
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Contexto histórico del barroco español
En el siglo XVII la monarquía hispana pasó de de un inmenso imperio territorial a una situación de decadencia y ruina. La crisis de la economía, el descenso de la población y las derrotas militares pusieron fin a la hegemonía española en Europa.
Sin embargo, el periodo del Barroco en España se considera el “siglo de Oro de las letras y las artes” por la gran cantidad de artistas y escritores de talla universal que coinciden en una España en plena decadencia.(Velázquez, Zurbarán, Murillo)
La España del siglo XVII está fuertemente influenciada por la Contrarreforma..
Esto va a determinar un arte predominantemente religioso que se va a utilizar como propaganda de la nueva Iglesia renovada tras el Concilio de Trento y al servicio de la monarquía.
Se quieren mostrar con el lujo y la decoración el poder de la iglesia católica triunfante…
Frente al equilibrio, serenidad y sobriedad del Renacimiento clásico, el Barroco defiende el dinamismo, el movimiento, los contrastes. Se crea un arte, en arquitectura, pintura y escultura, que llama a los sentidos del espectador.
En arquitectura se utilizan materiales pobres debido a la realidad histórica de España si bien se enmascaran bajo la decoración desbordante
Los temas religiosos en pintura y escultura son tratados con acentuado realismo para fomentar la devoción popular .
El barroco español presenta gran variedad: cada autor presenta su propio estilo y cada región sus rasgos.
ARQUITECTURA
La escasez de medios económicos de España hace que los materiales utilizados sean materiales pobres como el ladrillo o la piedra, y sobre ellos se pone una decoración desbordante. Influyen las ideas religiosas que quieren mostrar con el lujo y la decoración el poder de la iglesia católica triunfante…
La planta de las iglesias siguen el esquema de la planta diseñada por Vignola en la Iglesia del Jesús de Roma (planta rectangular, una sola nave , capillas laterales, gran cúpula sobre el crucero). Esta estructura se aleja de los modelos italianos, de los edificios llenos de movimiento
de Bernini y Borromini, de los muros alabeados y del predominio de las plantas centrales, que sólo aparecen en determinadas ocasiones.
En esta etapa las ciudades españolas comienzan a urbanizar un espacio muy importante en las ciudades: la plaza mayor, centro de las actividades cívicas: fiestas populares, corridas, autos de fe, etc.
Evolución:
Primera mitad del siglo XVII: sobriedad de influencia escurialense. Principalmente en Castilla. Convento de la Encarnación en Madrid de José de Mora, se subraya mucho la verticalidad: en la parte inferior hay tres arcos y Lugo se suceden dos ventanas adinteladas y finalmente una que dan este sentido ascendente Pilastras, frontón.
(Crescenci, autor del Panteón del Escorial de planta central con decoración en bronce y mármoles de colores.
Carbonell, realiza el Palacio de Santa Cruz, actual Ministerio de Asuntos Exteriores donde utiliza ladrillos y pináculos.)
la Plaza Mayor de Madrid realizada por Gómez de Mora,
2ª mitad del siglo XVII, primera mitad del siglo XVIII. Es la época de plenitud del barroco. La sencillez anterior deja paso a una decoración exuberante(deslumbrante) tanto en el interior como en el exterior. En el interior las iglesias se cubren de yeserías, retablos dorados, espejos, un auténtico horror vacui. En el exterior las portadas exageran la decoración..
El panorama general tiene tres focos: Castilla: familia Churriguera en Salamanca Narciso Tomé en Toledo Pedro Ribera en Madrid Andalucía: Familia Figueroa en Sevilla Alonso Cano en Granada. Murcia: Jaime Bort
Galicia: Casas Novoa. Castilla
Destaca la Familia Churriguera, madrileños que trabajaron mucho en Salamanca. Crearon un estilo de desbordante decoración llamado el estilo “Churrigueresco”, donde se emplean los elementos arquitectónicos con extraordinaria libertad. Se exalta el movimiento y la decoración “horror vacui”
*Benito Churriguera es el autor del retablo de San Esteban en Salamanca. Marca el modelo de retablo barroco donde establece una síntesis entre elementos arquitectónicos, escultura y pintura. Realizado en madera tallada y dorada.
El conjunto está dividido en tres cuerpos divididos por cornisas que le dan gran sensación de inestabilidad y movimiento.
El cuerpo central tiene en el centro un tabernáculo muy barroco (exaltación de la Eucaristía ( tema muy barroco siguiendo las instrucciones el Concilio e Trento) con una pintura en su interior.
Está flanqueado por columnas salomónicas. Entre las columnas a ambos lados hay hornacinas que albergan esculturas. La decoración vegetal envuelve los fustes.
El cuerpo superior llamado también ático termina en un gran arco de medio punto adaptado a la bóveda. Este tipo de retablo se extenderá por muchas iglesias españolas y latinoaméricanas De esta época es la Plaza Mayor e Salamanca. (En el cuerpo inferior hay soportales de arcos de medio punto con medallones a los lados. Quedan separadas tres plantas subrayando la horizontalidad. Hay una balaustrada con pináculos. La decoración aumenta en la fachada principal.)
NarcisoTomé. Creador del Transparente de la catedral de Toledo, combinación de elementos .arquitectónicos con escultura y pintura. Creando un extraordinario efecto escenográfico. Situado detrás del altar mayor, rompe la bóveda y deja penetrar la luz que ilumina el conjunto. Es una exaltación de la Eucaristía.
*Pedro Ribera sigue a Churriguera . Realiza la Fachada del Hospicio de Madrid que forma un auténtico retablo pétreo. Es un ejemplo de decoración barroca llena de movimiento.
(La fachada está dividida por dos cuerpos, separados por una cornisa que sigue una línea quebrada que imprime movimiento.
El cuerpo inferior presenta en el centro una puerta con un arco rebajado decorado con filigrana, encaje de piedra que cubre el arco y los lados. Aparecen los estípites barrocos que dan gran sensación de inestabilidad, óculos en las enjutas del arco y abundante decoración.
En el cuerpo superior, una gran hornacina central y dos ventanas laterales a modo de medallones con un marco muy decorado.
El conjunto está rematado por un gran frontón con ventana en forma de óculo que se apoya sobre otro frontón partido que sobresale de la cornisa del edificio.)
Andalucía Sevilla
La Familia Figueroa son los autores del Palacio de San Telmo, en que se combina ladrillo con la piedra en la gran portada. Combina arquitectura y escultura.
*Granada
Alonso Cano. Realiza la fachada de la catedral de Granada. Es una fachada bastante clásica que recuerda un arco de triunfo romano. Está dividida en tres calles y en dos niveles en sentido horizontal , separados por una cornisa en movimiento. Hay pilastras, óculos, combinación de escultura y arquitectura, claroscuro
A Hurtado Izquierdo se debe la sacristía de la Cartuja de Granada, cubierta de yeserías con una cúpula en el centro y un retablo barroco con columnas salomónicas.
Otras importantes iglesias barrocas son el Sagrario de la Catedral de Granada o San Juan de Dios.
En Andalucía hay que destacar la Catedral de Cádiz que en su fachada tiene influencia de las iglesias en movimiento de Borromini.
Murcia
*Catedral de Jaime Bort
Presenta una fachada de gran riqueza decorativa. El movimiento lo imprimen los salientes y entrantes del conjunto.
Presenta dos cuerpos separados por un entablamento con líneas rectas y cóncavas y balaustradas a los lados. La parte central de la portada tiene una puerta ricamente decorada y un vano en el 2º cuerpo, también muy decorado. Ambos vanos se inscriben en una exedra flanqueada por columnas pareadas salientes en cuyo interior hay esculturas. Dos pequeños aletones dan paso a una especie de frontón con partes cóncavas y convexas que contribuyen al sentido ascendente y al movimiento del conjunto
. Galicia
*Destaca la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Casas y Novoa que cubre el pórtico de Santiago e integra el edificio en la estructura urbanística de la ciudad mediante una escalinata barroca que da entrada desde la plaza del Obradoiro a la catedral.
Es el ejemplo más significativo del barroco español. Decoración y movimiento El diseño de la fachada es piramidal y enmarcado por dos torres. Está dividida en dos cuerpos, separados por una línea quebrada y articulados los dos pisos por columnas adosadas que se prolongan en dos niveles. El sentido ascendente nos recuerda el gótico. Presenta columnas adosadas, pilastras, hornacinas. línea quebrada , balaustradas,
En la primera mitad del siglo XVIII, con la llegada de los Borbones se construyen grandes palacios inspirados en el estilo de Versalles. Son palacios transición del barroco al clasicismo y que realizan arquitectos italianos traídos por los Borbones:
El Palacio de la Granja en Aranjuez de Juvara y el Palacio Real de Madrid de Juvara y Sachetti.
ESCULTURA BARROCA EN ESPAÑA: LA IMAGINERÍA
La escultura barroca española se desmarca de la italiana y se desarrollará en torno a las imágenes de madera policromada.
Es un arte fuertemente influenciado por la Contrarreforma, predominantemente religioso que se va a utilizar como propaganda de la iglesia y con la intención de conmover el espíritu de los fieles.
En el siglo XVII, mientras el Estado, nobleza y alto clero viven una etapa de decadencia, los monasterios, las parroquias y las cofradías gozan de buena situación económica y se convierten en los principales clientes de la escultura .La piedad popular y las cofradías potenciaron los retablos y adquieren gran importancia las procesiones de Semana Santa con las imágenes como protagonistas.
Los rasgos más significativos de la escultura son: - La casi exclusividad de la temática religiosa
- Objetivo didáctico, lo que lleva a un realismo que trata de convencer a través de los sentidos: la escultura trata de sobrecoger, de conmover, narrando los principales acontecimientos del evangelio y creando temas impactantes: sufrimiento de Cristo en la cruz, Virgen dolorosa, escenas de la pasión.
- Utilización de la madera policromada como material fundamental.
- Esta escultura tiene su forma de expresión en los retablos, donde generalmente aparece exenta, acompañado al elemento arquitectónico, y en las imágenes de carácter procesional.
- Se potencia la expresión y el realismo con efectos teatrales: conjuntos escenográficos, gestos, incluso se recurre a elementos postizos como añadir pelo natural, ojos de cristal, lágrimas de cristal.
- En muchas obras se utiliza el estofado Escuelas:
Las más importantes son la escuela castellana con foco en Valladolid y la escuela andaluza con foco en Sevilla y Granada.
Ambas escuelas tiene en común el realismo,
- Mientras en la escultura castellana el realismo es violento, estremecedor.
- La escultura andaluza busca más los ideales de belleza clásica: Vírgenes adolescentes de gran belleza (Inmaculadas), Cristos de perfectas proporciones donde se evita la sangre. Hay un gusto por los adornos y lo aparente. Esto explica que haya imágenes de vestir en las que sólo se ha tallado el rostro y las manos y se cubren de mantos y túnicas muy adornados.
Escuela castellana Principal foco Valladolid
Gregorio Fernández (o Hernández)
En su obra refleja el fervor religioso de la sociedad. Interpreta la realidad de manera muy directa sin detenerse ante el dolor y la muerte. Realiza desnudos y los paños de pureza que los cubren tienen grandes pliegues que crean efectos de claroscuro que recuerdan a Bernini o sus antecesores, Berruguete y Juan de Juni. Sus rostros tienen una profunda expresividad. Realizó una amplia serie de Cristos yacentes como tema único con un modelado y estudio anatómico perfectos. En sus rostros de ojos y bocas entreabiertos se ven los signos externos del sufrimiento, en el cuerpo las heridas sangrantes en manos, llaga del costado ,rodillas amoratadas, lividez cadavérica, que nos lleva al patetismo de la escuela castellana
Serie de Cristos crucificados, ya muertos de tres clavos que llaman la atención del espectador moviéndolos al dolor sobre la muerte de Cristo.
Cristo atado a la columna, viva expresión del dolor.
Crea grupos escultóricos que son pasos de Semana Santa como La Piedad o el Descendimiento
La Piedad. Presenta una composición en diagonal. El cuerpo de Cristo resbala por el sudario. Utiliza la policromía y potencia todos los signos de la muerte.
Escuela andaluza Sevilla
En este tiempo Sevilla es una ciudad próspera, con el monopolio del comercio con América. Gran actividad económica en torno al puerto que potencia una burguesía rica de comerciantes. Hay una gran actividad económica y artística
Martínez Montañéz
Fue un gran imaginero que gozó de gran prestigio. Combina en su obra el idealismo clásico con el realismo barroco. Su modelado es perfecto. Trata de llegar al alma del espectador. Los paños rodean los cuerpos transmitiéndoles grandiosidad.
Realizó retablos e imágenes de gran divulgación en España y América. Es creador de modelos: Niño Jesús, Inmaculadas.
Entre sus obras hay una serie de crucificados, entre ellos:
*El Cristo de la Clemencia que marca el modelo andaluz: Cristo de cuatro clavos, poco dramático, casi sin sangre y a punto de morir. Inclina la cabeza buscando comunicación con el fiel que se aproxima a sus pies. El paño de pureza presenta los pliegues muy amplios y marcados.
*Inmaculada de la Catedral de Sevilla. Representa a una Virgen adolescente que une las manos en actitud de oración e inclina el rostro. Está envuelta en un gran manto. Sigue una linea trapezoidal y se apoya sobre una peana de ángeles. Se utiliza la policromía y el estofado. Es uno de los temas preferidos en la escultura y también en la pintura.
Niños Jesús, tiernos, muy cercanos. (Juan de Mesa
Fue discípulo de Martínez Montañés, pero mucho más dramático. Se aproxima al dramatismo de Castilla. Lo llamaban el imaginero del dolor.
Cristo de la Agonía
Cristo del Gran Poder, donde crea la imagen de Jesús Nazareno con la cruz a cuestas. Cristo está dando un paso. Hay gran realismo en el rostro y las manos. Es un imagen de candelero, solo talla la cabeza y manos y se cubre de una rica túnica.)
Granada
*Alonso Cano (1601-1667)
Fue un hombre polifacético, más hombre del Renacimiento que del barroco en ese sentido. Fue escultor, pintor y arquitecto. Se formó en Sevilla donde estudió en el taller de Pacheco con Velázquez, estudió escultura con Martínez Montañés. Pasó una época en Madrid donde vivió bajo la protección del Conde Duque de Olivares…
Su carácter violento le llevó a mezclarse con una serie de situaciones comprometidas y para huir de la justicia llegó a Granada donde entró a formar parte del Cabildo de la Catedral.
Su obra contrasta con su carácter ya que se haya más cerca del idealismo renacentista que del realismo barroco. En sus figuras no utiliza el estofado y manejó con gran maestría el color. *La Virgen de la Oliva: pertenece a un retablo de Lebrija (Sevilla).Talla en madera policromada. Esta Virgen aparece como una Madonna con el niño en brazos. Tiene un esquema oval. La Vírgen tiene un rostro dulce y se recoge el manto a los pies.
*La Inmaculada. Es una imagen de pequeño tamaño policromada que representa una Virgen adolescente, con el rostro en forma oval e inclinado y de una gran belleza. Su rostro mira hacia la izquierda mientras las manos juntas miran hacia la derecha. Su expresión es de un ángel. El manto es de un azul intenso, recogido a los pies y descansa sobre una peana de ángeles. Su
composición oval, como una llama contribuye a crear la sensación de espiritualidad que transmite. Actualmente se expone en la sacristía de la Catedral de Granada.
Bustos de Adan y Eva. Son dos tondos en el presbiterio al lado del altar mayor que muestran gran serenidad y dulzura.
*La Virgen de Belén, muy pequeña, sedente, con el Niño en brazos. Tiene un rostro ovalado, dulce. Se recoge el mantote azul intenso en los pies.
Niño Jesús de la Pasión
Tiene otras imágenes de gran tamaño como San José o San Diego de Alcalá *Pedro de Mena.
Fue discípulo de Alonso Cano. Trabajó en Granada y en la catedral Málaga. Es autor de *La Magdalena Penitente que presenta a María Magdalena envuelta en una túnica de palma para no distraer la atención. El rostro está contraído por el dolor y el arrepentimiento. La expresión de dolor está potenciada por el gesto de la mano derecha sobre el pecho y la mirada fija en el crucifijo que sostiene en la mano izquierda. Tiene los pies desnudos símbolo de penitencia. San Francisco de Asís responde a los mismos criterios. Trata de centrar la atención en el rostro y la mirada dirigida al cielo lleno de misticismo. El cuerpo se reduce a formas geométricas con una túnica que evita señalar las formas.
*José de Mora Cristo del Silencio *José Risueño: Cristo de los Gitanos
La escuela murciana.
En la primera mitad del siglo XVIII destaca un imaginero:* Salzillo, de origen italiano que presenta unos rasgos muy diferentes a los que hemos visto en las otras escuelas, que serían: Une la sensibilidad italiana: el idealismo, al naturalismo andaluz
El acabado pulido de las pieles que parecen de porcelana. Decora los mantos con brillantes estofados
Sus imágenes son movidas y expresivas.
Realizó pasos de Semana Santa y figuras de Belén. Entre las primeras destaca la Oración del huerto. Destaca el ángel con una belleza idealizada, clásica que dirige su mirada al cielo mientras extiende su brazo.
PINTURA BARROCA ESPAÑOLA
El siglo XVII es considerado el Siglo de Oro de la pintura española , lo que contrasta con una España decadente que va perdiendo prestigio en el contexto histórico de la época. La más poderosa monarquía del siglo anterior queda relegada a un segundo plano en el escenario internacional. Por el contrario, es el siglo de pintores de talla universal como Ribera, Zurbarán, Velazquez y Murillo, que aunque presentan estilos individuales muy distintos, se pueden señalar algunas características generales:
- El profundo realismo.
- El tenebrismo heredado de Caravaggio, cuya técnica incorporan todos los pintores españoles de forma más o menos permanente.
- Continúa la temática religiosa. El principal cliente es la Iglesia ya que los conventos y órdenes religiosas tienen una floreciente situación económica debido a los ingresos de América. Se hacen encargos para decorar iglesias y sacristías.
- A los temas religiosos sigue en importancia: el retrato que destaca la dignidad de los personajes, la mitología, el bodegón y el paisaje. Hay poca pintura de carácter histórico. Escuelas Valenciana. Ribalta Ribera Andaluza. Zurbarán Murillo Alonso cano Valdés Leal… Madrileña. Velázquez
Pintores de corte. Juan Carreño, Claudio Coello…
Durante la primera mitad del siglo triunfa el naturalismo tenebrista y durante la segunda mitad la influencia de Tiziano y Rubens llevan a un Barroco más colorista y lleno de vida.
La técnica empleada es óleo sobre lienzo.
JOSÉ RIBERA (finales del s.XVI, primera mitad del siglo XVII)
Nació en Játiva, Valencia, e inició su formación con el pintor Ribalta quien despertó su interés por el naturalismo y los pintores italianos, especialmente Caravaggio.
A los 24 años se trasladó a Italia donde lo llamaban el “españoleto”. Allí llevó una vida bohemia y pendenciera que le obligó a abandonar Roma y a acogerse al virrey de Nápoles. Allí triunfa y tiene un gran éxito.
Características:
- Naturalismo que le lleva a un realismo brutal. Busca sus modelos entre los marineros del Nápoles y los barrios bajos y los reproduce con fidelidad
- Al principio recurre al tenebrismo. Ennegrece sus obras con alquitrán para obtener fondos oscuros. Golpes de luz.
En su segunda etapa abandona el tenebrismo y crea fondos paisajísticos con luces menos contrastadas.
- gran colorista y dibujante - composiciones en diagonal - figuras corpulentas
- capta el carácter de sus personajes y siente predilección por reflejar la vejez y sus estragos en el cuerpo.
- Obras:
Obras que expresan un profundo realismo:
*El patizambo o el niño cojo. Muestra un profundo realismo Es de su segunda etapa. Sobre un paisaje de horizontes bajos y un cielo de nubes, un mendigo sujeta una muleta que lleva al hombro y con la otra mano Un papel en el que pide limosna. El niño mira al espectador con una sonrisa abierta que demuestra su felicidad a pesar de su pobreza y deformidad.
La mujer barbuda. La realiza en Nápoles, por encargo del virrey. Un tema que impresiona. Una mujer con un trastorno endocrino amamanta a su hijo .Se recorta sobre un fondo oscuro con un golpe de luz que entra por la izquierda. En segundo plano en la izquierda aparece el marido. Arquímides. Grupo de filósofos y sabios griegos tratados como personajes populares. Son figuras de medio cuerpo que se recortan sobre un fondo oscuro con un golpe de luz que ilumina frente, escote, manos y el papel blanco en el que escribe.
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Obras religiosas
*Apóstoles: San Andrés. Golpe de luz sobre fondo oscuro. La luz entra por la izquierda e ilumina parte del cuerpo. Sostiene en la mano izquierda el madero de la cruz. Hay realismo en las arrugas, el pelo canoso, órbitas hundidas, piel pegada a los huesos que deja ver las costillas. Hay tenebrismo, contraste violento de luces y sombras.
*El Martirio de San Bartolomé. Forma parte de la iconografía que dicta la Contrarreforma Muestra el momento en que los verdugos lo alzan para ponerlo en la cruz.
La composición está marcada por la diagonal del cuerpo del santo, donde incide la luz que divide las figuras en dos grupos agrupadas triangularmente. Destaca la musculatura del mártir. Hay tensión en los hombres que levantan el cuerpo. Contraste entre el sufrimiento del santo y la indiferencia de los personajes pasivos que están en la escena. Fondo sin paisaje ni tenebrismo Empleo de colores cálidos. Destaca el rojo de la túnica del hombre, los ocres y el azul del cielo.
Ermitaños
(Temas inspirados en el Antiguo Testamento: el Sueño de Jacob, de gran sencillez. Es un cruce de dos diagonales: el cuerpo de Jacob y el árbol. La figura de Jacob es monumental. Descansa la cabeza en el brazo. No hay tenebrismo: la luz marca la escalera que lo conduce al cielo) Magdalena Penitente: se encuentra ante una cueva, arrodillada, en actitud orante. La composición es en diagonal subrayada por la roca de la entrada de la cueva.
La luz es contrastada, a la izquierda una zona con un paisaje lejano; un cielo de nubes cuya luz ilumina la parte izquierda del rostro, el escote y la mano. Emplea un tenebrismo no muy acusado.
Emplea tonalidades cálidas: el rojo del manto, ocres. Destacan las calidades verdes y azuladas del paisaje.
No hay realismo, es una visión idealizada de la santa.
La Inmaculada: responde a la descripción de San Juan. Es una visión completamente
apoteósica, barroca, de La Inmaculada, lleno de colorido y de luz. Es una virgen adolescente con las manos cruzadas. La cubre un manto azul y está sobre una media luna, nubes y ángeles y envuelta en una luz dorada.
ZURBARÁN:
(Primera mitad S XVII. Pertenece a la escuela sevillana)
Extremeño de nacimiento, se formó en Sevilla y sus clientes fueron conventos extremeños y sevillanos.
Es de la misma generación de Velazquez. Por mediación de éste, pasó un tiempo en la corte, colaborando en la decoración del Palacio Real del Buen Retiro, para el que realizó obras de tema histórico, (como El Socorro de Cádiz, y Los Trabajo de Hércules), pero no consiguió destacar. Regresó a Sevilla. Durante muchos años recibió constantes encargos de diferentes órdenes monásticas y gozó de fama y éxito como pintor de los apacibles ambientes
conventuales, pero al final de su vida vio como declinaba su carrera artística frente al empuje de Murillo. Buscó fortuna en Madrid donde murió olvidado y pobre.
Características:
Pinta casi exclusivamente cuadros encargados por las órdenes religiosas . Su obra es realista.
La composición es simple y sin movimiento. Las figuras aparecen estáticas y yuxtapuestas. Las expresiones son serenas. Transmiten espiritualidad. Hay fuertes contrastes de luces y sombras.
Es pintor de bodegones
Bodegón: su interés por lo cotidiano y humilde le llevó a pintar bodegones. Estos encierran un mensaje de carácter religioso, alusivo a la humildad o a la presencia de Dios en las cosas sencillas. Este bodegón presenta pocos elementos, yuxtapuestos y alineados en paralelo, con un dibujo preciso y resaltado sobre un fondo oscuro. Se aprecian las cualidades materiales de los diferentes objetos ya sean de cerámica o de metal.
*Una de sus obras más famosas es San Hugo en el Refectorio de los Cartujos, que decoraba la Cartuja de Sevilla. Representa la visita de San Hugo a refectorio de los cartujos.
Esta obra reúne todas las características generales de su pintura: realismo, composición simple y sin movimiento, figuras estáticas y yuxtapuestas. La composición presenta tres planos: el primero San Hugo y el paje. En segundo plano la mesa, sobre la que se dispone un bodegón muy simple. En tercer plano, los frailes detrás de la mesa, con la cabeza
inclinada; no parecen prestar atención a los recién llegados. Destaca el blanco de las túnicas y los pliegues del mantel.
La estancia es austera, con paredes lisas, con un cuadro de la Virgen, San Juan y el niño. A la derecha, una puerta deja ver un edificio. Es el único elemento que crea perspectiva, junto con el paisaje del cuadro.
