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-Considerando la necesidad de un manual de Introducción a la Formación Cinematográfica para el estudio de los alumnos de los Ciclos Intermedio y Medio, nos hemos esforzado por ofrecer un compendio claro, ordenado y preciso de los mejores trabajos existentes sobre el tema.
Esperamos que este pequeño manual sirva para descubrir nuevos horizontes de belleza y comunicación sobre los problemas humanos, que el buen cine, como ningún otro medio puede abrir para el espectador inquieto y alertado sobre la potencia del arte de nuestro tiempo.
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-Índice
PRIMERA PARTE
ORÍGENES Y DESARROLLO DE LA CINEMATOGRAFÍA ... 1
LECCIÓN 1
PRIMERAS EXPRESIONES ... 1 LECCIÓN 2
NACIMIENTO DEL CINE ... 5 LECCIÓN 3 EL CINE MUDO ... 15 LECCIÓN 4 CINE SONORO ... 21 LECCIÓN 5 PANORAMA MUNDIAL ... 29 SEGUNDA PARTE
ELEMENTOS QUE CONFORMAN UN FILM ... 39
LECCIÓN 6
INSTRUMENTOS DE LA PROYECCIÓN ... 39 LECCIÓN 7
ELEMENTOS DE LA IMAGEN ESTÁTICA ... 48 LECCIÓN 8
ELEMENTOS DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO ... 63 LECCIÓN 9
MONTAJE Y RITMO DEL FILM ... 70 LECCIÓN 10
ELEMENTOS COMPLEMENTARIOS ... 79
TERCERA PARTE
COMO NACE UNA PELÍCULA ... 88
LECCIÓN 11 GUIÓN Y TRATAMIENTO ... 88 LECCION 12 RODAJE ... 93 LECCIÓN 13 ELEMENTO HUMANO ... 99 LECCIÓN 14
TÉCNICA DEL MONTAJE ... 105
CUARTA PARTE
GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS
PODER DEL CINE ... 111
LECCIÓN 15
GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS Y SUS CLASIFICACIONES ... 111 LECCIÓN 16
EL ESPECTADOR Y SUS REACCIONES ... 117 LECCIÓN 17
EL FILM Y SU INFLUENCIA ... 123
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-PRIMERA PARTE
ORÍGENES Y DESARROLLO
DE LA CINEMATOGRAFÍA
LECCIÓN 1 PRIMERAS EXPRESIONES LENGUAJE DE LA IMAGENDesde el principio de los tiempos, los hombres, sintieron la necesidad apremiante de comunicarse entre sí, de expresar sus sentimientos, sus ideas e impresiones personales: los gestos o mímica y más tarde las palabras o sonidos convencionales, fueron los primeros medios de comunicación descubiertos por el ser humano.
Muy pronto el lengua je verbal o de palabra se hizo insuficiente para llenar los anhelos de la humanidad. Al hombre le hacía falta alguna forma de expresión que pudiera proyectarse al futuro salvando los inconvenientes de diferencias de idioma y escritura convencionales.
Así fue que empezó a pintar, de una manera muy simple, las formas que impresionaban sus sentidos: cazadores, bisontes, ciervos, etc., dando origen al establecimiento del lenguaje de la imagen, antes aun que el lenguaje escrito.
Pudiendo por lo tanto afirmarse que el origen del lenguaje en imágenes se remonta tanto como los orígenes de la humanidad misma.
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-Con las primeras figuras \pintadas en las paredes de las cavernas, el hombre descubrió un lenguaje universal capaz de ser comprendido por todos; la imagen representada no deja lugar a dudas: un bisonte o un cazador tendrán la misma significación pese a cualquier idioma o escritura.
PRIMEROS TESTIMONIOS
Los primeros testimonios de estos esfuerzos de la humanidad se encuentran presentes en las paredes y techos de algunas cavernas: conociéndose con el nombre de pinturas rupestres, las cuales, están hechas con colores vegetales, carbón, piedras afiladas y más tarde con punzones metálicos. Las más antiguas muestras de estos tiempos primitivos descubiertos por las generaciones posteriores, se encuentran en la Gruta de Altamira en España, pero constantemente se van encontrando en diferentes y distintos lugares de la tierra, nuevos restos de los esfuerzos que marcaron el ritmo de desarrollo de la especie humana.
En su avance por la evolución el hombre ha dejado otras reliquias valiosas de arte, cada vez más perfeccionadas. que nos dicen de su deseo de legar a las generaciones venideras la relación de sus hazañas y costumbres de vida. Muestra de ello son las pinturas etruscas, los frescos y jeroglíficos egipcios y los frisos del Partenón en Grecia. Lo admirable de todos estos trabajos no es solamente la realidad con que están representados los hechos, sino el aparente movimiento en ellos.
LENGUAJE EN IMÁGENES
Pero para narrar una historia no es suficiente una sola imagen sino la sucesión de una serie de imágenes coordinadas entre sí.
La intención de narrar de una manera completa y significativa los episodios de mayor importancia en la vida de los pueblos ha encontrado también expresiones muy anteriores a la aparición del cinematógrafo. Entre ellos podemos citar como el ejemplo más conocido la famosa Columna de Trajano, esculpida en bajo relieve donde en espiral y en una sucesión ordenada están representados los principales episodios de la guerra conducida por Trajano. Emperador de Roma.
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-Fig 1. Columna de trajano
Actualmente todavía nos servimos de la imagen fija para narrar o descubrir hechos de la vida real o de ficción. Tomemos como ejemplo las revistas de historietas o fotonovelas, álbumes de diapositivas o slides y selecciones de fotografías.
La diferencia esencial del cinematógrafo, radica, en que con el descubrimiento y esfuerzo de los hombres de estudio a través de la historia, se ha podido dotar de movimiento a las imágenes; por lo tanto – el cine es el lenguaje de la imagen en movimiento”.
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-CUESTIONARIO
1. ¿Cuándo nació el lenguaje de la imagen?
2. ¿Cuáles fueron las primeras expresiones del lenguaje en imágenes?
3. ¿Qué otras formas de comunicación o lenguaje conocemos? 4. ¿Qué ventaja tiene la representación en imágenes?
5. ¿Se usa todavía la imagen fija como medio de comunicación? 6. ¿Cuál es la característica de la cinematografía?
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-LECCIÓN 2 NACIMIENTO DEL CINE
FUENTES DE ORIGEN
Hemos dejado establecido que el cine es un lenguaje más por medio del cual pueden comunicarse los hombres. Ahora bien, si el lenguaje oral se vale de la palabra, la mímica de los gestos y el escrito de las letras, el cinematógrafo tiene como medio de expresión la imagen en movimiento.
La imagen es una forma de comunicación más universal que todas las otras que tienen que ser convencionales, luego, el cine resulta ser uno de los medios más eficaces de intercambio de conocimientos, necesidades e inquietudes entre los hombres de diferentes nacionalidades, idiomas o culturas.
Pero para que este maravilloso invento de la imagen en movimiento llegara a concretarse, tuvieron que pasar miles de años durante los cuales un gran número de sabios y científicos hicieron descubrimientos que sirvieron de base a la cinematografía.
Entre estas fuentes de origen podríamos citar como las más importantes:
-6 -1) La Persistencia de la Imagen 2) La Linterna Mágica
3) Los Juguetes Ópticos 4) La Fotografía
1) La persistencia de la imagen. Unos siglos antes de Cristo, el sabio griego Ptolomeo, hizo estudios sobre la retención de la imagen en el cerebro. Pero no fue sino hasta el siglo XVIII cuando d’Arcy estableció que transcurren trece centésimos de segundo antes de que el cerebro reciba la impresión de la imagen captada por la retina cuando el ojo recoge la imagen siguiente todavía la anterior no se ha borrado de la mente. Una sucesión de imágenes que pasan ante nuestra vista a una velocidad establecida hacen que se produzca en nuestra percepción la ilusión óptica del movimiento. Este es el fundamento de la cinematografía, tal como lo conocemos ahora.
Fig 2. Sucesión de imágenes
Tomemos, para hacer más comprensible. el ejemplo de los avisos luminosos. Una figura iluminada al apagarse deja paso a la siguiente que varía algo en su posición con respecto a la primera. Esta sucesión de imágenes da la impresión de que las figuras se mueven. En realidad hay
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-dos o más figuras que se suceden con una pequeña interrupción que produce la ilusión de movimiento.
El fundamento de la cinematografía es hacer pasar ante nuestros ojos 24 imágenes por segundo que se diferencian muy poco unas de otras. En la mente humana la recepción de estas imágenes se torna continua dando así la imagen movible que está cimentada en los conocimientos del fenómeno de: La persistencia de la imagen.
2) La linterna mágica. Los primeros testimonios de la proyección de imágenes se encuentran ya en algunos escritos de Platón. Pero es en China donde se sabe que se conoció la primera linterna mágica.
En Occidente es en el siglo XVII cuando el problema de la proyección apasionó a los hombres. En 1619 Descartes habla de: – construir un recinto donde la luz del sol al pasar a través de ciertas aberturas presentaría diferentes siluetas o figuras”.
En todas estas investigaciones, siempre se contempla la presencia de una fuente luminosa que pasando a través de ciertas formas proyecte éstas sobre una superficie blanca. Las primeras
experiencias concretas representan las Sombras Chinas o siluetas negras proyectadas sobre el fondo blanco. Más tarde la construcción de la Linterna Mágica del padre jesuita, Atanasio Kircher hizo posible la proyección de figuras coloreadas.
Fig 3. Linterna Mágica
La Linterna Mágica consiste en una caja donde hay un lente de aumento, un espejo reflector y una lámpara con chimenea. ya que
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-originalmente la lámpara era de aceite. Se mejoró mucho la proyección con el invento de la lámpara de calcio que da una luz más poderosa.
En la Edad Media ninguna feria estaba completa sino tenía el atractivo de la Linterna Mágica donde los espectadores por unas monedas podían contemplar las figuras más grotescas y cómicas.
Se hicieron varias innovaciones a la Linterna Mágica sea ponerle ruedas, proyectar detrás de una cortina de humo, etc., pero el principio era el de la lámpara original inventada por el P. Kircher. Invento que aún se conoce en los proyectores rudimentarios o de juguete.
3) Los juguetes ópticos. Cuando en el siglo XIX se generalizó el conocimiento de las experiencias sobré la persistencia de la imagen en la retina, se empezaron a aprovechar los descubrimientos para la construcción de un gran número de elementos de diversión que eran de atractivo muy popular.
El Taumatropo era un disco de cartón con dibujos en ambos lados, al hacer girar el disco las figuras se veían superpuestas. El Zeotropo que consistía en un tambor en cuyo centro cilíndrico iba una tira con dibujos en serie, el tambor tenía unas aberturas o ventanillas equidistantes. Al girar el tambor se veían las figuras en movimiento.
Mucho más interesante resultó el Praxinoscopio que fundándose en el Zeotropo, utilizó en vez del tambor con ranuras un prisma de doce espejos que reflejaban las figuras. Reynaud descubrió además la pantalla transparente o sea una placa de vidrio con un decorado de paisaje o ambiente que colocado entre el espectador y el prisma hacía ver las figuras moviéndose en medio del decorado. Este juguete era el más parecido a lo que después iba a ser el cinematógrafo.
Poco a poco se fueron haciendo considerables mejoras en el Praxinoscopio de Reynaud, tanto que junto a los albores del cine, el Teatro Óptico arrastraba gran número de aficionados.
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-Con todo, la inquietud del hombre es incontenible y la investigación sobre la fotografía en movimiento ya tenía sus precursores. Maybridge y Standford, en los Estados Unidos, montaron una plataforma con 24 cámaras fotográficas en una pista de carreras de caballos, pudiendo tomar fotografías sucesivas de los movimientos de los animales en marcha.
Estas fotografías aplicadas al juguete de Reynaud o sea el Praxinoscopío daban la impresión de una perfecta realidad del movimiento.
A medida que fue perfeccionándose la fotografía se descubrió la posibilidad de hacer tomas instantáneas y sucesivas gracias a una emulsión de mayor sensibilidad. El revólver automático inventado por Jannsen era capaz de tomar 50 fotografías en una placa circular. El rifle Fotográfico de Morey era capaz de tomar fotografías de objetos o animales en movimiento en doce disparos sucesivos. Estos y otros aparatos fueron las primeras cámaras registradoras de cinc que sólo esperaban el descubrimiento de un material flexible y capaz de ser un sostén adecuado para la emulsión de las sales de plata. El descubrimiento del celuloide fue pues el otro paso definitivo en el logro del milagro de la cinematografía.
PRIMEROS PASOS DE LA CINEMATOGRAFÍA
Fue en París el 28 de Diciembre de 1895 cuando los primeros espectadores asistieron maravillados a la primera sesión cinematográfica. Esta sesión fue organizada por los hermanos Lumiére quedando así inaugurada la era de la técnica, el arte y la industria del cine.
Los Lumiére nunca creyeron en la importancia de su invento, considerándolo como un instrumento de investigación, o simple aparato de física recreativa. Trabajaron con él por el espacio de ocho años y dejaron algunas muestras de películas que hoy tienen valor como recuerdo de los primeros pasos que se dieron en la producción cinematográfica. Augusto y Luis Lumiére enviaban operadores a diferentes lugares para tomar escenas de interés para la cámara, contribuyendo así, inconscientemente, a la creación de cinematografías nacionales.
-11 - Fig 5. Los hermanos Lumiére
Pronto, como sucede con toda corriente artística, el cine ofreció dos campos de acción diversos; uno, representado por Georges Meliés, que se recreaba en la fantasía que el cine podía representar y el otro, el realismo, en el que Ferdinand Zecca trabajó con gran entusiasmo.
GEORGES MELIÉS
Era un gran aficionado a la prestidigitación y los espectáculos de fantasía, por esto mismo vio desde el primer momento la posibilidad que ofrecía el cine para hacer realidad sus sueños de , grandes representaciones en este campo.
Cuando les propuso a los hermanos Lumiére la compra de uno de sus aparatos, estos no creyendo que el cine cobraría tanta importancia se negaron a vender una cosa tan inútil como una cámara de hacer cine. Meliés no se rindió ante la negativa y con el tiempo construyó una propia y comenzó a rodar sus películas.
Meliés hizo grandes aportes al desarrollo de la cinematografía. Fundó la primera empresa comercial para venta de sus films. Construyó el
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-primer estudio cinematográfico con una jaula de vidrio para aprovechar la luz del sol y filmar en interiores, pues hasta entonces solo se filmaba en exteriores. Instaló una cabina giratoria para la filmación. Y por último aunque circunstancialmente, fue el primero en descubrir el gran poderío del cine por medio del trucaje. Un día que Meliés se hallaba realizando unas tomas, la cámara no funcionaba; después de la reparación continuó filmando. Más tarde la proyección de este film le dio la gran sorpresa: los tranvías se convertían en coches fúnebres, los hombres en mujeres y… así nació el truco cinematográfico, que luego iba a tener infinitas aplicaciones provocando reacciones delirantes en el público.
La obra de G. Meliés abarca diversos géneros: “El caso Dreyfus” representa el género histórico; ‘‘La Cenicienta” los cuentos de fantasía y “Un viaje a la luna” tomado del libro de Julio Verne inició el género de ciencia ficción.
Pese a tan brillante trayectoria, Meliés murió en la miseria por su falta de sentido comercial. Se lo considera sin discusión como el creador del “espectáculo cinematográfico”.
LA PRODUCCIÓN SE ORGANIZA
La casa Pathé inicia el sistema de alquilar sus producciones en lugar de venderlas. Las casas de producción se organizan y comienza la carrera de inventos y patentes. El nuevo espectáculo ya puede alquilar salas de exhibición y al mismo tiempo se establece la contratación exclusiva de actores y directores.
Las sociedades de producción se multiplican y empieza la competencia. La casa Pathé cubre el mundo con la primera red comercial: Italia, Rusia, Estados Unidos, Japón, Suecia, España, Alemania aseguran la difusión de sus producciones. En esta misma época nace la productora de Adolphe Zuccor creador de la Paramount.
Ferdinand Zecca trabaja exclusivamente para Pathé dando origen al nacimiento de otro género que persiste hasta nuestros días: el policial. El estilo de Zecca es fundamentalmente realista, cuida especialmente los detalles en la producción de la realidad, nace así una modalidad constante del cine francés que se conoce como el “realismo negro”.
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-CINE DE ARTE
El esfuerzo por hacer del cine un espectáculo a gusto de los intelectuales de la época, da paso a la creación de obras cuidadas en la realización y argumentos y selección de personal productor. Así se presenta “El asesinato del Duque de Guisa” cuyo argumentista es el académico Henry Lavedan y los actores más famosos del momento. Camilo Saint-Saens compuso la música para este film, originándose así la primera partitura musical cinematográfica.
EL ESTRELLATO
En 1909 hace su aparición la primera estrella cinematográfica, es el cómico Max Linder que recorre el mundo aclamado por multitudes delirantes que se agolpan por ver en realidad al que ya conocen por los films preferidos del momento.
Se inicia así el mito del estrellato. Por la riqueza de su inventiva, la elegancia de su porte y la originalidad de sus ‘gags’ o payasadas, Max Línder es considerado el creador no solo del género cómico sino del propio actor de cine pues supo superar las gesticulaciones exageradas, descubrir fuentes de risa hasta entonces desconocidas.
Fig 6. Max Linder
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-En 1914, con la Primera Guerra Mundial se cierra una etapa del cine francés, las preocupaciones bélicas le impiden hacer frente a la cada vez más importante competencia norteamericana. Pero el cine ya ha echado raíces muy fuertes y está firme y con él, el cine francés que después de la contienda sabrá aprovechar de la influencia beneficiosa de los avances norteamericanos.
CUESTIONARIO
7. ¿Cómo definiría Ud. el cine? ¿Qué es el cine?
8. ¿Qué descubrimientos ayudaron a perfeccionar el movimiento de la imagen?
9. ¿Qué es la persistencia de la imagen?
10. ¿Cuántas imágenes por segundo pasa el cinematógrafo ante nuestros ojos?
11. ¿Quiénes son los primeros que ofrecieron el cinematógrafo al público?
12. ¿Qué aportes brindó Meliés al avance del cine? 13. ¿Qué entiende Ud. por “realismo negro”?
14. ¿Cuándo y para qué nació la primera partitura musical cinematográfica?
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-LECCIÓN 3 EL CINE MUDO
AVANCES EN NORTEAMÉRICA
En 1891, aún antes que en Francia, los Estados Unidos habían realizado un ensayo de su primera proyección. El gran sentido de organización que tienen los impulsó a crear el primer estudio de la historia de la cinematografía.
Casi simultáneamente a los primeros ensayos, Kodak inventó la película perforada que resolvió el problema del arrastre del film. Este descubrimiento aplicado al cine, significó, para los norteamericanos, un gran adelanto.
Desde entonces se lanzaron a la sistemática producción de películas sobre vaqueros, indios, amor y bailarinas; a ésta primera época corresponde el film: “El beso de Mary y John” donde los escandalizados espectadores por primera vez contemplaron un beso en primer plano. Como una reacción de puritanismo surgió en seguida el cine religioso filmándose la primera versión de “La Pasión”.
La fusión de la compañía Edison y la Biograph da origen al primer “trust” y el cine empieza a convertirse en un medio de lucro e industrializado al máximo. Cuatro años después de la primera
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-representación hecha por los Lumiére, en Estados Unidos se ofrece al público el primer film rodado en interiores y la luz de poderosos reflectores. En 1902 Porter presenta “El robo del Tren” que reviste importancia en la historia del cine debido a que es el primer esfuerzo en la sucesión de planos o sea el primer montaje paralelo, rodado en interiores y exteriores, alternando escenas.
LA MECA DEL CINE
El encuentro de intereses desencadenó un rompimiento entre los productores independientes que sostenían la conveniencia de los films artísticos y de largometraje que la producción italiana había puesto en boga y los grandes “trust” que se mantenían fieles a las producciones de corto metraje y poco costosas que les producían suculentas ganancias económicas sin demandar mayor esfuerzo.
El pequeño grupo de los independientes, enriquecido con el aporte de los emigrados de Europa: grandes actores y directores desplazados por la contienda bélica, se vio cada vez más acorralado y hubo de retirarse de Nueva York buscando un lugar más tranquilo para su actividad. Se establecieron en un pequeño pueblito del Oeste llamado: Hollywood.
Después de la guerra que le sirvió de trampolín, Hollywood sinónimo de cine, cobra todo el esplendor de su poderío comercial y contrata a los mejores directores: Cecil B. de Mille de origen franco-flamenco, Eric von Stroheim, “el supremo”, que ninguna historia que hable de cine podrá olvidar nombrarlo. De la misma manera acapara la actividad de los grandes astros nacidos en el viejo mundo: Greta Garbo “la divina”, Charles Chaplin y varios otros nombres célebres en todo el orbe y que a través de los tiempos contribuyen a crear la hegemonía de la Meca del Cine.
VALORES EN CINE NORTEAMERICANO
Tres son las celebridades que pueden considerarse como los pilares del cine en los Estados Unidos:
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-Thomas Harper Ince. Fue actor antes que guionista y director. Tiene el mérito de haber dotado al cine norteamericano de un género nuevo e inagotable: el “western”: Condujo la cámara de filmación a los espacios abiertos, narrando la conquista del Oeste y los episodios de la Guerra de Secesión.
Su obra ejemplar e inolvidable: “El Fugitivo” hacía trepidar las salas y señala la iniciación de un género que satisface en el hombre la sed de acción, el gusto por los planos infinitos, la justicia inminente y rápida y el triunfo del bien sobre el mal.
Fig 7. La época de Mack Sennett
Mack Sennett. El triángulo de personalidades del cine norteamericano de esta época lo integra Mack Sennett, quién se lanza por el camino de lo cómico. Inventa una embriagadora comicidad visual constituyéndose en una personalidad de gran influjo sobre el cine de la época. Introduce además un nuevo elemento: el ‘sex-appeal’. Posiblemente las “bellezas en traje de baño” que en 1915 partieron de Hollywood en conquista del
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-mercado mundial, hoy nos provocan hilaridad, pero fueron un nuevo elemento de éxito en la producción del momento.
Mack Sennett tenía un instinto extraordinario para descubrir talentos, entre ellos se cuentan: Buster Keaton, Fatty y sobre todo un joven inglés llamado Charles Chaplin. Apenas familiarizado con la pantalla crea su famoso personaje Charlot, que lo conduce a la celebridad mundial. Joven sensible, incomprendido que, ensaya cómicamente mantener su dignidad, Charlot se expresa con habilidad y ternura en una sucesión de episodios llenos de observación y. profunda psicología. David Wark Griffith. Es el tercero del grupo de vanguardia del cine norteamericano, es el verdadero “padre” de la cinematografía estadounidense. Si el francés Meliés hizo del cine un espectáculo, Griffith fue quien estableció casi todas las leyes de lo que hoy se llama lenguaje cinematográfico, sobre todo en sus dos películas: “El nacimiento de una Nación” e “Intolerancia” en las que tienen aplicación racional todos los elementos y medios propios del cine.
A partir de este momento la cámara deja de ser una registradora indiferente para copiar lo que ve y se convierte en un medio dotado de infinitos poderes para criticar, mostrar y enseñar.
Griffith es el creador del montaje, descubre el valor dramático del encuadre y el ritmo. El gran director ruso: Einsenstein dice de él: “A Griffith le debo todo. Sus dos películas son un modelo de utilización de todos los elementos conocidos e implantados por él”.
Griffith fue además prolífico como pocos, realizó un centenar de films y dotó a Hollywood de la mayoría de los directores que han perdurado hasta nuestros días.
LA VANGUARDIA FRANCESA
Francia resurgiendo de la Primera Guerra y con los aportes e influencias recibidas de Norteamérica, despierta una corriente de interés entre la intelectualidad que antes se mostró poco entusiasmada por esta nueva forma de expresión. Junto a los esfuerzos de un cine comercial se despierta la inquietud puramente estética dando así paso a la verdadera Escuela Francesa. Luis Delluc, que fuera enconado detractor inicia la
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-publicación de las columnas cinematográficas en los diarios, Merce L’Hervier se consagra como uno de los mejores críticos de cine, Abel Gance se arriesga a una serie de ensayos por demás novedosos, como ser: “Napoleón” proyectada en pantalla triple.
De este grupo nace un nuevo conjunto con nombres a cual más célebres que dan origen a “la Vanguardia Francesa”. Sus características principales son un inconformismo expresado con agresividad, la búsqueda por la renovación en la forma de la expresión y una marcada influencia marxista. Son surrealistas ofreciendo imágenes crueles y directas. Es un grupo llamado a tener una gran influencia en el cine de todos los tiempos.
Son muchos los nombres famosos que se cuentan entre sus filas: Ruttmann con “Sinfonía de una gran ciudad”: Jean Cocteau, Vígó Dulac, R. Clair con “Entreacto”, Buñuel con “El perro Andaluz”, etc.
LOS MAESTROS RUSOS
No se puede hablar de la edad clásica del Cine Mudo, sin detenerse a considerar la gran influencia y desarrollo del cine soviético.
Algunos esfuerzos esporádicos antes de la revolución del 17 no cuentan en la historia del cine ruso. Más, luego de nacionalizada la actividad cinematográfica por la revolución que vio más que nada la potencialidad de un medio de influencia político-cultural, emerge la calidad del cine soviético como un modelo para las generaciones futuras.
Vertoff funda el cine-verdad, una especie de noticioso en imágenes; según él, solo merece captar la realidad basándose en su teoría de la cámara-ojo.
Frente a Vertoff, Kulechov establece su estudio para la investigación de la esencia del cine. Sus experiencias sobre montaje son muy importantes en la historia del desarrollo del cine ruso.
Del estudio de Kulechov sale el gran director Einsenstein que en 1925 lanzó al mundo el “Acorazado Potemkin” inspirado en una revuelta de la marinería rusa. Este film no solo es una historia sino una corriente filosófica que se expresa a través de imágenes. El montaje es asombroso, la técnica de sus imágenes y el ritmo aún hoy sorprenden pese a los
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-adelantos logrados en cinematografía. El personaje central no es uno, sino la masa, el proletariado. No en vano la calidad del “Acorazado Potemkin” ha hecho escuela.
Otro gran realizador de la época clásica del cine es el danés Carl Dreyer quien con su incomparable “La pasión de Juana de Arco” de la cual emana una emoción artística de calidad provocada por la segura técnica de Dreyer, anunció la posibilidad de un nuevo elemento en la cinematografía de la época. Se dice que en la obra de Dreyer ya se adivinaba, sin oírse, el diálogo en los labios de sus actores. Así el cine iba a entrar por otro camino de éxito iniciando la era del cine hablado.
CUESTIONARIO
15. ¿Cómo nació la Meca del Cine?
16. ¿Qué interés llevaban los fundadores de Hollywood? 17. ¿Cuál es el mérito de Ince en el avance del cine?
18. ¿Cómo contribuyó Sennett al éxito del cine norteamericano? 19. ¿Cuál es el valor de Griffith en la historia del cine?
20. Cite dos películas importantes del cine norteamericano de esta época.
21. ¿Qué grupo importante hace su aparición en Francia en este tiempo?
22. ¿Quién es el Director de la más importante película rusa? 23. ¿Cuál es el valor dentro de la historia del cine de este film
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-LECCIÓN 4 CINE SONORO
IRRUPCIÓN DEL CINE HABLADO
La versión de “La Pasión de Juana de Arco” dirigida por el gran director Carl Dreyer y protagonizada por la incomparable Renée Falconnetti, es mundialmente reconocida como una de las obras clásicas de la pantalla y puede ser considerada como el eslabón entre el cine mudo y el parlante ya que la emoción artística que emana de ella hace presentir que muy pronto el cine hablará.
El sonoro nació en los Estados Unidos alrededor del año 1926, impulsado sobre todo, por buscar una renovación del espectáculo cinematográfico que iba decayendo en el interés del espectador. “Don Juan” dirigida por Crosland fue presentada en Nueva York, acompañada de un fondo musical. Sí bien este no es sino un trabajo de sincronización entre el disco y el film, se puede decir que ya inició los ensayos en el campo del cine hablado, el cual apenas nacido es acogido con gran entusiasmo y el público rechaza en forma unánime las películas que tienden a quedar mudas.
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Fig 8. Renée Falconetti en “La Pasión de Juana de Arco” de Carl T. Dreyer
Artísticamente la obra cinematográfica sufre un retroceso ante la aparición de este nuevo elemento. Esta es la época en la que los “trusts” financieros establecidos en Wall Street, ponen las manos sobre las grandes compañías productoras de Hollywood, que afrontan dificultades económicas; se financian los nuevos estudios y la industria del film se transforma en un negocio que en “algunos” casos crea un éxito artístico.
AVANCES Y DIFICULTADES
“Melodía de Broadway” dirigida por Harry Beaumont es la primera película americana que da verdaderamente la impresión de que en un día no muy lejano el cine mudo quedará definitivamente desplazado por el hablado que irá poco a poco superando los grandes escollos de la sincronización y el uso racional de la banda sonora.
A medida que se avanza en este campo, se llega a la conclusión de que los ruidos y la palabra deben acompañar a la imagen y no superponerse a ella inútilmente.
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-Se busca afanosamente una complementación eficaz entre una y otra. Los primeros films no son otra cosa que teatro filmado, se abusa del diálogo y de la música; el tema se torna intrascendente, los esfuerzos por el perfeccionamiento de la imagen quedan relegados al olvido.
El tiempo se encarga de ayudar en el dominio de esta nueva técnica. Las grandes compañías de electricidad se esfuerzan por encontrar un medio capaz de rebajar el costo y disminuir los defectos de grabación y sincronización; el descubrimiento de la posibilidad de impresionar el sonido en la misma película es aceptado unánimemente con gran alborozo.
Realizadores y técnicos trabajan con ahínco en el nuevo sistema; disimular los micrófonos, eliminar los ruidos inútiles; hacer los diálogos más precisos, evitando los parlamentos largos y molestos, son las metas perseguidas. Las filmaciones en exteriores vuelven a hacerse casi imposibles. Aparece un nuevo defecto: por seguir la palabra se hace muy marcado el campo y contracampo en la toma de la imagen.
Luego, los primeros entusiasmos se atemperan poco a poco, el cine hablado habla menos y se descubre la elocuencia del silencio.
ESTADOS UNIDOS, FRANCIA Y EL HABLADO
En los Estados Unidos; la gran crisis del año 20 todavía está fresca en el recuerdo, y el público quiere olvidar, distraerse. Es el tiempo de la comedia superficial. La banda sonora renueva el género de los “westerns” y “Tarzán”, las revistas musicales invaden el mercado. El primer musical que da la vuelta al mundo es el “Cantor de Jazz” en 1927; presenta un diálogo extenso alternado con importantes partes cantadas por el famoso Al Jolson, el film es dirigido por Crosland.
Nace un nuevo género “nacional norteamericano”, el film de gansters. Solamente King Vidor lanza en este período una obra valedera: “Aleluya”, emocionante poema de amor y de muerte sobre los negros americanos. Contrata negros auténticos y sobre todo hace un uso admirable de la banda sonora, equilibrando diálogos, cantos y ruidos.
John Ford incursiona en el intento de conjuncionar el análisis psicológico con la acción; sus films cobran mayor categoría que los
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-“westerns” corrientes, poco comprometidos, “Viñas de Ira” es un digno ejemplo de las películas de “cowboys” que Ford logró elevar de rango.
Se populariza el dibujo animado, no ya como complemento sino para conformar por sí solo programas enteros. Walt Disney, después de “Blanca Nieves” (1938) dibuja toda una serie de cartones llenos de escenas frescas o fantasías maravillosas y poéticas.
Estalla la Segunda Guerra Mundial.
Las proyecciones se dedican a exaltar la libertad, el patriotismo, etc., pero la economía está dirigida a armarse y preparar la intervención de Estados Unidos en el conflicto bélico.
El gran acontecimiento en la historia del cine Hollywoodense de este momento es la aparición imprevista de un cineasta único en su género, un hombre marcado por el genio: ORSON WELLES. Irrumpe con una obra revolucionaria y ha dotado al cine norteamericano de todo su extraordinario poder. Orson Welles por sí mismo constituye un género cinematográfico con obras sin clasificación, no solo por el uso admirable que hace de la profundidad de campo sino por sus imágenes brutales, sus encuadres insólitos y ritmo inquietante. Su primer film: “El Ciudadano”, producida en 1941, está considerado entre los mejores de la historia de la cinematografía universal.
Al lado de todos estos célebres nombres del cine, la técnica también sigue sus progresos. Al fin de los años 30, hace su aparición el color con una realización atrevida por la duración y costo: “Lo que el viento se llevó” dirigida por Víctor Fleming en 1939, tuvo que esperar el final de la guerra para lograr en Europa un éxito sensacional.
En Francia como en Norte América, el cine sonoro perjudicó el perfeccionamiento de la imagen. Abundan las obras que no son sino teatro filmado.
Solo grandes directores, militantes de la influyente “vanguardia francesa”, como René Clair y Jean Vigó parecen darse cuenta del verdadero papel del sonido en servicio de la imagen.
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-Hacia el año 1934 se nota cierta inquietud artística. Jean Renoir, hijo del gran pintor impresionista, que ya había tenido algunos aportes al cine mudo, retorna al cine hablado con una producción llena de naturalidad y exactitud en la observación psicológica. Junto a él nace otra corriente la del naturalismo puro que desata una serie de obras realistas plenas de amarguras y sordidez que son la expresión de una Francia desmoralizada y dominada por el fantasma de una nueva guerra.
El período comprendido entre el 34 y el 39 es de una fecundidad sorprendente para Francia, caracterizándose por la aparición de la mayoría de los nombres que han hecho del cine francés uno de los preferidos de todos los públicos. Podemos citar a: Jean Gabin, Pierre Brasseur, Michele Morgan y Daniele Darrieux como actores y directores de la talla de: Carné, Clouzot, Duviviere, Clair.
En 1941 los estudios reabren sus puertas. No se trata de producir obras que ataquen al enemigo o lo favorezcan. Todo argumento de la realidad está proscrito y los directores se refugian en la evocación y el cuento fantástico. Carné toma inspiración de la Edad Media: “Los visitantes de la Noche”; Delannoy: “Tristán e Isolda”; Jean Cocteau: “La Bella y la Bestia”.
La aventura policial constituye otra fuente de inspiración. El cine que trata de contribuir al renacimiento moral peca de puritanismo.
Los rigores de la ocupación, las insoportables dificultades materiales la imposición de la censura no lograron ahogar el cine francés. Por el contrario la complejidad misma de la empresa obliga a los directores a adaptarse a las exigencias y los jóvenes cineastas que serán después los maestros del cine francés han nacido de la post-guerra.
FRANCIA, ESTADOS UNIDOS Y LA POST GUERRA
La guerra había destrozado los pueblos, removido sus condiciones de vida, el éxito de las armas había borrado o suscitado nuevos regímenes políticos, remodelando sistemas ideológicos: la post-guerra exigía un renacimiento espiritual.
Francia renace a un cine renovado cuidado hasta la meticulosidad. Sería interminable la lista de los realizadores de valor que
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-han contribuido a imponer el cine francés en el consenso internacional. Basta con nombrar a Robert Bresson, cristiano independiente, Tatí el gran valor del género crítico-cómico del momento: Truffaut, Godard, Mallé y Vadim entre los iniciadores de la “nueva ola” cuyo mérito y características son un rompimiento con el academismo cinematográfico y el descubrimiento de valores improvisados para la actuación echando por tierra la establecida condición del ‘Star system’.
Fig 9. “Los 400 Golpes” de François Truffaut
La “Nouvelle Vague” o “Nueva Ola” se funda en base a un numeroso grupo de gente que domina la teoría del cine. Son inconformistas y lanzan su repudio a la organización social por medio de argumentos casi autobiográficos. Se valen mucho de la foto fija y de las tomas largas o planos secuencia. Moralmente son amargos y en nombre de la sinceridad ofrecen un espectáculo donde generalmente el triunfo de los instintos supera a la generosidad. Posteriormente de entre estos realizadores surgen valores interesantes en la búsqueda del auténtico lenguaje cinematográfico, escrutador del alma humana e intentando prescindir de la palabra para llegar a la expresión de la imagen por sí misma. Podemos citar a: Resnais, Agnes Varda y Jacques Demy, sus obras más conocidas son: “Hiroshima Mon Arnour”, “El año pasado en Marienbad”, “La Felicidad” y “Los Paraguas de Cherburgo”.
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-En Norteamérica el período de post-guerra presenta un número de films de gran éxito, obras de directores cuyos nombres nos son familiares: Hitchcock, el maestro del suspenso: Minelli que dignifica el género musical: Donen, Brooks y Losey que figuran como los directores más inteligentes del cine americano. Hay un buen número de directores que hacen esfuerzos por categorizar de nuevo la producción que en cierto momento estaba siendo arrollada por la auténtica y afanosa búsqueda de los países de Europa.
A esta nueva corriente de “realismo norteamericano”, podríamos atribuir nombres de directores consagrados con obras de acusación y valiente autocrítica, ellos son: Aldrich, Losey, Brooks, Delbert Mann, Lumet, Kuvic, Ritt. Casi todos produciendo lejos de Hollywood y aun de Norteamérica. Actualmente ha nacido una nueva escuela conocida como ‘underground’ (subterránea).
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-CUESTIONARIO
24. ¿Cuál fue el “motivo que impulsó al cine sonoro? 25. ¿Qué retroceso sufrió el cinematógrafo con el sonido?
26. ¿Podría Ud. explicar los errores y defectos de los primeros films hablados?
27. ¿Qué género se imponen en Estados Unidos en las primeras realizaciones sonoras?
28. Cite dos fílms de importancia correspondientes a esta época del cine Estadounidense.
29. ¿Cuáles son los méritos de Orson Welles como director?
30. ¿Quiénes mantuvieron la categoría del cine francés durante la primera época del sonoro?
31. ¿A qué obligó la ocupación nazi en la actividad de cine en Francia?
32. ¿Cuáles son las características de “la Nueva Ola” francesa? 33. ¿Cuál es la nueva corriente que siguen los directores en el cine
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-LECCIÓN 5 PANORAMA MUNDIAL
IMPORTANCIA DE LOS CINES NACIONALES
Conviene desde todo punto de vista hacer una revisión, aunque somera, sobre el desarrollo de la actividad cinematográfica en los diferentes países ya que cada uno de ellos ha aportado con su propia personalidad y características al desenvolvimiento de la producción en general. Nadie puede decir que no recibe una influencia de lo que ha visto o leído sobre las experiencias del otro. En cine pasa lo mismo, por muy personal que sea una producción no podrá liberarse de las primitivas leyes dictadas por Griffith o los primeros ensayos hechos por Meliés. De igual manera el “expresionismo alemán” o la “corriente naturalista” del cine nórdico se impondrán según la temática o inclinaciones artísticas de los realizadores. Hay corrientes o escuelas de tanto poder y vigencia como el “neorrealismo italiano” o la “vanguardia francesa” que pese a los pasos de independencia y nueva modalidad que toma el film de hoy no podrán nunca escapar de remitirse a la inspiración de aquellos aportes que uno y otro pueblo han hecho a este medio de comunicación que es el más completo y elocuente.
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-ALEMANIA
No se puede realmente hablar de cine alemán hasta el año 1916 en que algunos autores logran cierta notoriedad a través de films en su mayor parte policiales o comedias sentimentales, pero muy pronto el Estado descubre el poder de influencia del cine y lo convierte en instrumento político.
Los productores, en una actitud de fuga del control estatal se refugian en temas fantásticos e irreales con una búsqueda plástica nueva e impresionante. Nace así el expresionismo Alemán.
Esta joven escuela cobra todo su vigor después de la amnistía de 1918. La tendencia nacida del gusto innato de los alemanes por lo fantástico, rehúsa la reproducción de la realidad cotidiana y busca la composición de un ambiente especial por medio de la deformación sistemática de los objetos, los seres y las situaciones. Los escenarios presentan sujetos y argumentos mórbidos (locos, fantasmas, vampiros) que animan visiones logradas por medio de una desarticulación total de la arquitectura y la forma.
El expresionismo alemán se fundamenta en una gran cultura plástica de tipo pictórico y tradición teatral que inspira a sus creadores. Hace mucho uso de las luces y sombras y diagonales angustiantes. Esta escuela tiene mucho influjo sobre los films de terror y dramas caóticos y obsesivos.
Entre la producción más valiosa de esta escuela se puede citar: “El Gabinete del Doctor Caligari” de Wiene; “Nosferatu” de Murnau; “El Doctor Mabuse” de Fritz Lang y la más popular quizá por ser posterior: “El Gabinete de las figuras de Cera” de Leni.
A partir de 1934 vuelve a imponerse el Estado sobre la actividad cinematográfica y nace el film nazi al servicio del sistema. Ampuloso, de una grandiosidad externa y de una propaganda con miras a ofrecer un futuro jubiloso logrado por el militarismo triunfante. Toda inspiración personal queda ahogada y los mejores emigran: Pabst, Lang y el valioso guionista Carl Meyer se refugian en Hollywood.
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-Fig 10. El Gabinete del Dr. Caligari de Wiene (Expresionismo Alemán)
Después de la caída de Hitler, Alemania debilitada, dividida empieza a dejarse llevar a una actitud de autocrítica poco convincente (“Los Asesinos están entre nosotros” de Staudt), o por una prédica idealista de evasión (“El último puente” de Káuhner); lo innegable es que la inspiración ha quedado relegada y está a la espera de la obra o el maestro que aún no ha llegado.
PAÍSES NÓRDICOS
Tres serían las principales características sobre las que se asienta el cine nórdico.
Introducir el paisaje como un elemento dramático-poético de tal manera que se lo puede considerar como un personaje más dentro de la historia; el cine escandinavo es por sobre todo naturalista: La naturaleza juega un papel importante en el desarrollo de la vida misma de las gentes.
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-En segundo lugar: ésta es la primera escuela que descubre el poder de la cámara para retratar la interioridad del actor. Es un cine que tiene fuerza psicológica y profundidad en sus planteamientos.
Y por último su temática siempre trata problemas trascendentes, se apasiona por lo sobrenatural y lo cósmico.
Nació en Dinamarca para luego imponerse a través de Suecia. Hollywood se enriqueció con el aporte de varias personalidades que emigraron a Norteamérica ya sea por la situación bélica o atraídos por el poder del dólar. No fue sino hasta el año 1940 cuando se inició la reacción en su producción nacional. Son muchos los nombres célebres pero uno de los más conocidos y que han logrado mayor popularidad es el de Ingmar Bergman. Filósofo, psicólogo apasionado por lo barroco y obsesionado por el tema de la felicidad aborda problemas de conciencia. En su obra se destaca la duda, la ansiedad, que a veces se traduce en imágenes de extrema crudeza.
RUSIA
El cine soviético nace con toda su pujanza a partir de la revolución de 1917. Aunque luego como en todas la dictaduras cayó bajo el control estatal.
Fig 11. Del “Acorazado Potemkin”, una mujer con su hijo muerto
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-Nunca el cine soviético dejó de ser dialéctico o sea de propaganda, pero la dictadura artística que sufrió en los primeros tiempos no restó cualidades a la obra, de ahí que, la narración del preludio de la revolución de Octubre constituye una obra maestra y hace época en la historia mundial del cine. “Acorazado Potemkin” dirigida por Sergio Einsenstein es un film en el que no hay estrellas, la fuerza está, en la presencia del pueblo en marcha.
Los maestros del cine ruso parten de la experimentación y hacen grandes aportaciones al avance de la técnica. El montaje los apasiona, prescinden de los primeros actores, la masa del pueblo es su personaje principal, el ritmo y la fuerza de la filosofía encarnada en sus imágenes es imposible de analizar. Sus realizadores más célebres están respaldados por un gran dominio de las leyes de la estética y la técnica.
A la escuela soviética corresponden nombres ilustres en la historia del cine y cuyas leyes aún rigen las producciones más categorizadas. Dziga Vertov fundó el cine-verdad basándose en la “cámara-ojo”.
Fig 12. Un primer plano de temor ante la represión (Cine Soviético)
Kulechov establece su estudio para la investigación de la esencia del cine. Sus experiencias sobre el monta je han creado leyes que aún hoy subsisten.
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-La llegada del sonoro provocó una reacción entre los realizadores rusos los cuales lanzaron una declaración afirmando que el sonido debe estar al servicio de la imagen. Fueron ellos los primeros en comprender los peligros y ventaja del parlante.
GRAN BRETAÑA
Los primeros pasos del cine en Inglaterra, corresponden a la escuela Brighton (1899), formada por un grupo de fotógrafos de playa que experimentaron con los diferentes planos pero sin pretensiones de temática, simplemente crean juegos ópticos; más tarde, gracias a un grupo fundado por Grierson en 1929, Inglaterra aporta al cine la escuela de documental. Nace impulsado por el deseo de sus fundadores en presentar ante la consideración del mundo los problemas y angustias del hombre común y desconocido al que habría por lo menos que comprender.
Sí bien esta escuela recibió mucha influencia del moví miento de “la vanguardia” de Francia, ellos a su vez han influenciado notablemente sobre el cine moderno de Inglaterra o sea el “free cinema” actual. También se puede afirmar que el neorrealismo italiano tomó su inspiración del “documentalismo inglés”.
El “free cinema” o cine libre nació en 1959, con un grupo también organizado que sigue las mismas inquietudes y tendencias, es un cine de protesta o anticonformismo contra el tradicionalismo inglés. Su actitud es desmitificante y hasta ofensiva, desnudando las lacras de una sociedad hipócrita y egoísta. En nuestros días han logrado imponerse en el mundo cinematográfico no solo con directores de gran valía como Richardson, Clayton y Lester sino que también han consagrado actores de primera línea que encarnan personajes de gran fuerza en la crítica del momento.
ITALIA
Simultáneamente con los primeros pasos del cine mismo, nace la actividad cinematográfica en Italia; recordemos que fue ella quien hizo la aportación del cine histórico con sus grandes espacios, escenarios colosales y movimientos de masas. En los primeros avances de técnica utilizó exitosamente el “travelling”, la iluminación e impuso temas de
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-conocimiento popular donde solo la imagen bastaba para la comprensión de la obra ya que ésta era familiar para los espectadores. A la producción italiana de este período corresponden obras célebres como: “Cabiria” de Pastrone, “Últimos días de Pompeya” de Maggi, etc.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la producción en Italia, siguió la corriente del cine nazi, predicador del fascismo resultó un medio dócil en manos del Estado.
Al comenzar la caída de Mussolini y por lo tanto el deshielo de la dominación alemana, Italia encontró la clave de la genialidad, fundando una escuela que ha de ser de influencia decisiva para la actividad universal cinematográfica.
Roma estaba todavía ocupada por las tropas alemanas, cuando un director y un escenógrafo unían sus talentos y con medios de fortuna muy reducidos, realizaban un film lúcido y de quemante actualidad. Estos hombres eran: Roberto Rossellini y Federico Fellini, la película: “Roma, ciudad abierta”. Nacía así el glorioso NEO-REALISMO.
Esta corriente está basada sobre la observación de la vida cotidiana, rica, para quienes saben ver, en dramas reales más interesantes que los de las historias de imaginación. La Italia de post-guerra ofrece un panorama de miseria material y moral; la falta de recursos limita los medios de producción, la cámara sale a la calle y filma. El drama es Italia destrozada, aniquilada, pero el tema es de todos los hombres doloridos a través de los tiempos. De esta manera el neo-realismo pasa de fenómeno nacional a internacional.
Las características principales de esta corriente son: el realismo ambiental obligado por la falta de recursos, el respeto por el tiempo real, tomas largas casi limitadas a la realidad de la vida misma, y en tercer término, la presencia de un sentimiento poético dulcificador del sufrimiento, idealizándolo.
Sería largo enumerar toda la producción y los nombres que han dado brillo al neo-realismo, bástenos con algunos de los más conocidos: Roberto Rossellini con “Roma, ciudad abierta” en 1945 y “Paisá” en 1946; De Sica con “Sciuscia” o “El limpiabotas” y “El ladrón de bicicletas”; Fellini como el cantor del sufrimiento y la trascendencia del
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-hombre; Latuada, y por último Zavattini, guionista que junto a De Sica constituyó un binomio célebre por mucho tiempo proclamando la fe en el hombre pese a la miseria de su mundo.
Posteriormente el nuevo cine italiano mantuvo el esplendor logrado con el NEORREALISMO, gracias a algunos directores empeñados en la crítica y la denuncia de la hipócrita burguesía y la preocupación por la soledad y la angustia contemporánea. Merecen recordarse los nombres de: Felliní, Antonioni, Visconti, Pasolini y Germi, entre otros más.
Fig 13. “Ladrón de Bicicletas” de V. De Sica (Neorrealismo)
NUEVOS APORTES
Es cada día mayor el número de películas inesperadas que atraen la atención y conquistan los premios en los festivales. La supremacía de los grandes enfrenta una competencia que llega de otros países de los cuales se ignoraba la producción.
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-INDIA
Con una profusa producción entre la que a veces se descubren obras llenas de encanto y riqueza interior.
POLONIA
Que a través de obras de gran calidad humana relata el mundo de sus años de martirio, exaltando su dignidad frente al sufrimiento. (“Cenizas y Diamantes” de Wajda).
JAPÓN
Que vierte en el cine toda la cultura teatral y plástica de su raza. Sus obras aparte de ser un recreo para la vista, conmueven por la solemnidad de su ritmo haciéndonos conocer más de cerca el alma del extraño y admirable mundo oriental. Kurosawa, Kaneto Shíndo, Kobayashi son directores que han impuesto su prestigio en el quehacer cinematográfico.
LATINOAMÉRICA
El país latinoamericano que ha cobrado mayor relieve en el campo de cine es indudablemente BRASIL. Su mensaje es comprometido, acusador; sus imágenes fuertes, crudas reales. Los nombres que lo enaltecen son: Glauber Rocha, Pereira dos Santos, Diegues en el NOVO CINEMA BRASILERO.
Argentina con producciones que tratan de salir de la mediocridad y algunos directores empeñados a hacer buen cine, como Torre Nilsson, Khun. Pero la mayor parte de su producción está destinada simplemente al entretenimiento.
Chile y Bolivia se destacan actualmente por un cine sensible de la problemática social la calidad de sus imágenes, la fuerza del guión y han conquistado lauros en festivales internacionales. “El Chacal de Nahueltoro” de Miguel Littín (Chile); “Ukamau” y “Yawar Mallku” de Jorge Sanjinés (Bolivia) son muestras del progreso de los países jóvenes.
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-CUESTIONARIO
34. ¿Cuál es el aporte que ha hecho Alemania a la actividad cinematográfica? ¿Sus características?
35. El cine nórdico, ¿por qué se conoce también como “naturalismo”? ¿Cuál es el aporte técnico que hizo esta escuela?
36. ¿Qué entiende Ud. por cine-verdad? ¿Quién lo fundó?
37. ¿Cuáles fueron las experiencias más importantes de Kulechov? 38. ¿Qué escuela inglesa es la que ha tenido gran influencia sobre
el desarrollo de la cinematografía?
39. ¿Qué es el neo-realismo? ¿Cuáles son los principales realizadores?
40. ¿Cuál es hoy en día el papel del invento recreativo de los hermanos Lumiére?
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-SEGUNDA PARTE
ELEMENTOS QUE CONFORMAN
UN FILM
LECCIÓN 6 INSTRUMENTOS DE LA PROYECCIÓN LA CÁMARAEs el aparato que permite “tomar” o impresionar, a un ritmo regular, la serie de fotografías que han de darnos, al proyectarse, la impresión de la imagen en movimiento gracias al fenómeno de la persistencia de la imagen en la retina.
El modelo más simple consiste en una caja o “cámara oscura” herméticamente cerrada para no permitir el paso ni del más débil rayo de luz. En la parte posterior de esta caja se encuentra el MAGAZIN que no es otra cosa que el con junto de los dos carretes o tambores que enrollan la película.
La cámara en su parte delantera presenta un formato generalmente rectangular donde se encuentran uno o varios OBJETIVOS o sistema de lentes que hacen posible la impresión de la imagen sobre la película. Estos lentes, además de reducir invierten la imagen al transportarla a la cámara oscura.
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-Fig 14. La cámara
Detrás del objetivo está el OBTURADOR o DIAFRAGMA que es un dispositivo que se abre o cierra, más o menos, para dejar paso a mayor o menor cantidad de luz de acuerdo a la luminosidad del objeto o a la sensibilidad de la película.
El VISOR o mirilla permite controlar la nitidez y los límites de la imagen enfocada. El visor está basado en un sistema óptico para controlar “el paralelaje” o sea la diferencia entre el ángulo que capta el objetivo y el ángulo que ve el ojo del operador.
EL SISTEMA DE CORRIDO del film está formado por unas ruedas dentadas donde se ensartan las perforaciones laterales de la película. Este sistema puede ser accionado eléctricamente por un botón o manualmente por medio de dos manivelas. La película virgen se desenrolla de uno de los tambores y formando un BUCLE superior se
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-ensarta en una de las ruedas dentadas, pasa por detrás del objetivo, es impresionada y vuelve a ensartarse en la rueda inferior dentada formando otro BUCLE inferior que luego se enrolla en el tambor inferior.
Generalmente el aparato para la grabación del sonido va conectado o acoplado a la cámara; en algunos casos la grabación sonora: ruidos, diálogos y música, se realizan aparte para sincronizar durante el montaje del film.
EL PROYECTOR
Si la cámara no es otra cosa que una máquina fotográfica, dotada de un sistema de arrastre continuo de la película, de la misma manera se puede decir que el PROYECTOR no es otra cosa que una -linterna mágica- perfeccionada.
El PROYECTOR es una gran caja metálica dotada de un sistema de ventilación o chimenea para renovar el aire caliente que se produce por la poderosa fuente de luz que necesita la proyección.
Fig 15. El proyector
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-En la parte delantera tiene un sistema de lentes, llamados OBJETIVOS los cuales reflejan la imagen del film hacia el “ecran” o “pantalla” en la posición correcta y ampliada, ya que ante el objetivo pasa invertida y muy reducida.
Una FUENTE LUMINOSA de gran poder es la que se encarga de hacer visible la imagen sobre la pantalla. Son varias las formas de producir la luz necesaria en los proyectores pero una de las más corrientes, en los aparatos comerciales, es el “arco voltaico” producido por dos carbones cuyos extremos están conectados a los polos de una corriente continua. Al acercarse los carbones se produce la incandescencia que consume lentamente los extremos en contacto, empero se mantiene la corriente en forma de arco que va de uno a otro extremo de los carbones, de ahí su nombre de: ‘arco voltaico’. La luz que se produce es muy poderosa y blanca: pese a que constantemente se va innovando y descubriendo nuevos sistemas, hasta hoy, ésta es la forma más usual y conveniente, sobre todo en nuestro medio.
Para los aparatos más pequeños o sea de 16 mm y 8 mm generalmente la fuente de luz es una bombilla incandescente con una capacidad de 500 a 1000 vatios.
La reproducción de la banda sonora, ya sea fotométrica o magnética, cuenta con el sistema reproductor conveniente, colocado dentro del mismo proyector. Todo el conjunto tiene un sistema de engranaje y movimiento sincronizado que en forma continua y a la velocidad conveniente va reproduciendo la imagen y el sonido.
LA PANTALLA
La pantalla de proyección o sea la superficie blanca sobre la que se proyecta la película es otro elemento importante para la calidad de la imagen.
Para las películas mudas la pantalla puede ser una superficie compacta, pero el cine sonoro requiere una pantalla que facilite el paso de las ondas sonoras emitidas por el ''altoparlante” colocado detrás de la pantalla.
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-Por lo tanto, el material de la pantalla tiene que ser de una trama abierta y además lleva una capa o “baño'' de vidrio molido, fijado con pintura o goma, que ofrece una mayor refracción de los rayos luminosos. Favoreciendo al espectador que recibe una imagen perfecta sin depender mayormente del ángulo de la situación que ocupe.
En cuanto al tamaño, son bien conocidas las diferencias de dimensión de acuerdo al sistema de las nuevas técnicas.
La pantalla PANORAMICA es cóncava y 2 tercios más larga que la cuadrada normal, dando una visión de conjunto muy amplía.
El CINERAMA requiere una pantalla semi-circular (casi 6 veces más grande que la normal) para reproducir las tres imágenes que en la proyección se funden en una enorme y de gran conjunto.
Estas pantallas, si bien, tienen la ventaja de ofrecer un mayor campo de acción y ambiente, restan mucho a la profundidad y estética de la composición. Esta es una de las razones por la que los grandes directores que tratan temas serios y profundos, prefieren sujetarse al tamaño normal de cuadro chico, aún a riesgo de que la obra parezca antigua y poco espectacular.
LA PELÍCULA
La materia prima del cine, así como de la fotografía, es la película sobre la que se imprime la imagen.
Los tipos de película usadas comúnmente son: de 35 mm, de 16 mm, y de 8 mm.
La película de 35 mm presenta unas perforaciones a ambos lados que enganchándose en los dientes de la filmadora o proyectora, sirven para el arrastre de la película. Este es el tipo de film más corriente en la producción cinematográfica comercial, ya que, su costo y el de los aparatos que requiere hacen prohibitivo su uso para fines de simple afición.
La película de 16 mm es usada con fines comerciales o particulares. Puede ser muda o sonora; cuando es muda lleva
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-perforaciones a ambos lados, en cambio la sonora solo lleva a un lado ya que el otro está ocupado por la banda sonora.
Fig 16. La Película
Por último, el film de 8 mm es mudo y se usa solo para filmaciones de muy corta duración y en ensayos no profesionales. Tiene perforaciones a un solo lado. Tanto la cámara de filmación como los proyectores para las películas de 8 mm son económicos, siendo por lo tanto muy generalizado su uso para fines no comerciales y de uso familiar.
Las primeras películas utilizadas por los Lumiére en 1895 eran de 42 mm. La película de 35 mm propuesta por Edison, fue adoptada internacionalmente a partir de 1906, para facilitar el intercambio en la producción y establecer un tipo universal de cámaras filmadoras y proyectoras. De igual manera se estableció un patrón general en las reglas de la perforación de las películas: cuatro perforaciones bilaterales por imagen o cuadro.
Desde los primeros pasos en la cinematografía, ya se tiene noticias de experimentos hechos sobre diferentes dimensiones de películas, pero no es sino con el advenimiento de la televisión que el cine se ve obligado a defenderse de la pantalla chica y ofrece al público innovaciones más o menos aceptadas.
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-De ahí la aparición de los grandes formatos entre los que se cuentan:
La producción de 70 mm que es el doble de la de 35 mm. Al principio se trató de aprovechar las películas de 35 corridas en horizontal, luego, el sistema Todd-a-0 que utiliza films de 70 mm usados en corrido vertical pero que tiene el inconveniente de requerir máquinas y material especial subiendo mucho el costo de producción.
El cinemascope gracias al sistema de lentes conocido como: “hipergonar” reduce la imagen en la filmación y la amplía en la proyección, pudiendo por tanto usarse los films de 35 mm pero requieren de una pantalla rectangular muy larga o sea la Panorámica.
El cinerama o la filmación de tres imágenes que proyectadas sincronizadamente ocupan una pantalla seis veces mayor que la corriente.
En cuanto a su composición, la película consta de dos partes: el SOPORTE que es de celuloide y sirve para sostener la EMULSION que es la parte sensible a la luz.
EL CELULOIDE
Los primeros aparatos de cinematografía no hubieran podido funcionar si los investigadores de la fotografía no hubieran descubierto un soporte, transparente, flexible y resistente que sirve de soporte a la emulsión sensible.
Entre los años 1865 a 1869, los hermanos Hyatt en Nueva Jersey, descubrieron la composición del CELULOIDE y a partir de este momento, tanto Edison como los Lumiére se valieron de esta sustancia que en forma de cinta flexible y transparente ofrecía la suficiente resistencia para correr a través de los aparatos destinados a reproducir el movimiento.
LA EMULSIÓN
La capa de emulsión que cubre el film, es la parte sensible propiamente dicha. Está compuesta por nitrato de plata y una solución acuosa de bromuro de sodio, potasio o amonio en las aguas que contienen
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-la ge-latina. De -la finura de -las partícu-las de p-lata depende -la calidad o finura de la imagen.
BANDA SONORA
La película está formada por dos columnas: la sonora y la visual. La columna sonora, hemos dicho que está registrada a un lado del film y puede ser óptica o magnética.
Es óptica cuando los sonidos son registrados fotográficamente en una superficie sensible. Las vibraciones sonoras son transformadas en imágenes fotográficas reproducidas en el borde de la película, en forma de rayas más o menos intensas y gruesas o como rasgos de diferente dimensión. La célula fotoeléctrica reproductora del sonido reproduce el mecanismo invertido o sea, al pasar la luz ante estas impresiones las transforma en vibraciones sonoras que son ampliadas por los altoparlantes. De esta manera la imagen y el sonido son registrados en el mismo film. Queda solucionado el problema de la sincronización, asegurando al cine sonoro la posibilidad de un mayor éxito no solo comercial sino artístico.
La columna sonora es magnética cuando los sonidos son captados por un micrófono magnetofónico, que es un aparato capaz de transformar las vibraciones sonoras en mecánicas y oscilaciones eléctricas de carácter musical las cuales son ampliadas por un complejo electrónico que transmite a una “cabeza magnética de registro” constituida esencialmente por un electroimán que produce impresiones de intensidad variable sobre una parte lateral del film, que es una banda plástica recubierta de una sustancia magnética compuesta de óxido de hierro.
El registro magnético de la banda sonora es invisible y para ser reproducido necesita de otra cabeza de electroimán que “lea” sobre la banda magnética y reproduzca las vibraciones mecánicas que pasando a su vez por un amplificador las transforma en ondas sonoras.
COLUMNA VISUAL
La columna visual está formada por una serie de rectángulos pequeños que se llaman FOTOGRAMAS.
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-Debemos dejar sentado que: el fenómeno del cine se debe a la proyección de 24 fotogramas por segundo que debido a la ley de la persistencia de la imagen, reproduce el movimiento. En las películas de 35 mm cada fotograma mide 22 x 16 mm y contiene varios elementos básicos en el lenguaje cinematográfico.
Vamos a estudiar detenidamente los elementos que componen el lenguaje cinematográfico, para lo cual los dividiremos en tres grupos: ELEMENTOS ESTÁTICOS o de la imagen fija, ELEMENTOS DINÁMICOS o de la imagen en movimiento y ELEMENTOS COMPLEMENTARIOS o adicionales.
CUESTIONARIO
41. ¿En qué está fundada la cámara filmadora de cine? 42. Explique Ud. el funcionamiento de la cámara. 43. ¿Cuál sería el origen del proyector?
44. ¿Cómo funciona la reproducción de la imagen y del sonido? 45. ¿De cuántas partes está compuesta la película virgen?
46. ¿Cuáles son las dos columnas que se pueden apreciar en la película impresionada?
47. ¿Cómo se hace la impresión del sonido? 48. ¿Cómo se reproduce?
49. ¿Qué es un fotograma?
