PDF superior Mujeres artistas en la gran pantalla

Mujeres artistas en la gran pantalla

Mujeres artistas en la gran pantalla

Lo más frecuente en las películas sobre artistas, tal y como hemos visto en el presente trabajo, es que importe más la personalidad empírica que la estética. Lo ideal sería lograr un equilibrio entre ambas, ya que, si se olvida una de ellas, el filme no queda completo. Tal es el caso de Frida, que al dejar de lado la faceta empírica, prácticamente ni menciona algo tan importante como la ideología política de la artista mexicana. Curiosamente, es la película que más enfatiza la personalidad estética de una creadora y la única dirigida por una mujer. El interés de estos filmes radica además, en que, mediante los recursos del cine, dan importancia a ciertos acontecimientos que afectaron a las creadoras. Así lo vemos en el caso de Frida y su accidente, narrado a cámara lenta. Por otro lado también tenemos la música, que se usa, o bien para dar fuerza al acto creativo, o bien para enfatizar la parte emocional de las vidas de las artistas. No obstante, no podemos olvidar que para obtener un rendimiento óptimo de la película (…) es necesario emplear al máximo los recursos del medio y eso implica necesariamente introducir alteraciones en nuestra idea del pasado 66 . A esto hay que añadirle el hecho de que la ficción dramática contiene siempre detalles surgidos de la imaginación del cineasta 67 .
Mostrar más

29 Lee mas

La gran pantalla en guerra: Segunda Guerra Mundial y noticiarios cinematográficos  "Luce" (1940-1945

La gran pantalla en guerra: Segunda Guerra Mundial y noticiarios cinematográficos "Luce" (1940-1945

Este mismo efecto se pretendía conseguir al tratar aspectos relacionados con la vida cotidiana como la falta de alimentos y materias primas. En este caso, el noticia- rio incluía regularmente una serie de informaciones sobre la producción de las indus- trias italianas de guerra o la riqueza del país en alimentos y energía. Se reforzaba la idea de la importancia de la autarquía, en la que las mujeres tenían un papel de relieve. Este modelo de información sobre la guerra que caracterizaba el noticiario Luce durante el primer año de enfrentamiento, apenas sufrió variaciones en los años suce- sivos. Hasta la caída del Régimen, se pretendió evitar la realidad. Con el empeora- miento de la situación interna y el desarrollo de la guerra en los frentes, el noticiario Luce se esforzó aún más en maquillar la realidad. De la exaltación de las victorias italianas, se pasa a la estrategia del descrédito del enemigo: la destrucción era conse- cuencia de la barbarie del enemigo. Se instaba a la población a resistir y a seguir luchando. Pero la mayor parte de los italianos quería que la guerra acabase, indepen- dientemente incluso de quién la venciera. Esto ponía de manifiesto la separación entre la percepción de la realidad de la población y la ofrecida por Luce en las panta- llas.
Mostrar más

16 Lee mas

Una mirada a la obra y al aporte de las mujeres artistas

Una mirada a la obra y al aporte de las mujeres artistas

Nacida Stoll, estudió diseño y fotografía en Brook- lyn College. En 1949 se trasladó a París y siguió cur- sos regulares de pintura en la Academia de la Grande Chaumière al mismo tiempo que frecuentaba los tall- eres de Fernand Léger y de Constantin Brancusi. Allí se casó con Curtis Gordon Pepper. En 1950 regresan a los Estados Unidos, desde donde realizan periódicos viajes al Oriente Medio, Camboya y Europa. Se vincula estrechamente con Italia y vive un tiempo en Roma, don- de realiza su primera exposición individual de pintura 1952 y la primera de escultura en 1961. Comenzó a inte- resarse por la escultura en 1958, creando primero pequeñas figuras en madera y barro, para pasar a realizar, a partir de 1962, piezas de metal de gran formato. En 1965 realiza su primera exposición de escultura en los Esta- dos Unidos y en 1969 comenzó a desarrollar sus ideas de “connective-art” que defiende las obras de arte com- prometidas socialmente, en espacios urbanos y parques. En 1972 participa en la Bienal de Venecia. Ha expues- to en ciudades de todo el mundo y existen obras suyas en muchos museos de los Estados Unidos, Italia y Japón.
Mostrar más

135 Lee mas

Mujeres, nervios, Madrid: Almodóvar en la gran ciudad

Mujeres, nervios, Madrid: Almodóvar en la gran ciudad

La primera secuencia de Mu j e res al borde de un ataque de nervios añade todavía otro matiz a la función de la ciudad en la película. Lo primero que el espectador con- templa en la pantalla, después de los títulos de crédito, no son las vistas ni los teléfonos que habrán de hacer y deshacer las vidas de los personajes. Si el primer foto- grama muestra la maqueta de un edificio inequívoca- mente urbano en el salón de Carmen Maura, el segundo revela al espectador una incongruencia: una especie de corral donde patos y pollos se mueven con libertad alre- dedor de populosas conejeras, entre una exuberancia de plantas, justamente en el balcón de las vistas. La voz en o f f a d v i e rte entonces que Lola se siente como Noé antes del diluvio, y que de hecho le hubiera gustado acoger en su balcón urbano a una pareja de cada especie. Como las vistas que se pueden contemplar desde el mismo balcón, esta presencia del corral resulta ser otra de las constantes del f i l m . Más aún, cabría decir que la intersección de un espectáculo rural y un escenario enfáticamente metro- politano forman parte de la visión que tiene Almodó- var de la condición urbana. Sería, incluso, otra forma de caracterizar los despropósitos y rupturas que amenazan constantemente la salud mental de los ciudadanos. En ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, Chus Lampreave re- corre cada día los desolados parques del barrio y recoge unas ramas secas y un lagarto solitario que acaban en el diminuto apartamento de la familia porque le re c u e rd a n la vida del pueblo que todos dejaron atrás. En Mujeres al borde de un ataque de nervios, el espectador contem- pla por momentos una imperiosa competición entre el campo y la ciudad, lo pastoral y lo urbano, los animales de corral y los ciudadanos de la metrópolis. Sirvan de ejemplo estos dos detalles, que son otras tantas muestras del humor inquietante de Almodóva r. Una vez que Iv á n
Mostrar más

5 Lee mas

Mujeres artistas europeas entre los siglos XVI-XVII

Mujeres artistas europeas entre los siglos XVI-XVII

En su etapa florentina gozó de gran éxito y ejecutó varias de sus obras más conocidas. Consiguió ser la primera mujer aceptada en la Accademia del Disegno y conoció importantes personalidades florentinas de la época, como Cosme de Medici II, que se convertiría en uno de sus mecenas, Galileo Galilei con el que mantuvo una relación epistolar y Miguel Ángel Buonarroti el joven, sobrino de Miguel Ángel. Para este último realizó la Alegoría de la Inclinación, (una alegoría al talento natural) que sigue decorando el techo de la Casa Buonarroti, se pintó en conmemoración y elogio de su ilustre antecesor. De todos los artistas contratados encargados decoración de la sala, Artemisia era la única que no era de Florencia, a pesar de ello, cobró más del doble que los otros pintores. Es el único desnudo de la sala, y es probable que se la pidiera especialmente a ella por su fama en el género de desnudos femeninos.
Mostrar más

70 Lee mas

MUJERES ARTISTAS EN LA HISTORIA DEL ARTE CONTANDO Y RECONTANDO CON LAS

MUJERES ARTISTAS EN LA HISTORIA DEL ARTE CONTANDO Y RECONTANDO CON LAS

Tuvo una vida muy dura marcada por problemas de salud y las numerosas operaciones quirúrgicas que sufrió tras un accidente que la dejó en cama durante gran parte de su vida. Este sufrimiento no le impidió realizar nu- merosas obras de arte, en las cuales autorretrata y refleja ese dolor. Su obra está clasificada como arte naïf , aunque también se incluye en el su- rrealismo.

35 Lee mas

Mujeres artistas del Caribe colombiano bajo la perspectiva de género... O ¿fuera de ella?

Mujeres artistas del Caribe colombiano bajo la perspectiva de género... O ¿fuera de ella?

Las historiadoras de arte feministas intentan develar las circunstancias o los con- textos socioculturales en los cuales LAS artistas han trabajado sus obras (Maya- yo, 2005). La herstory evidencia, por ejemplo, que muchas veces las artistas han cambiado su identidad al tomar nombres masculinos o ambiguos; ellas también revelan secretos, intimidades o posturas de género en detalles muy particulares de sus obras. Un caso específico es la comparación que podemos hacer entre las obras de dos artistas que retoman el mito “Judith decapitando a Holofernes”: podemos comparar el lienzo del gran maestro Caravaggio (realizado en 1599, Ilustración no. 1) con la misma escena bíblica de la pintora menos conocida en la historia del arte, Artemisia Gentileschi (Ca. 1620, Ilustración no. 2). Siendo ambos artistas pertenecientes al barroco italiano, podemos destacar más fuerza realista narradora, mejor actitud profesional y decisiva en la lectura visual del hecho bíblico planteado por la artista romana. En Caravaggio, por el contrario, Judith es algo tímida, sutil, contemplativa, y la doncella que la acompaña es lo más semejante a una estampa de una vieja bruja consejera. Victoria Combalía en su libro Amazonas con pincel destaca en el cuadro de la artista que el lienzo “se ha interpretado como una suerte de venganza de Artemisia Gentileschi contra el sexo opuesto, fruto de la humillación que sintió al ser violada, de ahí que la protagonista esboce un gesto de superioridad, echando la cabeza atrás para no mancharse el vestido” (Combalía, 2006, 38). Artemisia Gentileschi fue una reco- nocida artista en su época, a pesar de haber sufrido todo tipo de atropellos; pese a esto, no se estudia su obra en los programas de arte.
Mostrar más

15 Lee mas

Género y postcolonialismo en la creación videográfica: mujeres que escriben con la cámara y seducen en la pantalla

Género y postcolonialismo en la creación videográfica: mujeres que escriben con la cámara y seducen en la pantalla

En el contexto latinoamericano se produce una bipolaridad dentro del discurso colonial, donde el postcolonialismo convive con el neo-imperialismo. Esto ha supuesto que en el marco de la globalización, no se puedan formular los términos «postcolonial» y lo «colonizador» como equivalentes a centro y márgenes. El centro se ha difuminado y des-localizado bajo la influencia de los medios de comunicación y los márgenes ya no se centran en un territorio definido, sino que se han ampliado a todo tipo de periferias. En el caso de América latina el neo-imperialismo no procede solo de EE. UU., sino también de Europa y Asia, lo que le coloca en una nueva posición de marginalidad. Sin embargo esta posición de marginalidad ha dado lugar a planteamientos feministas por parte de las chicanas y afrodescendientes. En esta línea, autoras como Lélia González han reflexionado sobre el concepto de amefricanidad y han denunciado la latinidad como una nueva forma de eurocentrismo (Curiel, 2007). En este caso la amefricanidad se entiende como un proceso histórico de resistencia al igual que el feminismo indígena. En ambos casos se cuestionan las relaciones patriarcales racistas y sexistas, a la vez que los usos y costumbres de sus propias comunidades para seguir manteniendo la subordinación de las mujeres. Y es en esa línea crítica donde se inscriben los trabajos de artistas mexicanas cuyo discurso se ha centrado en numerosas ocasiones en problemas como el indigenismo o la frontera. Esto se debe a que, probablemente, México es el país de América Latina donde el vídeo se ha convertido en el soporte narrativo más utilizado por las artistas para escribir sus discursos feministas, relacionados con las imágenes del «otro».
Mostrar más

18 Lee mas

Ausencias invisibles  Mujeres artistas en las ferias de arte contemporáneo

Ausencias invisibles Mujeres artistas en las ferias de arte contemporáneo

Paralelamente, la artista Verónica Ruth Frías llevó a Arco 2018 su performance I am a woman, de la mano de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, la que sin duda (y con permiso de la mediática retirada de la obra de Santiago Sierra antes de la inauguración) fue lo más fotografiado y comentado de esta edición [Fig. 3]. Pink Power, una instalación y I am a woman, la acción recuperaban las ya históricas reivindicaciones feministas, la necesidad de nombrar a las artistas bajo la obligación de no olvidar para no ser olvidadas. Mediante el enunciado, Verónica Ruth propuso un ejercicio de representación aparentemente sencillo pero de gran efecto sobre el espacio real: visibilizar los múltiples significados del ser mujer y recordar que siempre estuvieron aquí. ARCO 2018 giraba en torno a la idea del tiempo futuro, pero sigue obviando las urgencias del presente, entre ellas las que tienen que ver con la igualdad, la educación y también con la exclusión de las mujeres.
Mostrar más

14 Lee mas

La introducción de la obra de mujeres artistas en el currículum de la Educación Primaria

La introducción de la obra de mujeres artistas en el currículum de la Educación Primaria

La media de las familias es de dos hijos/as, además más del 98,5% de los niños y niñas conviven con el padre y la madre. Aproximadamente el 77% de los padres y las madres tienen edades comprendidas entre 30 y 45 años siendo la gran mayoría de origen local. En general los padres y madres tienen estudios primarios o Educación General Básica, siendo bajo el número de quienes tienen nivel de estudios superiores. Por lo general los padres no llevan a los niños a ver museos o exposiciones pasando estos la mayor parte del tiempo en el municipio. El colegio supone para muchos una posibilidad de experiencias que de no ser por ello no tendrían.
Mostrar más

59 Lee mas

Mujeres artistas de la vanguardia internacional: el caso de "Abstraction-Création" (1931-1936)

Mujeres artistas de la vanguardia internacional: el caso de "Abstraction-Création" (1931-1936)

Para comprender el desarrollo de Abstraction-Création es necesario tener en cuenta que, aun moviéndonos en un mismo contexto amplio de vanguardia, el arte creado en los años 30 tuvo un carácter fundamentalmente distinto al producido en las dos décadas anteriores. Frente al talante más utópico e incluso dogmático de éstas, el arte de los años 30 ha podido ser cualificado de post-vanguardista y sintético (Llorens, 1997: 27); la pintura abstracta parisina del momento se caracterizó por un énfasis en la libertad individual de los artistas que se materializó en el compromiso entre las corrientes geométricas y no geométricas, una nueva conciencia de la superficie que iba más allá del énfasis en el plano, y en general una mayor complejidad de las composiciones, que avanzaron incluso hasta la sensualidad (Elderfield, 1970-II). Por ello, y por lo que se refiere a los participantes en Abstraction-Création, se incidió más, como hemos apuntado, en los puntos de encuentro en la diversidad que en la definición estricta de los límites estéticos; ello permitió que el grupo acogiera a un gran número de artistas cuyas prácticas fueron mucho más allá de lo geométrico para abrazar también el biomorfismo, uno de los rasgos fundamentales del arte de la década (Fabre, 1997: 73-75; Clair, 2008: 18), como demuestra por ejemplo la evolución de Kandinsky. Incluso en el trabajo de aquellos artistas que se mantuvieron fieles a la abstracción geométrica, como Mondrian, puede percibirse como las composiciones se van complicando, lo que genera cierta ambigüedad en la hasta entonces prístina búsqueda del equilibrio en su pintura (Elderfield, 1970-I). Conceptos como la indeterminación, el azar, incluso el primitivismo, hasta ese momento completamente ajenos al discurso teórico de la abstracción y a su concreción artística, se fueron integrando en las nuevas prácticas del periodo, apuntando direcciones cuyo completo desarrollo no se revelaría hasta después de la Segunda Guerra Mundial (Fabre, 1997).
Mostrar más

19 Lee mas

Mujeres artistas en España en la Edad Moderna: Un mapa a través de la historiografía española

Mujeres artistas en España en la Edad Moderna: Un mapa a través de la historiografía española

Con esto no queremos decir que el autor se inventara esta referencia o que toda la obra esté equivocada. Lo más probable es que Parada y Santín cruzara datos y se equivocara, pero como no cita la fuente de la que ha obtenido la información, no podemos saber dónde se ha producido el error. De hecho, nos encontramos ante una obra muy destacable con una gran cantidad de referencias, casi todas ellas acertadas. Si solo hablamos de las mujeres artistas españolas de la Edad Moderna, encontramos más de 60 mujeres mencionadas (de otros países y periodos se menciona muchas más). Sin embargo, de aquellas que no cita la fuente, nos vemos en la obligación de contrastarlas antes de darlas por válidas.
Mostrar más

17 Lee mas

ENSEÑAR LA OBRA: EL RETO PARA MUJERES ARTISTAS Y GALERISTAS EN LA HISTORIA CONTEMPORÁNEA DEL ARTE

ENSEÑAR LA OBRA: EL RETO PARA MUJERES ARTISTAS Y GALERISTAS EN LA HISTORIA CONTEMPORÁNEA DEL ARTE

Nos remontamos a las primeras exposiciones, la profesión artística era entonces prácticamente masculina. Hay contadas excepciones de mujeres dedicadas al arte más o menos de forma continuada. Una excepción sería María Nueveiglesias de la Serna (1886-1968) que será la primera mujer que expone en Castellón, en junio de 1944, en el Salón de actos del Círculo Antiguo Cultural. Artista de retratos y composiciones religiosas de gran formato, hizo de su actividad pictórica su medio de vida. En palabras de Herminia Samblás «avanzada, valiente y segura de sí misma» (Samblás, 2003: 56), adjetivos que sintetizan el carácter de una mujer artista, poco habitual en esta época. Circunstancia excepcional en la época, ya que los artistas plásticos eran mayoritariamente varones. La pintora, muy conocida en la ciudad, creó una academia de pintura y dibujo en la que también impartía clases de idiomas y vendía sus obras a buen precio. Resulta curioso que a pesar de ser tan conocida y admirada en la ciudad no expusiera en ninguna de las galerías inauguradas los años siguientes. De todos modos, la pobreza del arte español producido durante los años cuarenta bajo la influencia ideológica del franquismo contribuye también a la escasez de exposiciones. Apenas hay galerías de arte, por supuesto no existe la figura del marchante y la mayoría de la gente no se preocupa de estas actividades, y la que lo hace, se decanta por el arte tradicional y clasicista. En Castellón la clase con poder adquisitivo se identifica con el arte figurativo y académico.
Mostrar más

20 Lee mas

“Con los hombres nunca pude”: las mujeres como artistas durante las primeras décadas del “rock nacional” en Argentina

“Con los hombres nunca pude”: las mujeres como artistas durante las primeras décadas del “rock nacional” en Argentina

La primera mujer que pasó a la historia del rock nacional es Gabriela Parodi (n. 1949) quien, en 1972, grabó el simple “Campesina de sol”. 5 Ese año editó su primer álbum solista, “Gabriela”, y participó en el disco “Acusticazo” donde se registra el recital en el teatro Atlantic en Buenos Aires durante junio de 1972 en el que no se usaron instrumentos eléctricos. 6 También cantó en la tercera edición del Festival “B.A. Rock” y su performance aparece en el documental “Rock hasta que se ponga el sol” basado en ese festival. En el film de 1973, producido por Aries Cinematográfica Argentina S.A. con la dirección de Aníbal Uset, Parodi interpreta su gran éxito, acompañada por Litto Nebbia y el trío “Color Humano” donde su esposo, Edelmiro Molinari, era el guitarrista. 7 Otras figuras destacadas de la década fueron Defilpo (1944 – 2011) y Yorio (n. 1954). La primera grabó, en 1976, el álbum “Canción para perdedores” y en 1979, junto a su esposo, Litto Nebbia, “Toda canción será plegaria”. 8 Yorio, quien mantuvo relaciones afectivas con Charly García y luego con Nito Mestre, fue corista de “Sui Generis”, voz femenina de “PorSuiGieco” e integrante de “Los desconocidos de siempre”. 9
Mostrar más

17 Lee mas

Las publicaciones y la investigación sobre mujeres artistas en España

Las publicaciones y la investigación sobre mujeres artistas en España

Vemos como en las obras comentadas hasta ahora, el problema principal es si las mujeres están capacitadas para la actividad creativa, y, también, los escritos de algunas autoras se convierten en una reivindicación sobre la existencia y legitimidad de mujeres artistas, tanto en España como en otros lugares del mundo occidental. Estas ideas y la justificación de las causas que motivan a las mujeres a crear obras artísticas, pervivirá en muchos escritos de autoras del siglo XX. Como podemos intuir, estas formas de justificar la realización de obras artísticas por las mujeres, constituye una reacción y una defensa ante el gran número de autores masculinos que cuestionan esta presencia y capacidad creativa de las mujeres artistas, y especialmente se aprecia que en todas las obras sobre artistas femeninas y en otros escritos se reivindica una mejor educación para las mujeres. Así, en 1938, Mª Pilar Oñate, en una obra que reivindica la literatura “femenina” y la ampliación de profesiones y actividades laborales para las mujeres, aún encontramos las mismas ideas sobre la incapacidad de genio artístico en las mujeres:
Mostrar más

22 Lee mas

Visiones sobre las mujeres artistas

Visiones sobre las mujeres artistas

<<Las mujeres desconocemos en gran medida nuestra historia y nuestra identidad. Somos desconocidas para nosotras mismas, expropiadas de los medios para conocernos. Crédulas de los mitos a cambio de las más diversas realidades, hemos estado impedidas para vernos. Ocupadas en mirar a otros, hemos sido deslumbradas por su presencia; nos han dicho que basta su mirada para existir. Por eso hasta hace poco no nos hemos decidido a mirar con ojos propios. (...) Las mujeres necesitamos arraigo histórico, pertenecer a algo, ser como alguien, venir de algún sitio, participar de alguna finalidad. Y también de realizar y afirmarnos por ser diversas y constatarlo>>
Mostrar más

65 Lee mas

La fotografía documental como recurso en la obra de mujeres artistas: de la "flâneuse" a la cronista de realidades inventadas

La fotografía documental como recurso en la obra de mujeres artistas: de la "flâneuse" a la cronista de realidades inventadas

definido no como lo que ‘realmente’ hay sino como lo que ‘realmente’ se percibe” (Sontag, 2006: 172). En relación a su propia obra, en 1929 Abbott se trasladó de París (en donde había permanecido desde 1921) a Nueva York, trocando su interés inicial en el retrato por la crónica fotográfica de la ciudad. En sus imágenes, Abbott se aparta de Man Ray y muestra una metodología similar a la de Atget, narrando el flujo efímero de la actividad de la gran ciudad, la arquitectura, la población diversa alojada en ella y el reemplazo constante de lo antiguo por lo nuevo (imágenes 1 y 2), plasmando cómo “en la experiencia estadounidense [...] incluso el pasado inmediato se desgasta, despeja, demuele, desecha y canjea constantemente” (Sontag, 2006: 121). El resultado de este proyecto fue su obra más destacada, la publicación Changing New York (1939), en donde registra un país marcado por la Gran Depresión en el que conviven la riqueza y la pobreza, pero sin centrarse en la visibilización del dolor humano provocado por la crisis —como hará, por ejemplo, Dorothea Lange (1895- 1965), buscando el protagonismo de las víctimas en sus emocionales imágenes para la Farm Security Administration (imagen 3) —. En su lugar, “analiza las consecuencias sociales y culturales del avance capitalista centrándose en el cambio de la fisonomía urbana” (Campelo, 2012: 250).
Mostrar más

22 Lee mas

←
				
											Volver a los detalles del artículo
									
				«Queridas viejas». Integrando a las mujeres artistas en el canon

← Volver a los detalles del artículo «Queridas viejas». Integrando a las mujeres artistas en el canon

La obra de María merece un estudio detenido, pero en esta entre- vista hoy nos centraremos en uno de sus últimos trabajos, Queridas Viejas (2014-2018), que considero una obra muy necesaria. Lleva inmersa en este proyecto varios años y os recomiendo asistir a las conferencias/per- formance que está impartiendo en distintos lugares de España. Durante la acción, «incluye a las mujeres artistas» en el manual La Historia del Arte de E. H. Gombrich (1909-2001), el libro con el que tantas generaciones hemos estudiado arte en todo el mundo.

8 Lee mas

Retrato de artistas.

Retrato de artistas.

y hay en todo como una claridad siempre más allá,.. y el recuerdo es como un cuarto del cual acabas de salir.[r]

24 Lee mas

Artistas palentinos

Artistas palentinos

Calle de Gil de Fuentes: Paredes (¿Cristóbal?), tres rreales (3).— Pedro de Flandes, entallador, tres rreales (4).—Fi*ancisco Rodríguez, ciruxano, dos rreales.—Antón Fernández, entallado[r]

5 Lee mas

Show all 10000 documents...