TEMAS DE HISTORIA DEL ARTE
2º DE BACHILLERATO
Rafael Montes Gutiérrez - Docente
RESUMEN: El objeto de estudio de la Historia del arte es la obra de arte como producto resultante de la creatividad y actuación humana que se expresa con sus propios códigos y enriquece la visión global de la realidad y sus múltiples formas de hacerse manifiesta. La finalidad principal de esta materia, presente en una educación artística vinculada al mundo de las humanidades y para quienes optan por una formación específica en el campo de las artes, consiste en observar, analizar, interpretar, sistematizar y valorar las obras de arte, situándolas en su contexto temporal y espacial. A través de ella se aprende a percibir el arte como un lenguaje con múltiples códigos que permiten comunicar ideas y compartir sensaciones, proporcionando conocimientos específicos para percibir el lenguaje de las formas de las artes plásticas, enriquecido progresivamente con la aportación de otras manifestaciones procedentes de la creación y comunicación visual. Todo ello
contribuye, a su vez, a ampliar la capacidad de “ver” y al desarrollo de la sensibilidad
estética.
[temario, historia del Arte]
ABSTRACT: The object of art history is the artwork as a product of human creativity and human performance is expressed with its own codes and enriches the global vision of reality and its multiple forms become manifest. The main purpose of this issue, which is present in an arts education linked to the world of the humanities and for people who seek an specific training in the field of the arts, is to observe, analyze, interpret, organize and evaluate artworks, placing in their temporal and spatial context. Through it we learn to perceive art as a language with multiple codes that allow communicating ideas and share feelings, providing a specific knowledge to perceive the language of visual art forms, gradually enriched with the contribution of other events from the creation and visual communication. This contributes, in turn, to expand the ability to "see" and the development of aesthetic sensibility.
[list o topics, history Art]
TEMA 1: Teoría y función del arte
CONCEPTO DE ARTE
No resulta nada fácil acertar con una definición válida sobre el arte. Puede valer la siguiente definición un tanto académica e imprecisa, que considera como artística a toda obra humana que tenga como finalidad, la de producir una emoción de tipo estético, es decir, el arte se concibe como la facultad de producir emociones estéticas. No obstante, existen muchas otras definiciones, valga por ejemplo una definición tradicional que considera el arte como la expresión de lo bello, lo cual conduce al estudio de las ideas estéticas a lo largo de la historia, porque el concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia, podemos decir que esta definición alcanza su culminación con las teorías del "arte por el arte". Pero no es menos válida que esta otra definición que considera al arte como el producto de una sociedad tecnológica, precisamente esta definición alcanza su culminación con la integración del arte en el proceso productivo industrial que ha llevado al futurismo, constructivismo... y finalmente a la propia negación del arte por las vanguardias (dadaísmo).
De cualquier forma, todas las definiciones coinciden en introducir tres elementos de manera constante en la definición de arte, y son: el hombre, la civilización y la naturaleza. Todas ellas consideran al hombre como un elemento del arte. El hombre aparece tanto como sujeto activo (creador) y como sujeto pasivo, ya que es el receptor de la obra artística. De entre los seres de la naturaleza, el único creador de arte es el hombre, hasta el punto de que muchos autores han considerado al arte como manifestación innata del ser humano, como algo casi instintivo. De ahí la famosa expresión: No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte.
El otro elemento es la civilización, entendemos por civilización un conjunto de caracteres propios que presenta la vida colectiva de un grupo, y cuyos elementos son: el espacio geográfico; la sociedad; las formas económicas; las formas políticas; y la cultura, en tanto que entendemos el arte como parte de la vida cultural de un grupo podemos decir, que una civilización se caracteriza por desarrollar unas formas artísticas determinadas. Y es que el arte es el resultado más elaborado de la sociedad que lo crea, Platón lo definía como el idioma que todas las naciones pueden comprender. El último elemento es la naturaleza, el hombre no se limita a copiar y reproducir la naturaleza en sus obras artísticas, por el contrario, el hombre crea. El arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza.
ORIGEN DEL ARTE
La aparición del arte (a comienzos del Paleolítico superior) no implica que la humanidad en sus orígenes fuese incapaz de crear arte, sino que necesitó un largo camino hasta adquirir "conciencia creadora". Esto explicaría que su obra, representaciones pictóricas de gran naturalismo en las zonas más profundas de las cuevas, con un carácter de santuario, tuviese una finalidad mágica relacionada con la caza. Así pues, el arte es casi tan antiguo como el hombre, en la medida en que es una particular forma de trabajo, y el trabajo es tan antiguo como la humanidad. Y es que el hombre trata de transformar la naturaleza mediante el trabajo, lo que nos conduce a la definición anterior: el arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza.
LA HISTORIA DEL ARTE
Es Winckelmann es creador de la Historia de Arte como disciplina científica con su obra Historia del arte en la Antigüedad publicado en Dresde en 1764. Se ha definido la Historia del arte como aquella ciencia que trata de analizar e interpretar las obras artísticas desde el punto de vista de sus relaciones con las épocas anteriores y sucesivas, de esta manera, la Historia del arte estudia la evolución de las sociedades humanas a través de la obra de arte. Puesto que el objeto formal de la Historia del Arte son las obras artísticas, conviene precisar que en toda obra se distinguen dos aspectos: la forma y su significado.
La función del arte
Estudiar la evolución de las sociedades humanas. Sacando a la luz aspectos económicos, sociales e incluso políticos. En no pocas ocasiones, los únicos vestigios que han quedado de civilizaciones del pasado han sido los objetos artísticos, del estudio de dichas obras se ha podido reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística. Formar estéticamente al contemplador de la obra de arte. Es pues un instrumento de la educación.
Fue Ernst Fischer autor de La necesidad del arte 1959 quien estudie la función auténtica del arte, para Fisher el arte desempeña una función de primer orden en la sociedad, en parte porque el arte puede elevar al hombre desde el estado de fragmentación al de ser integrado, en parte porque el arte le permite comprender la realidad y el mundo que le rodea, y por ello el arte no sólo ha sido necesario en el pasado, sino que lo será siempre.
ASPECTOS DE VALORACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE
A la hora de hacer el análisis e interpretación de una obra de arte, son tres los aspectos que se valoran: la técnica, la belleza y el hecho de ser representativa de un momento histórico.
Imaginemos que estamos delante de una obra de arte, esta puede ser digna de nuestra atención en la medida en que se acerque o se aleje de unos patrones académicos establecidos, lo cual no significa que sea "bella" (como dijimos el concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia), esta obra puede ser bella, y, sin embargo, también puede ser técnicamente muy superable, pero no por ello dejaremos de prestarle nuestra atención. También puede ocurrir que esta obra tenga una valoración estética y técnica bastante escasa, pero presente un gran valor como documento histórico que permita reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística, sólo por ello también reclamará nuestra atención como obra de arte. No obstante, quisiera introducir aquí un comentario de Lessing en el s. XVIII que demuestra que esta consideración no siempre ha sido así, decía que obras de arte eran aquellas en las que la belleza ha sido para el artista su primera y última intención, y por ello negaba el valor artístico de una Iglesia románica, porque esta no es sino un mero auxilio de la religión.
En toda obra de arte se distinguen dos elementos: una forma y un contenido. La forma artística hace referencia a su apariencia externa, en ella se plasma no sólo la genialidad del artista, sino también toda la sabiduría y las experiencias acumuladas por los artistas precedentes. El contenido de una obra de arte hace referencia al "fondo" o la esencia de dicha obra artística.
EL ESTUDIO DE LA FORMA DE LA OBRA DE ARTE
El estudio de la forma de la obra de arte nos adentra en el estudio evolutivo de los estilos artísticos. El término estilo -del griego stylos (punzón, estilete para escribir) viene a significar etimológicamente la "letra" o el modo especial de escribir de un artista, de un grupo, de una región o de todo un periodo.
comunes de un grupo, región o periodo, al mismo tiempo que permite estudiar la evolución "estilística" de un artista concreto; Situar la obra de arte y los artistas en una cronología precisa, e incluso en un ámbito geográfico (nacional, regional etc.) concreto; Reconocer y diferenciar al genio del artista de segunda fila.
El ESTUDIO DEL CONTENIDO DE LA OBRA DE ARTE
Cuando se analiza el contenido de una obra de arte, es decir, el "fondo" o la esencia de dicha obra artística, nos adentramos en la interpretación del significado de la misma. Siempre que estudiemos el contenido de una obra, debemos realizar el estudio a cuatro niveles, un nivel sociológico, psicológico, iconográfico e iconológico.
NIVEL SOCIOLÓGICO
A este nivel estudiamos la sociedad en la que surge la obra y en la que vive el artista, el grado de valoración social del mismo, la clase social que patrocina la obra de arte, etc. Los primeros estudios en este sentido se deben al historiador húngaro Hauser quién investigó el origen de los estilos artísticos a partir de las transformaciones sociales.
NIVEL PSICOLÓGICO
A nivel psicológico centraremos nuestra atención en los aspectos de la personalidad del artista, así como la actitud del mismo hacia su propia obra, hacia el mundo que le rodea, hacia su vida y hacia la vida en general. Dicha actitud puede ser muy variada: Impasibilidad (cuando el artista se desentiende de su obra y pretende plasmar la realidad objetiva, como el caso de Velázquez); Expresionista (el artista influye en la obra de tal manera que incluso llega a la deformación intencionada de la realidad, en no pocas ocasiones, ello es el reflejo de un espíritu atormentado, tal y como se aprecia en Goya, Van Gogh, los maestros expresionistas alemanes del XX, o los artistas del Barroco español); Surrealista (esta actitud es propia de la pintura, el artista manifiesta un rechazo a lo racional; un interés por el mundo de lo onírico (sueño), el subconsciente y lo fantástico; afirma todo lo negado por la moral convencional; es siempre un arte individualista, ello es patente en El Bosco, Blake, Goya Dalí, etc).
NIVEL ICONOGRAFICO Y ICONOLÓGICO
iconológico es aquel que se encarga de la interpretación de las representaciones gráficas que gozan de carácter simbólico, es decir, imágenes que quieren decir mucho más de lo que aparentan.
TEMA 2: El arte de Grecia
Evolución del arte griego
El arte griego evolucionó mucho a lo largo de la historia de Grecia, tuvo como precedentes más inmediatos el arte de la cultura minoica (los cretenses) y el arte de la cultura micénica (los aqueos). La época arcaica, que se extendió del siglo VIII al año 500 a.C., fue la fase en la que los artistas lucharon por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. La época clásica, localizada cronológicamente entre los años 500-323 a.C. fecha de la muerte de Alejandro Magno en Babilonia, fue la fase donde la forma artística alcanzó el equilibrio y perfección, convirtiéndose en modelo ideal a imitar por las generaciones venideras. La crisis del siglo IV inaugura una fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. La época helenística, vivida entre los años 323-146 a.C. fecha de la destrucción de Corinto por Roma que marcó el inicio del poder romano sobre el Mediterráneo oriental y supuso el fin de Grecia, fue una fase de ruptura total con el lenguaje clásico. Podemos decir que el arte griego fue la síntesis de dos corrientes culturales antagónicas, la jonia (elegante que aporta el sentido dinámico y erótico) y la doria (sobria que aporta el sentido estático y ordenado).
La arquitectura griega
CARACTERISTICAS
curvar las columnas del pórtico con el fin de corregir la ligera aberración visual de ondulación. Veamos los órdenes arquitectónicos:
El orden dórico: Se inicia en su parte inferior con un krepis o basamento de peldaños. La columna carece de basa, su fuste tiene un ligero abombamiento en la parte central, el capitel está formado por un collarino, equino y se remata con el ábaco. El entablamento está formado por: el arquitrabe o dintel; el friso en el que alternan los triglifos y las metopas; y la cornisa. El frontón es triangular, en su parte central (el tímpano) presenta decoración escultórica de bulto redondo.
El orden jónico: También presenta krepis. La columna dispone de basa que está formada por un plinto, escocia y toro, su fuste es más fino y alto que en el orden dórico, el capitel está formado por un collarino llamado cimacio, un equino con volutas y un ábaco. El entablamento está constituido por: un arquitrabe; el friso que muestra decoración figurativa; y la cornisa. El frontón es igual al del órden dórico. Las columnas se pueden sustituir por cariátides (figuras femeninas) o atlantes (figuras masculinas).
El orden corintio: Es semejante al jónico excepto por su capitel que está formado por un collarino, un equino de hojas de acanto y caulículos (volutas muy pequeñas) y un ábaco con rosetas. Se difundió en período helenístico, el Templo de Apolo en Basa de Fidias es su mejor ejemplo.
EL TEMPLO
Período arcaico: En Jonia destaca el Templo de Artemis en Éfeso, que servirá de modelo a imitar por el uso prematuro del orden jónico. En la Magna Grecia se utilizó un orden dórico de gigantescas proporciones, es el caso del Templo de Hera en Paestum. En la Doria el orden dórico está perfectamente establecido tal y como vemos en el Templo de Artemis en Corfú.
Período clásico: A partir del año 500 a.C. se vive una época de máximo esplendor artístico, tanto arquitectónico como escultórico. En la Atenas de Pericles se reconstruye su acrópolis que había sido destruida por los persas durante las Guerras Médicas, esta reconstrucción fue posible gracias a las contribuciones económicas de la Liga de Delos monopolizada por Atenas, los principales edificios de la acrópolis ateniense son: Los Propíleos que servían de puerta de acceso al recinto sagrado; El Parten6n, que literalmente significa habitación de las vírgenes, estaba situado en la parte más alta de la colina, no era un templo de culto sino un monumento exaltador de la gloria de Atenas, fue construido por Ictinos y Kalícrates, realizado en mármol con orden dórico, era anfipróstilo y octástilo, estaba articulado en tres partes; El Erecteion fue levantado en honor a Poseidón y Erecteo, se trata de un templo de compleja estructura y orden jónico donde destaca la tribuna de las cariátides; El Templete de Atenea Niké, templo dedicado a la victoria, era de pequeñas dimensiones, orden jónico, tetrástilo y anfipróstilo.
Período helenístico: Es la época del gigantismo arquitectónico, el segundo Templo de Apolo en Dídima en Jonia, se trata de uno de los más grandes nunca construido en la zona mediterránea, la cella está rodeada por una doble columnata de 108 columnas jónicas de casi 20 metros de altura, cuyas bases y capiteles están ricamente tallados.
OTROS EDIFICIOS
Stoas. Eran estructuras porticadas de variada función, generalmente centro comercial y cívico. Una estoa completamente restaurada, la Stoa de Átalo, puede verse en Atenas.
Palestras y gimnasios. Eran edificios donde se practicaban los ejercicios físicos y concursos atléticos. Las ciudades griegas de cierto tamaño tenían al menos una palestra o un gimnasio como centro social para los ciudadanos varones. Son espacios cerrados perípteramente, pero a cielo abierto.
Estadios. Tenían una gradería recta a lo largo y semicircular en un extremo para carreras a pie y pugilatos. Estaba destinado a espectáculos de carácter deportivo. El estadio griego más antiguo es el que se encuentra en Olimpia, medía 600 pies griegos.
Bouleuterion. Era la cámara del consejo de la ciudad (boulé), un gran edificio público que servía como tribunal y lugar de reuniones.
URBANISMO
La civilización griega fue ante todo una sociedad urbanizada. Las ciudades griegas seguían un esquema poco regular (plano hipodámico), articulado en torno al ágora (plaza pública), rodeado de pórticos (stoas), a cuyo alrededor se disponía los edificios públicos, albergando en la acrópolis los templos. En el período helenístico surgieron dos tipologías urbanas nuevas: la ciudad portuaria, con Mileto como mejor ejemplo, dividida en una zona residencial y otra portuaria; y la ciudad-jardín, con Pérgamo como ejemplo, situada en terrenos montañosos, estaba articulada en tres sectores (ciudadela defensiva, ciudad administrativa y de recreo y ciudad residencial).
La escultura griega
CARACTERÍSTICAS
Temática. Existe un predominio de la figura humana sobre la animalística y sobre las formas vegetales, algo que está relacionado con la visión antropocéntrica del mundo por parte de los griegos donde el hombre era la medida de todas las cosas. Tipologías. Se realizaron esculturas de bulto redondo exentas y relieves. Función. La función de la escultura era propagandística (política), didáctica (exaltaba las virtudes griegas que debían poseer los varones, prudencia, justicia, fortaleza y templanza) y también función religiosa. Estética. Veamos su evolución.
EL PERÍODO ARCAICO
Tras los años oscuros dorios del 1.200-900 a.C. de los que no tenemos documentación, las únicas manifestaciones artísticas griegas fueron cerámicas pertenecientes al periodo geométrico de los siglos IX-XVIII, a ellas pertenece el conocido Dipilon, una urna funeraria de fabulosa decoración. Junto a ellas son escasas las esculturas, estas nos muestran una influencia oriental por el predominio de lo animalístico y lo fantástico, es el caso de la Esfinge de Delfos del siglo VI a.C. A lo largo del periodo arcaico se fue imponiendo progresivamente la figura humana, así aparecieron los kurós y las korai. Los kurós eran figuras masculinas que bien pudieron ser representaciones de atletas o semidioses, se caracterizan por su frontalismo en actitud de marcha (tienen un pie delante del otro), desnudez total, estudio muy elemental de su anatomía, sonrisa arcaica, ojos almendrados, cabello y rostro geometrizado, debemos mencionar los famosos Kurós del Ática. Las korai (en singular koré), eran semejantes a los kurós en todos sus aspectos excepto que aparecen vestidas, pudieran ser sacerdotisas, destaca la Dama de Auxerre. A lo largo del siglo VI se aprecia una tendencia cada vez más naturalista de la figura humana, es el caso de los frontones del Templo de Afaya en Egina y del Templo de Zeus en Olimpia que se sitúan en el cambio de tendencia entre el siglo VI y el V a.C., en ellos las figuras dejaban de adaptarse al marco con diferentes tamaños, ahora adoptan distintas posturas con las que se ajustan al espacio de los frontones.
EL PERÍODO CLÁSICO
Siglo V. El periodo clásico se caracteriza por la búsqueda de la proporción, belleza y armonía, tres términos que están íntimamente ligados entre sí, la belleza se consigue con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conduce a la idea de armonía. Se trata por lo tanto de una belleza idealizada. Sus primeras manifestaciones son de principios del s. V con el denominado "estilo severo", se representaban dioses, héroes y atletas en esculturas como Los tiranicidas, El Auriga de Delfos y El Poseidón del Artemisio. Este estilo adolece todavía una marcada severidad aunque se ha superado el hieratismo anterior, tras él vendrán los tres grandes escultores clásicos:
elemental y rostro impasible que contrasta con el esfuerzo físico del lanzamiento del disco.
Polícleto: Se concentró en el estudio del canon ideal del cuerpo humano varonil en reposo, a él se debe el canon en siete cabezas, que aplica en el Doríforo (portador de lanza) y el Diadúmeno (atleta que se ciñe las cintas).
Fidias: Llevará a sus últimas consecuencias la belleza idealizada dotándole de espiritualidad, se encargó de la decoración del Partenón y asesoró a Ictinos y Kalícrates en su construcción, es autor de las metopas del friso, de la decoración escultórica en bulto redondo del tímpano con los temas del Nacimiento de Atenea y Disputa con Poseidón, y de las esculturas de Atenea y Zeus en oro y marfil (crisoelefantinas) hoy perdidas y que decoraron la acrópolis ateniense. Su estilo se fundamenta en tres principios: La majestuosidad, es decir, la solemnidad de sus figuras; La gracia que consigue con las vestimentas, bien mediante la técnica de los "paños mojados" en la que la tela se adhiere al cuerpo, bien mediante el sistema de vaina donde la figura está desnuda de cintura para arriba, o bien mediante el sistema de enmarcamiento donde el personaje lleva una tira de tela que cuelga de su brazo; El efectismo es el último de sus principios que se consigue mediante el movimiento en sus grupos escultóricos.
Siglo IV. La crisis económica, política y social del siglo IV introdujo novedades artísticas, la forma abandonó el equilibrio y adoptó tensión dramática a la vez que ganaba fuerza expresiva, también se abandonó el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento, el arte del siglo IV es un estilo intelectual y elitista. Sus principales autores fueron:
Praxíteles: Se define por la gracia, fue un escultor de formas blandas y curvas, hacía bascular a sus figuras sobre una de sus extremidades dando lugar a la denominada "curva praxiteliana", entre sus obras destacan la Afrodita de Gnido (el primer desnudo femenino del arte griego), el Apolo Sauróctono, Hermes y Baco.
Scopas: Se caracteriza por su patetismo, trabajó en el mausoleo de Halicarnaso, sepulcro del sátrapa Mausolo, estuvo siempre preocupado por la representación de los distintos estados del alma, lo que se traduce en cuerpos contorsionados, tal y como vemos en sus Ménades.
Debemos mencionar su Apoxiómeno, el Retrato de Sócrates con rasgos de sileno y Heracles Farnesio.
EL PERÍODO HELENÍSTICO
El periodo helenístico presenta un conjunto de nuevas características: La expresión de los sentimientos por encima de la razón; Tendencia a lo artificioso y complicado para sorprender y causar admiración; Tendencia al dinamismo, a plasmar el movimiento, lo que se traduce en composiciones complejas; Tendencia al realismo que en ocasiones llega a mostrar los aspectos más dolorosos de la vida; Tendencia a juegos de luces y sombras; Tendencia a la representación de los volúmenes desde varios puntos de vista. Además de estos cambios en la forma también aparecen nuevos temas, es el caso de las
“Venus” como la de Milo y la Afrodita en cuclillas, son frecuentes las escenas de la
vida cotidiana como muestra Las jugadoras de tabas. Rodas, Pérgamo y Alejandría se convierten en sedes de nuevas escuelas, en Pérgamo destacan los temas de galos tras la victoria de Átalo I sobre los galos en Caicos en el 237 a.C., es el caso del Galo Capitolino muriendo, a Pérgamo también pertenece el Altar de Zeus decorado por orden de Eumenes II con una gigantomaquia que se extiende más de 110 metros de largo para ilustrar en piedra un poema compuesto especialmente para la corte. A la escuela de Rodas pertenece el Grupo del Laooconte y la Victoria de Samotracia, en Alejandría abundan las escenas cotidianas.
La pintura y la cerámica griega
Estudio de una obra representativa: el Partenón
El Partenón es un templo dórico griego construido por orden de Pericles para reconstruir en la Acrópolis de Atenas el templo dedicado a Atenea, patrona protectora del Ática, que había sido destruido por los persas en los años 480 y 479 a.C. Fue el arquitecto Ictino, por consejo de Fidias, que llevaba la dirección de todas las obras que se realizaban en la Acrópolis, quien comenzó la planificación del templo en el año 448 ó 447 a.C. posteriormente fue ayudado por Kalícrates
El Partenón es el más perfecto templo griego jamás construido. En su estilo dórico se han fundido otros elementos jónicos especialmente visibles en el interior. Su peristilo tiene la clásica proporción de 8 columnas por frente y 17 en los laterales. Respecto a otros templos griegos anteriores presenta algunas novedades, tales como la gran sala interior dividida en tres naves separadas por una fila de columnas superpuestas en dos pisos, formando una galería circundante en cuyo centro se colocaba la gran imagen de oro y marfil (criselefantina) de la diosa Atenea realizada por Fidias. En el recinto occidental de la cella estaba el Partenón, que ha dado nombre a todo el edificio, era una sala cuadrada donde estaban las doncellas vírgenes de la diosa, cuya cubierta se sustentaba con cuatro esbeltas columnas jónicas.
Los detalles de la construcción de este templo son increíbles: no hay en él un bloque de mármol igual a otro; cada uno fue labrado individualmente y con un destino preciso. Cada elemento fue concebido en razón de las correcciones ópticas que eliminan las aberraciones que produce la perspectiva: todas las horizontales, desde el basamento hasta el entablamento, están combadas convexamente y todas las verticales ligeramente inclinadas hacia dentro.
La equilibrada armonía del edificio, tiene sin embargo su más alta expresión en las esculturas que le adornan. La decoración escultórica, que se realizó entre los años 447 y 432 a.C., es la plasmación de un lenguaje formal homogéneo atribuible a Fidias, amigo personal de Pericles, y a sus colaboradores. Buena parte de estas obras fueron realizadas por Fidias, sin que se sepa con exactitud cuáles, pues cuando fue procesado aún no estaban terminadas. El conjunto de esta decoración nos ha llegado muy mutilada como consecuencia de los avatares que este templo ha corrido en su historia. De ser iglesia cristiana en la Edad Media, pasó a ser polvorín durante el siglo XVII, en la guerra que mantenían turcos y venecianos.
dioses contra los gigantes y, en la parte oeste, la lucha de los griegos contra las amazonas; en el lado norte, las luchas contra Troya y, en el meridional, las luchas contra los centauros. En contrate con estas composiciones heroicas se desarrollaba bajo el gran pórtico un friso con una procesión en la que desfilaban todos los ciudadanos de Atenas, los cuales acudían fielmente al santuario de la Acrópolis. Era una ceremonia que congregaba cada año a todo el pueblo de Atenas para llevar un nuevo manto a la diosa. El antiguo ídolo necesitaba que se le vistiera con un manto o peplo de lana tejido por las muchas vírgenes, panateneas, consagradas a la diosa.
El Partenón es, por muchos conceptos, el más alto resultado artístico que ha producido la Humanidad. Desde la Antigüedad se ha alabado su perfección. Pericles lo calificaba de milagro sorprendente y reprochaba a los atenienses que no supieran admirarlo.
Tema 3: El arte de Roma
El arte romano tiene como precedentes las escasas manifestaciones artísticas de las antiguas culturas itálicas, el arte etrusco y sobre todo el arte griego, el cual ellos admiraban al igual que toda su cultura. Hasta finales del siglo II a.C. no podemos hablar de arte romano, esto se debe a que los romanos pensaban que el arte corrompía a los pueblos. Las escasas realizaciones artísticas de tiempos de la monarquía y principios de la República se limitaban a restos de cerámicas, altares de piedra y sarcófagos de basta factura, lo más señero son las obras de ingeniería entre las que destaca la Cloaca Máxima en Roma. Será en época de Sila y de César en el siglo I a.C., cuando Roma se enriquezca artísticamente por la influencia de los "decadentes" pueblos conquistados por los romanos.
La arquitectura romana
CARACTERÍSTICAS
utilizado fue el compuesto, en realidad era un orden corintio enriquecido con volutas jónicas. Otro es el orden gigante caracterizado por sus grandes proporciones. Peculiaridad. Sin duda la principal peculiaridad de la arquitectura romana es el colosalismo, singularidad que resultó por influencia oriental, y sobre todo su gran pragmatismo, a diferencia de la arquitectura griega que tiende a un cuidado exagerado de la estética, la arquitectura romana se define por la utilidad de todas sus construcciones.
EL TEMPLO
Tamaño. En comparación con los templos orientales el templo romano es de pequeño tamaño, esto se debe a que no se trata de un lugar de culto por parte de la comunidad de fieles sino la morada de una divinidad, hecho que sucede igual con los griegos. Forma. El plano es rectangular. Partes. La cella se dividía en tres partes y cubría todo el podio excepto la parte delantera ocupada por el pórtico. Evolución. Por influencia etrusca los templos romanos se construían sobre un podium con escalinata frontal, su plano y elevación eran diferentes de los griegos, pero más tarde padecieron su influencia aunque sin violar la tradición. Sirvan de ejemplo el Templo de Portuno en Roma del siglo II a.C. y La maisón carreé en Nîmes del siglo I a.C. (templo de culto imperial). Sin embargo, el templo más representativo del arte romano es el Panteón que comentamos más adelante.
OTROS EDIFICIOS
Teatro. Los teatros romanos podía construirse en la falda de una montaña igual que los griegos, o en llano. Su exterior mostraba los diferentes pisos, acornados con arquerías de medio punto, sobre columnas de diferentes órdenes según la superposición de órdenes arquitectónicos. Sus partes eran: la grada o cavea que tenía planta semicircular; la orchestra también semicircular, era el espacio para uso del coro que tiene poca importancia en la obra romana en comparación con la tragedia griega; frente a la orchestra se disponía el prescenium en el que los actores esperaban su turno; sobre un zócalo se situaba la scena, que era donde tenían lugar las representaciones teatrales; el fondo de escenario estaba decorado por un conjunto de elementos arquitectónicos, en la parte trasera del mismo se ubicaba el postcaenium y la choragia (vestuarios). El Teatro de Marcelo en Roma, terminado en tiempos de Augusto, es uno de los más representativos.
para proteger a los espectadores del sol y de la lluvia. El suelo estaba socavado y debajo de él se encontraban las carceres (celdas) donde las fieras o gladiadores aguardaban su turno. Algunos estaban acondicionados para contener agua para las luchas acuáticas de barcos llamadas naumaquias. Sin duda el anfiteatro más conocido es el Coliseum construido en el siglo I d.C. en el centro de Roma.
Circo. Edificio público donde se celebraban las carreras de carros, había carreras de dos caballos llamadas bigas, y de cuatro caballos llamadas quadrigas. Tenía forma elíptica, en el centro y de modo longitudinal se disponía un muro de poca altura adornado por esculturas denominado spina, que separaba los dos sentidos de la carrera. En un extremo del edificio se situaban las carceres para los caballos. Alrededor de la pista se disponía el público formando gradas, en uno de los lados largos se situaba el palco presidencial. El Circo Máximo de Roma es un gran ejemplo, fue construido en tiempos del rey Tarquinio y ampliado por César en el año 50 a.C.
Basílicas. Eran salas de reunión, bolsas de comercio y tribunales de justicia. Tenían planta rectangular, y estaban articuladas en tres naves que terminaban con un ábside semicircular. Sirve de ejemplo la Basílica de Majencio en Roma del siglo IV d.C.
Termas. Las termas romanas cumplían una misión higiénica, disminuían las enfermedades de los romanos, y también de ocio ya que era el lugar al que solían acudir para relajarse. Estos edificios estaban compuestos por varias salas: el apoditherium era el espacio para desnudarse, estaba separado entre hombres y mujeres; con arreglo a la temperatura de los baños, encontrábamos el caldarium (de agua caliente), el tepidarium (piscinas de agua templada) y el frigidarium (baños de agua fría); el caldarium conseguía tan altas temperaturas gracias al hypostatum, una pared hueca por donde circulaba el aire caliente, eran construido mediante un conjunto de inmensas cúpulas con toberas para hacer escapar el aire cálido cuando el ambiente se hacía asfixiante. Las termas de Caracalla son las más representativas, datan de principios del siglo III d.C.
Los monumentos conmemorativos. El arco de triunfo era un tipo de monumento conmemorativo inspirado en los arcos etruscos, estaban decorados por inscripciones relativas al acontecimiento a conmemorar y estatuas, uno de sus mejores ejemplos es el Arco de Tito del siglo I d.C. situado en la Vía Sacra de Roma. La columna conmemorativa es de invención genuinamente romana, se trata de una columna que se decoraba con un conjunto de relieves a modo de historieta en disposición helicoidal, la Columna Trajana en Roma del siglo II d.C. narra la conquista de Dacia por Trajano.
Los monumentos funerarios. Se localizaban en las necrópolis de las afueras de las ciudades, en algunos casos llegaron a proporciones monumentales como es el caso del Mausoleo de Augusto construido tras la batalla de Actium del año 31 a.C.
Las obras públicas. La arquitectura romana es también la arquitectura de las obras públicas: cloacas, sistemas de alcantarillado; puentes, como el de Alcántara; acueductos, como el de Segovia; y calzadas.
URBANISMO
Una de las características de la sociedad romana es el hecho de ser una sociedad urbanizada. Los romanos tomaron de los etruscos un esquema urbano regular (damero-ortogonal) que hicieron universal, se trataba de una ciudad protegida por murallas y con cuatro puertas orientadas a los puntos cardinales, existían dos vías principales, la decumana y el cardum, que convergían en el foro alrededor del cual se organizaban los edificios públicos, Roma basó su civilización en el urbanismo, integrando sus ciudades en una red urbana jerarquizada.
La escultura romana
Retrato. El retrato de época republicana es de gran realismo, algunos de ellos fueron verdaderos estudios psicológicos, esta característica se debía a la influencia de las imágenes maiorum, que eran máscaras de cera que se tomaban directamente sobre la propia cara del difunto antes de que este fuera enterrado, posteriormente se situaban en las casas romanas donde se les rendía culto. En época de Augusto se tiende a formas ligeramente idealizadas, es el caso del conocido Augusto Prima Porta. En el siglo II d.C. continúa el idealismo y se pone especial interés en el cabello y a partir de Adriano en la barba, las esculturas más significativas de este periodo son Antinoo, Adriano y Cómodo como Hércules. Los retratos ecuestres como el de Marco Aurelio denotan categoría imperial, esta escultura se convertirá en modelo a imitar en el Renacimiento influyendo en posteriores retratos ecuestres. A finales del siglo II d.C. se empezaron a marcar las pupilas en los ojos, como es el caso de Caracalla Satanás. La decadencia del Bajo Imperio se manifiesta con un importante descenso de la producción de retratos escultóricos. El cuerpo de las esculturas era algo que no preocupaba a los romanos y por lo tanto tendían al idealismo, los cuerpos se realizaban en serie, en talleres de manera industrial, los escultores se limitaban a colocarles la cabeza. Los retratos de los emperadores se ven acompañados de los símbolos de su poder, de modo que se clasifican en tres tipos: Togata, donde el emperador aparece vistiendo una toga con la cabeza cubierta, representa así el título de Pontifex Maximus, máxima autoridad de la religión romana; Thoracata, en este caso aparece vestido con la indumentaria militar. representa el título de Imperator, jefe del ejército; Apoteósica, cuando aparece desnudo con el laurel y el águila, símbolos de Roma, representa así el título de Augusto antes reservado a las divinidades.
Relieve crónica. El relieve crónica consiste en un bajo, medio o alto relieve, que se sitúa en monumentos conmemorativos como arcos del triunfo, columnas conmemorativas, altares, bajorrelieves de edificios, etc. Los primeros aparecen en la República, como es el caso del Ara de Domicio Enobarbo, no obstante su mayor profusión se dio en el Alto Imperio. Uno de los más representativos es el Ara Pacis Augustae, se trata de una obra realizada completamente en mármol, con escalera y puerta que daban acceso al altar, el tema representado trata sobre los orígenes de Roma, se realizó para conmemorar la época de paz del imperio bajo Augusto, la Pax Romana. Con los Claudios surge un nuevo tema conocido como la profectio, que consistía en la salida a una campaña militar, con los Flavios la novedad fue el adventus, que representaba la llegada triunfal del emperador tras una campaña, en tiempos de Trajano destaca la narratio, consistente en la descripción de una campaña militar como vemos en la Columna Trajana. La decadencia del relieve crónica se inició en el Bajo Imperio, así lo manifiestan las figuras isocefálicas de la época de Constantino.
La pintura y el mosaico romano
Conocemos la pintura romana a través de los ejemplos procedentes de Pompeya. Se reconocen cuatro estilos: el más antiguo de época republicana, es el estilo de incrustaciones, llamado así porque imitaba la decoración de mármoles; el segundo, es el estilo arquitectónico, que simulaba estructuras arquitectónicas que generaban, a través de la perspectiva, una falsa sensación de profundidad junto a temas figurativos; el estilo ornamental o de candelabros es el tercero, de la primera mitad del siglo I d.C., que usó como elementos decorativos arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el cuarto estilo llamado ilusionista de la segunda mitad del siglo I d.C. es una mezcla de los anteriores en el que se introdujeron paisajes imaginarios, formas arquitectónicas fantásticas y escenas mitológicas. Las obras más representativas son Casa de Livia (estilo de incrustaciones), Casa de los Misterios (estilo arquitectónico), Casa de los Vettii (estilo ornamental) y las pinturas de la Domus Aurea de Nerón en Roma (estilo ilusionista).
Se entiende por mosaico una superficie mural o pavimental decorada mediante la incrustación de pequeños trozos de piedra u otros materiales. Sobre la evolución y características del mosaico en época romana contamos con los testimonios de Vitrubio y de Plinio, se distinguía entre opus vermiculatum, opus tessellatum y opus sectile cuyas diferencias radican en el tipo de teselas utilizadas. Los mosaicos romanos de época republicana eran en blanco y negro y representan composiciones de tipo geométrico o figurado. En época de Augusto, el mosaico que hasta entonces fue casi exclusivamente pavimental se convirtió en un arte parietal, además utilizó la policromía. A partir de finales del siglo II d.C. se desarrollan las composiciones polícromas en las que se reproducen escenas de carácter mitológico, escenas de caza, espectáculos, vida cotidiana, escenas marítimas, paisajes y también motivos geométricos y vegetales, sirva de ejemplo el mosaico de Palestrina. A partir del siglo IV d.C. tiene lugar un período de extraordinario esplendor en las villae (residencias de los propietarios rurales), tal y como muestra la villa de Piazza Armerina en Sicilia.
El arte romano en España
Las primeras obras materiales de los romanos en España fueron calzadas y campamentos, es decir, obras de ingeniería que servían para la conquista y romanización del territorio, muchos de estos campamentos terminaron convirtiéndose en ciudades como Tarragona, Itálica, Mérida, Zaragoza, Astorga, León y otras tantas que se convirtieron en centros de romanización.
salida conmemora al constructor, Cayo Lucio Lácer, que lo terminó en el año 106, en el que grabó una inscripción: durará cuanto el mundo dure. Los acueductos son otros de los grandes monumentos realizados por los romanos en Hispania. El más importante es el Acueducto de Segovia, posiblemente también el más antiguo al ser terminado en tiempos de Trajano. El de los Milagros en Mérida conducía las aguas desde el Pantano de Proserpina hasta la ciudad, su alternancia cromática luego sería utilizada por los musulmanes. En relación con las comunicaciones marítimas se construyeron obras públicas importantes como el Puerto de Ampurias o faros como la Torre de Hércules en la Coruña. Los templos, mercados, foros, se encuentran en peor estado de conservación. El mejor conocido, gracias a las recientes excavaciones, es el Templo de Diana en Mérida. Dentro de los monumentos funerarios destacan, por su armoniosa complejidad, la Tumba de los Atilios en Sádaba (Zaragoza), y por su sencillez en forma de torre, la Tumba de los Escipiones en Tarragona. Entre los arcos monumentales destacan el Arco de Cáparra en Cáceres formado por cuatro arcos, el Arco de Bará en Tarragona, ambos muy bien conservados, mientras que el más vistoso por su emplazamiento es el Arco de Medinaceli en Soria. De los dieciocho teatros romanos conservados de España, ocupa lugar preponderante el Teatro de Mérida cuya construcción fue ordenada por Agripa, terminándose en el año 16 a.C., no olvidar el de Cartagena. Los anfiteatros mejor conservados son los de Itálica (uno de los mayores del mundo romano), Mérida y Tarragona. En cuanto a termas destacan las Termas de Alange (Badajoz). Dentro de los palacios destaca el Palacio de Augusto en Tarragona, grande y sólida construcción de sillería. En los yacimientos de ciudades, poblados y villas, se ha podido estudiar la típica casa hispanorromana y en muchas de ellas se han encontrado numerosos mosaicos que cubrían sus suelos. Destaca el mosaico en el que se representa el sacrificio de Ifigenia, descubierto en Ampurias, el de la Medusa, hallado en Tarragona.
Escultura. La escultura romana hallada en los diferentes yacimientos españoles ofrece una gran variedad de temas y estilos. La mayoría de las obras de calidad debieron de ser importadas de la metrópoli, aunque no puede descartarse la hipótesis de la existencia de talleres hispano-romanos. En Tarragona destacan piezas simbólicas como el Dionisios; más clásicas son las obras de Itálica o el Torso de Hércules descubierto en Valladolid que representa a un atleta de la época. En relación con el retrato se alcanzan las mismas cotas de idealismo que en la época de Augusto en Roma, disponiéndose de varias efigies de este emperador en los Museos de Mérida e Itálica. No sólo los emperadores son el objeto de los retratos. hombres del pueblo o de la nobleza, damas y matronas han sido representadas en mármol dejándonos constancia de la honda identificación que sentían con las modas de la metrópoli. Algunas cabezas presentan ciertos rasgos de arcaísmo que pueden hacer suponer el origen indígena de su autor. Pero la mayoría de las obras descubiertas son veraces testimonios del retratado como por ejemplo en los retratos de Lucio Vero en Tarragona.
Templo romano dedicado a varias divinidades, especialmente a Venus y Marte, construido por mandato del cónsul Agripa, yerno de Augusto, en el año 27 a.C. Después de varios incendios se reconstruyó en el año 126 de la era cristiana, en tiempos de Adriano, atribuyéndose su construcción al arquitecto Apolodoro de Damasco.
Las proporciones y la estructura del Panteón son representativos de la concepción religiosa de los romanos, el edificio se convierte en la morada de todos los dioses, una síntesis del cielo y de la tierra. Por eso el conjunto tiene una planta circular cerrada por una cúpula de media naranja cuya altura es de 43,2 m. En la estructura interior se conjuga armónicamente la tradicional arquitectura arquitrabada griega con las líneas abovedas características de las obras romanas. La pared queda dividida en dos partes: la inferior está compuesta por nichos redondos y rectangulares alternos; y la superior decorada por delicadas incrustaciones de bronce (no existentes en la actualidad). La misma genialidad se aprecia en su planta: una gran sala circular precedida de un cuerpo porticado con una fachada octástila de columnas corintias rematado por un frontón triangular. La cúpula tiene en el centro una abertura redonda, único punto de iluminación del interior. Está construida con nervios y arcos de descarga hechos de ladrillo rellenos de hormigón que se apoyan en el muro circular de la base, a la cual se abren numerosas exedras y nichos, donde estaban colocadas figuras de los dioses. Los casetones de la cúpula, antiguamente estucados y quizá adornados con estrellas, van reduciendo su tamaño a medida que avanzan hasta el centro, acentuando el efecto de la perspectiva. En su exterior la bóveda originariamente se cubría con tejas de bronce dorado, que durante el siglo VI fueron arrancadas para el aprovechamiento del metal. Igual ocurrió después cuando Bernini, quien para construir el Baldaquino de San Pedro del Vaticano extrajo los bronces que adornaban el pórtico.
El Panteón de Agripa se ha conservado con bastante fidelidad a su origen, por haberse habilitado casi desde los primeros momentos del cristianismo como iglesia para el culto. En las capillas interiores, donde antaño estaban estatuas de las divinidades adoradas, existen hoy capillas con numerosas obras de arte y entre ellas tumbas de ilustres personajes de la historia y del arte, por ejemplo la de Rafael de Urbino. Conserva todavía su pavimento antiguo de mármoles y restos de policromía sobre los relieves del pórtico.
Realmente la obra es una perfecta síntesis de armonía e inteligencia constructiva y nunca, hasta el Renacimiento, catorce siglos después, el hombre se había atrevido a realizar una obra tan gigantesca. La técnica constructiva del Panteón ha servido de inspiración a los arquitectos de diferentes épocas: a los bizantinos en Santa Sofía Constantinopla y al renacentista Brunelleschi en la cúpula de Santa María de las Flores de Florencia. Es uno de los edificios más grandiosos de todo el mundo antiguo, según se reconoce en una inscripción mandada colocar por el papa Urbano VIII que dice Aedificium toto orbe celeberrimum. Miguel Angel dijo de este edificio que tenía "un diseño angélico y no humano".
TEMA 4: El arte islámico
El Islam no supone, en el mundo árabe, una gran ruptura cultural, sino más bien fue continuidad de la etapa anterior, y es que la cultura islámica fue la hereda de la cultura griega y no el Imperio Romano ni el Bizantino, porque fueron los cristianos monofisitas y nestorianos los que la recogieron y se la transmitieron a los árabes preislámicos, por ello es habitual afirmar que tuvo como precedente el arte del mundo clásico. Su cronología se extiende desde la formación del Islam con Mahoma (570-610), pasando por la Dinastía de los Omeyas y Abasíes hasta la actualidad, aunque fue durante las dinastías mencionadas el momento de mayor esplendor cultural y político. Debido a la tolerancia de la expansión musulmana, el arte islámico goza de un carácter sintético en el que se mezclan elementos grecorromanos, bizantinos, sirios, persas y visigodos.
La arquitectura
CARACTERISTICAS
de cerámica vidriada (alicatado). Peculiaridad. Dado que los árabes eran consumados matemáticos, en sus obras buscaban la perfección matemática, sus edificios están caracterizados por el predominio de formas geométricas, y puesto que eran construcciones de pequeña altura quedaban perfectamente integradas en el paisaje.
LA MEZQUITA
Origen. Etimológicamente su nombre procede de maschit (lugar de postración), es posible que la estructura de las mezquitas tenga su origen en la propia casa de Mahoma en Medina, aunque otras hipótesis apuntan a una referencia en las estructuras hipóstilas persa-sasánidas y en las basílicas paleocristianas. Tamaño. A diferencia del templo cristiano, la mezquita no es la casa de Dios, sino el lugar de reunión de la comunidad musulmana, de ahí su mayor tamaño. Forma. Las mezquitas son de planta cuadrada o rectangular. Partes. Cuentan con un gran patio (shan) en cuyo centro se encuentra una fuente para efectuar las abluciones rituales, tal y como prescribe el Corán, a veces esta fuente adopta la forma de un templete, el patio suele estar rodeado por una zona porticada con columnas o pilares. Adosado al patio se encuentra el alminar o torre, donde el almuhédano llama a los fieles a la oración. La parte más importante lo constituye la gran sala de oraciones (haram) formada por un número indefinido de naves, llamadas crujías, que son perpendiculares o paralelas (según el tipo de mezquita) al muro de la qibla, orientado a La Meca, donde se localiza el mihrab, una especie de nicho muy decorado cuyo espacio está delimitado por arquerías que forman un recinto cerrado llamado maxura, a fin de establecer una separación entre el califa o imán y el resto de los fieles. Próximo a la qibla se sitúa el mimbar, un púlpito de madera desde donde el imán dirige la oración. Muchas mezquitas eran también escuelas coránicas, llamadas madrasas, precedente de las universidades cristianas medievales, en estos casos disponían de dependencias y habitaciones ordenadas en torno a un patio central.
Mezquita clásica o hipóstila. Este tipo de mezquita cuenta con una sala de oración formada por columnas o pilares al modo de las estructuras hipóstilas de origen egipcio o sasánida. Las primeras mezquitas, construidas en Iraq a finales del siglo VII, como la de Basora, responden a este modelo. Esta tipología adopta dos variantes: El modelo sirio que toma su nombre de la mezquita de Damasco (705), en ella las naves son paralelas al muro de la quibla y están cortadas por otra perpendicular llamada axial, la de Damasco incluye otras peculiaridades, es la primera mezquita en disponer de un patio porticado (shan), la axial es más alta y ancha y termina en cúpula encima del mihrab; El modelo Al-Aqsa, toma su nombre de la mezquita Al-Aqsa de Jerusalén (706) cercana a la Cúpula de la Roca, en ella las naves adoptan una disposición perpendicular al muro de la qibla, siendo la central más alta y ancha lo que da una forma de T.
gran sala abovedada abierta al frente y coronada con cúpula bulbosa profusamente decorada.
Mezquita de planta centralizada. Tiene su origen en la iglesia bizantina de Santa Sofía en Constantinopla, este modelo lo crean los selyuqíes a partir del siglo XIV y lo desarrollan los otomanos. Se caracteriza por disponer de una planta centralizada que configura un cubo cupulado, es frecuente que la cúpula central esté apoyada en otras semicúpulas.
El arte árabe oriental
EL ARTE DE LOS OMEYAS (661-750)
Historia. Los Omeyas crearon un Imperio que se extendía desde la India hasta la Península Ibérica a través del Norte de África. Obras. Las primeras formas artísticas están impregnadas de influencias bizantinas, buena prueba de ello lo constituye la primera gran obra del arte árabe, la Cúpula de la Roca, situada en el lado este de Jerusalén. A este periodo pertenece también mezquita de Damasco y los "castillos del desierto", palacios construidos en el siglo VIII que servían de residencia de califas y gobernadores (walis), entre ellos destaca el de Qusayr Amra en Jordania, que cuenta con importantes pinturas cuyo contenido figurativo (los monarcas vencidos por el Islam: Kaisar emperador bizantino, Cosroe emperador sasánida, Rodrigo rey visigodo, Negus rey de Abisinia) pone en cuestión la supuesta aniconicidad del arte árabe.
EL ARTE DE LOS ABASÍES (750-1055)
Historia. Esta dinastía transformó el Islam que dejó de ser de exclusividad árabe para convertirse en musulmán. Obras. De esta época es la planificación y construcción de las ciudades de Bagdad y Samarra, la de Bagdad (762) siguió una planta circular por motivos de simbolismo universal pero posiblemente también por el ahorro de materiales, en su centro se situaba el palacio imperial. La mezquita de Samarra estaba rematada con un alminar helicoidal, cuya referencia se encuentra en los antiguos zigurats babilonios, su planta era del esquema en T. El período abasí conoció un importante desarrollo de la cerámica, llegando a descubrir la técnica que posibilitó el reflejo metálico en las piezas de alfarería.
en Egipto, suya es la mezquita de Ibn Tulun de El Cairo de influencia abasí como muestra su alminar helicoidal y las naves paralelas al muro de la quibla. Los Samaníes (892-999) familia de rancio abolengo persa convertida al Islam que se independizó en el Jurasán, son los autores del mausoleo de Ismail en Bujara, construcción de planta cuadrada, coronada por una cúpula de media naranja y abierta al exterior con cuatro puertas, cada una de ellas en un punto cardinal. Del Califato Fatimí (909-1171), creado por Ubayd Allah, destaca la mezquita de al-Hakim en El Cairo, en este caso se construyeron naves paralelas al muro de la qibla cortadas por una central que proporcionaba una forma de T diferente a las vistas anteriormente. Los turcos selyuqíes, que ocuparon Bagdag en 1055 como defensores del califa abasí con el título de sultanes, desarrollaron la mezquita con cuatro iwanes, cuyo mejor ejemplo es la de Isfahán. También fijaron el modelo de madrasa y de monumento funerario siguiendo el modelo samaní del mausoleo de Ismail.
EL ARTE DEL ISLAM TRAS LA DINASTÍA ABASÍ
La invasión de los mongoles de Hulagu que en 1258 arrasaron Bagdad y destruyeron el califato abasí, puso fin al Imperio del Islam e inició un periodo de mayor fragmentación política. La unidad musulmana la recuperaron los turcos otomanos cuyo imperio se extendió desde principios del siglo XIV a 1918, conquistaron Constantinopla en 1453 a manos de Mehmet II, Selim I en 1517 extendió su autoridad por el Egipto mameluco y por el Irán timurí. Ellos desarrollaron el modelo de la mezquita de planta centralizada, cuyos mejores ejemplos datan del siglo XVI de la mano del gran arquitecto Sinán Pachá, autor de grandes mezquitas como la de Suleymaniya en Estambul, esta obra cuenta con dos semicúpulas como soporte de la cúpula central, son característicos los finos alminares de terminación cónica y la gran abundancia de cúpulas en todo el recinto.
El arte de al-Andalus
EL ARTE DEL CALIFATO ANDALUSÍ
Historia. Con la invasión musulmana de la Península Ibérica en el 711 Al-Andalus se convirtió en un Emirato dependiente de Damasco hasta el año 756, cuando Abd-al-Rahmán I lo convierte en Emirato independiente, en 929 Abd-al-Abd-al-Rahmán III proclamó el Califato.
entrelazados sin cruzamiento en el centro, dejando un espacio en el que se sitúa una cúpula gallonada).
El edificio más representativo de este período es la mezquita de Córdoba. Su construcción comenzó en 784, por mandato de Abd-al-Rahmán I, sobre la base de la iglesia visigoda de San Vicente comprada a los cristianos, de esta construcción reutilizó buena parte de sus materiales, principalmente las columnas, la planta tiene una relación directa con la de Kairuán, naves perpendiculares al muro de la qibla del tipo T, también utiliza los arcos de herradura que encontramos en Kairuán, pero a diferencia de aquella emplea un sistema de doble arquería. Sus once naves se amplían en 833 hacia la cabecera por mandato de Abd-al-Rahmán II. En 929 Abd-al-Rahmán III construyó su alminar, al tiempo que realizó importantes mejoras en el interior. En 961 Al-Hakam II procedió a una nueva ampliación, construyendo un nuevo mihrab y la maxura, dando lugar a un espacio profusamente decorado con mosaicos bizantinos, cúpulas califales y delimitado por arcos dobles polilobulados. La última ampliación la llevó a cabo Almanzor a finales del siglo X en su parte norte, lo que dejó descentrado el muro de la qibla. El sistema de doble arquería de las crujías está inspirado en el Acueducto romano de los Milagros de Mérida, al igual que la alternancia bicroma de las dovelas (rojas y blancas), esto responde a la doble necesidad de lograr una mayor altura y solidez. Se consigue superponiendo dos elementos sustentantes: columnas que forman arcos de herradura abajo, y en su parte superior pilares entre arcos de medio punto.
La pequeña mezquita del Cristo de la Luz de Toledo es de planta cuadrada y está dividida en nueve tramos cubiertos con un rico repertorio de bóvedas de crucería. Entre las construcciones civiles destaca la ciudad-palacio de Medina Azahara cercana a Córdoba, construida para la favorita de Abd-al-Rahmán III, se dice que sus costes superaron la tercera parte de las rentas del Estado, tenía una función administrativa y ceremonial. Urbanísticamente es de inspiración oriental, ya que carece de simetría y no existe un centro propiamente dicho, estaba rodeada por una muralla y gozaba de varias terrazas y jardines alrededor de los cuales se articulaban los edificios, los muros de piedra fueron revestidos por placas de mármol con decoración de talla a bisel, tal como se aprecian en el célebre Salón rico.
EL ARTE DE LOS TAIFAS
Historia. Tras la muerte de Almanzor y sus hijos, el califato inició un periodo de crisis que terminó con su fragmentación en los reinos Taifas (1031-1090). Características. Se acentúa la tendencia decorativa y barroca que ya se había caracterizado en la última etapa del Califato; Se busca una arquitectura para impresionar, muy lujosa pero de materiales pobres recubiertos de yesos coloreados, a fin de conseguir ricos efectos decorativos de forma económica, por esto muchas construcciones se han perdido. Obras. Los principales focos artísticos se localizan en Zaragoza, con el palacio de los Beni Hud la Aljafería; en Toledo se conservan algunas construcciones como La Muralla; en Andalucía destacan las alcazabas de Málaga y Almería.
EL ARTE DE LAS DINASTÍAS AFRICANAS
Historia. En 1086 los almorávides cruzaron el estrecho en apoyo del taifa de Sevilla, Alfonso VI fue derrotado en Zalaca (1086). Expulsados de la Península en 1145 y tras la formación de unos segundos taifas (1145-75), los almohades ocuparon Al-Andalus hasta su derrota en Las Navas de Tolosa (1212), fueron expulsados en 1231. Características. Reacción contra la tendencia decorativa y barroca de los taifas, algo motivado por su ortodoxia religiosa, de ahí el carácter austero y sólido de sus construcciones; La escasa decoración exterior se limita a una red de rombos, fruto de la superposición de arcos polilobulados, el llamado sebka.
Obras. Los almorávides dejaron una extraordinaria cúpula en la mezquita de Tremecén de nervios entrelazados sin cruzamiento en el centro similar a las cúpulas califales. Sin embargo las mejores obras son de período almohade y se localizan en Sevilla, la antigua mezquita sevillana fue demolida por los cristianos para construir la catedral gótica, quedando de ella La Giralda, su alminar, decorado mediante tres calles con sebka, es de finales del siglo XII y está emparentado con La Kutubiya de Marrakech también almohade. Sus fortificaciones son lo mejor de su arquitectura, un excelente ejemplo es el Alcázar de Sevilla, su Patio del Yeso cuenta con 7 arcos polilobulados sobre pilares y columnas ya anunciados en la Aljafarería, están organizadas mediante un sistema de doble muralla, llamada barbacana, y una serie de torres en lugares de defensa estratégica (torres albarranas), la Torre del Oro sevillana es una de ellas.
EL ARTE DEL REINO NAZARÍ DE GRANADA
Características. Se hace especial hincapié en formas genuinamente árabes, sin ninguna influencia occidental; Utilizó la columna nazarita de fuste delgado y liso rematado por varios collarinos, cuenta con un peculiar capitel formado por un cilindro decorado con lacería y rematado por un cubo con decoración de ataurique; Arcos de medio punto peraltados y polilobulados; La bóveda de mocárabe parece estar inspirada en las mucarnas de Iraq y Persia inventadas por los samaníes, se trata de un conglomerado de nichos geométricos y simétricos que simulan estalactitas, sus materiales podían ser yeso, estuco, madera, ladrillo y piedra; El arte de los nazaritas acentúa la tendencia decorativa y barroca de los taifas; Se busca una arquitectura para impresionar, muy lujosa pero de materiales pobres recubiertos de alicatados.
Obras. La Alhambra de Granada (castillo rojo) es una ciudad-palacio construida sobre una fortaleza taifa, en ella se distinguen tres unidades: La Alcazaba, la Casa Real y la ciudad "laboral". La Alcazaba está integra por un conjunto de fortificaciones con una muralla que rodea el perímetro, destaca la Torre de la Vela. La ciudad laboral ocupa una extensa zona, sus edificaciones están muy mal conservadas, pese a lo cual quedan restos de una mezquita y del cementerio, en esta zona vivía el personal de palacio.
La Casa Real o Vieja está formada por tres partes: El mexuar o Sala de audiencias, era la parte pública, incluye el Cuarto Dorado (oficina de apelación ante el rey) y el Patio del Cuarto Dorado; El diwán, era la parte oficial (carácter semipúblico), constituido por el Cuarto de Comares (salón del trono), le sigue la Sala de la Barca (viene de baraka que significa bendición), concluye con el Patio de los Arrayanes que tiene una alberca, también incluye los baños; El harem, era la parte privada del sultán, está articulada en torno al Patio de los Leones de planta rectangular, provisto de fuente y en su día cubierto por un jardín (símbolo de los cuatro ríos del Paraíso), los doce leones de la fuente simbolizarían el zodíaco, en los lados cortos del patio cuenta con sendos pórticos y dos pabellones que dan a la Sala de los Reyes y la Sala de los Mocárabes, en los lados largos se sitúan las salas de Las dos Hermanas y la de los Abencerrajes. Otras partes serían en torno al Patio de Daraxa, el Mirador de Daraxa, el Patio de la Reja y el Peinador de la Reina.
El Generalife era la residencia veraniega de los monarcas granadinos y estaba situada frente a la Alambra, lo más llamativo de la obra son los jardines, en los cuales las flores y los juegos de agua constituían su principal encanto. Los jarrones de la Alhambra son de loza dorada, entre ellos destaca el Jarrón de las Gacelas, se trata de una cerámica de reflejo metálico y gran calidad técnica. No olvidar también los textiles nazaríes que continúan el trabajo califal del periodo anterior.
La mezquita de la Cúpula de la Roca de Jerusalén es la primera obra de arte islámico desde el punto de vista cronológico. Fue construida entre los años 688 y 692, unos 60 años después de la muerte del Profeta. Generalmente se la conoce también con el impropio nombre de mezquita de Omar, al atribuirse a este compañero de Mahoma su fundación, si bien es cierto que sobre la roca de este lugar, Omar levantó una pequeña capilla de oración en madera, el verdadero creador de la mezquita fue el califa Omeya Abd al-Malik, con la finalidad de expresar el triunfo de las doctrinas de Mahoma sobre las de Cristo y competir con la basílica del Santo Sepulcro de la misma ciudad. El edificio se levanta sobre la roca que forma la cima del monte Moria, lugar de gran significado para las tres grandes religiones monoteístas: según la tradición hebrea era el lugar donde Abraham iba a cumplir con el mandato divino de sacrificar a su hijo Isaac; el sanctasanctorum del templo de Salomón y el palacio de Herodes estuvieron sobre el mismo lugar; sobre esta roca el Profeta había apoyado los pies al realizar el viaje nocturno de ascenso al Cielo.
Arquitectónicamente la Cúpula de la Roca es única en el arte del Islam, se relaciona directamente con el estilo de templo bizantino de planta central octogonal de origen paleocristiano, con particular influencia del Santo Sepulcro de Jerusalén. Tiene dos naves de circunvalación y está rematada por una cúpula que se levanta sobre un cimborrio octogonal. Cuatro pórticos se abren a los cuatro puntos cardinales, situando de esta manera simbólica al santuario en el centro del mundo. La cúpula está formada por una cubierta doble de madera forrada por una capa de metal dorado. En el interior se aprecia un estilo clasicista (romano y bizantino) debido al uso de una doble estructura de pilares y columnas (4 pilares y 12 columnas en la línea interior que sustenta el cimborrio, y 8 pilares y 16 columnas en el deambulatorio). Simbólicamente representan los 40 santos o pilares espirituales de la fe musulmana; la planta poligonal estrellada de ocho puntas que genera las líneas y ángulos que se derivan de las columnas y pilares expresa la síntesis del círculo y el cuadrado, del movimiento y el reposo, del espacio y del tiempo. En cuanto a la decoración de mosaicos que cubren las paredes interiores del cimborrio, están enriquecidos con joyas y diademas en las que se pueden distinguir emblemas y símbolos sasánidas y bizantinos, que tal vez pretendan simbolizar el imperio universal del Islam. Aunque los artífices de estos mosaicos habían aprendido su oficio en escuelas sirio-bizantinas, esta asociación de temas vegetales y joyas es originaria de Asia y tiene ciertas analogías con los ornamentos budistas e hinduistas. La Cúpula de la Roca, globalmente considerada, es la muestra más clara de la encrucijada entre el arte bizantino y el incipiente arte islámico.
TEMA 5: El arte románico
Circunstancias históricas en las que surge el Románico
asturiano en la Península Ibérica y sobre todo la influencia del Imperio Bizantino. Es el primer estilo internacional del occidente cristiano europeo, después de la fragmentación artística que acontece tras el fin del Imperio Romano. Su cronología se extiende entre el siglo XI y mediados del XII, coincidiendo con el florecimiento económico del siglo XII. Las vías de difusión del románico fueron la orden benedictina, porque era la única orden exenta de pagar tributos a Roma, y las peregrinaciones fomentadas por el monasterio de Cluny dirigidas a los Santos Lugares en Palestina, Roma, Santiago de Compostela y el Mont Saint Michel. A nivel psicológico un factor que desencadenó la aparición de este estilo es la denominada cuestión del milenio, consistió en un fenómeno de histeria colectiva de los hombres de Europa de finales del siglo X al creer que en el año mil sobrevendría el fin del mundo. Desde un punto de vista artístico el terror se traducirá en la presencia de monstruos y otros elementos iconográficos inspirados en el Juicio Final, tras comprobarse la falsedad de estas profecías se generó un sentimiento de acción de gracias que contribuyó a la renovación del arte religioso que dio lugar al románico. El románico constituye la expresión artística de la sociedad feudal, esto explicaría su carácter esencialmente religioso, rural y monástico, de hecho creó un nuevo tipo de construcción, el monasterio. La mayor peculiaridad de la sociedad feudal es su carácter abiertamente teológico que tiene su origen en la organización social de Platón, este orden social era predicado por la Iglesia y está organizado en una división tripartita de la sociedad, los oratores (los que rezan, el clero), los bellatores (los que luchan, la nobleza) y los laboratores (los que trabajan, los siervos).
La arquitectura románica
CARACTERÍSTICAS
Elementos sustentantes y cubiertas. El románico va a hacer uso del arco de medio punto, como soporte utiliza la columna y el pilar, este puede tener columnas adosadas. En el exterior, para contrarrestar los empujes de las bóvedas, aparecen contrafuertes. La bóveda de cañón suele estar reforzada por arcos fajones que descansan en los pilares, esta bóveda es característica del románico, igual que la bóveda de crucería lo será del gótico, este sistema se utiliza para cubrir la nave central, para las naves laterales se emplean bóvedas de arista, formadas por la intersección de dos bóvedas de cañón. El cimborrio (cúpula torre) se sitúa encima del crucero (lugar donde se cruza la nave central y el transepto), su construcción se soluciona mediante el uso de trompas (por influencia oriental) o el uso de pechinas (por influencia bizantina), tiene como función iluminar el interior del tempo. La tribuna se sitúa encima de las naves laterales, es imprescindible en las iglesias de peregrinación, sirve para conseguir mayor altura de la nave central y mayor luminosidad del templo, los vanos se sitúan en la parte superior de la nave central, pero sobre todo sirve para acoger a la masa de fieles.
