P.Haendel (1685-1759) La principal muestra de su obra para clavecín son las

Suites. Publicó una colección de ocho en 1720 y otras ocho en 1733. Estas suites no

siguen la estructura tradicional de las de Bach (Prelude, Allemande, Courante,

Sarabande, Menuet, Gigue, por ejemplo), sino que introducen una mayor variedad de

piezas de estilos diferentes sin seguir un orden determinado.

Haendel fue el primer músico que cultivó los conciertos para órgano. Durante sus viajes a Italia se familiarizó con los positivos de un solo teclado, muy cómodos para el acompañamiento de las voces y para realizar un bajo continuo. Olvidó los grandes instrumentos del norte de Alemania y renunció a tratar la fuga de órgano en contrapunto riguroso. Practicó el estilo de los organistas italianos o de los alemanes del sur.

4.3. ITALIA.

Domenico Scarlatti (1685-1757). Llegó a España con la corte de la princesa

portuguesa Maria de Braganza, de quien era profesor, y permaneció 28 años hasta su muerte. La escuela de clave española, representada principalmente por Antonio Soler, se vio influida por él, pero también él recibió la influencia de la música española, como se refleja en muchas de sus sonatas: Bukofzer señala que, a veces, aparece un efecto de rasgueo derivado del uso de las “aciaccaturas”, un “ataque agudamente disonante de

todo un acorde y su liberación instantánea, mientras se sostienen las notas consonantes del mismo”, que recuerda a la guitarra española.

En su música religiosa o escénica no se encuentra ningún rasgo que lo haga destacar de la mayoría de sus contemporáneos; sin embargo, en su música para teclado, especialmente en sus sonatas, se encuentra un universo de inventiva y variedad inagotables. Compuso cientos de ellas, de las cuales nos han llegado 555, corregidas y catalogadas por Kirkpatrick en 1953.

Sus sonatas constan de un solo movimiento y la mayoría podrían considerarse como ejercicios o estudios, porque en cada una emplea insistentemente un único recurso técnico: arpegios, trémolos, trinos, cruces de manos, notas repetidas, etc. Se podría decir que la forma empleada en ellas es un compromiso entre la posterior forma clásica (sonata tripartita bitemática) y la antigua forma binaria empleada por los compositores del Barroco en las danzas de la suite y en otras composiciones similares. La única

constante que aparece en estas obras es la finalización de cada sección en que se divide la sonata con el mismo material temático, lo que da unidad a la obra.

Las primeras sonatas suelen desarrollar un tema solamente, pero más tarde compuso sonatas politemáticas en las que el primer tema suele mantener textura polifónica y el segundo homofónica, bajo la forma de sonata bipartita: dos secciones, cada una de las cuales se repetía. La primera solía terminar en la dominante o en el relativo mayor, rara vez en otra tonalidad, y la segunda se aleja con modulaciones para finalmente volver a la tónica.

Algunas están destinadas expresamente al órgano (K 287 y 288), y otras contienen indicaciones de registro que sugieren una ejecución en este instrumento. Hay que tener en cuenta que en la segunda mitad del siglo XVIII la técnica del órgano no era sustancialmente distinta de la del clavicémbalo.

4.4. ESPAÑA.

Antonio Soler (1729-1783). Estudió con José de Nebra y con Domenico Scarlatti en Madrid, recibiendo de este último una gran influencia. Aun así, Soler se

aparta de su maestro en algunos aspectos: compuso sonatas para clavecín, pero no en un solo movimiento como el italiano. Utiliza con frecuencia el bajo de Alberti, especialmente en las sonatas de 3 o 4 movimientos, mientras que Scarlatti no. En cambio no hace uso de las “acciaccaturas” que abundan en Scarlatti, quizá porque Soler estaba más orientado hacia el pianoforte, en el cual no sonaban tan bien como en el clavecín. Hace uso frecuente de ritmos de danzas ibéricas como el bolero, la jota o el polo.

Mateo Albéniz (1755-1831). Fue discípulo de Soler y es considerado como un

seguidor tardío del rococó. Sus sonatas siguen el estilo de Scarlatti y en ellas emplea con frecuencia temas populares españoles. Escribió también “Instrucción metódica

especulativa y práctica para enseñar a cantar y tañer la música antigua” (1802).

5. MAESTROS DE TRANSICIÓN AL CLASICISMO.

Se dice que el estilo que marcó el paso al clasicismo (Empfindsamer Still) es el paralelo musical al estilo rococó en arquitectura. Ya desde finales del siglo XVI en Alemania se asiste a la separación entre música de tradición católica y de tradición protestante, resultado en parte de la Contrarreforma católica. Más tarde se siguió observando esta separación: por el lado protestante el compositor más importante de Alemania fue Bach, mientras que el sur católico elaboró un nuevo lenguaje musical cosmopolita, de gusto mixto y “estilo galante”, que preparó el terreno para los grandes clásicos vieneses. Este nuevo estilo se alejó de la tradición barroca y también de la tradición contrapuntística. Lo que lo caracteriza es la búsqueda de la belleza sutil e irracional, el alejamiento de todo lo que pudiera parecer calculado, sabio (barroco). Los estilos reunidos aportan, cada uno, sus particularidades: el italiano, las formas y la sensualidad; el del sur de Alemania (italianizante), la escritura cantabile, pero dotada de

TEMARIO DE OPOSICIONES A CONSERVATORIO. ESPECIALIDAD PIANO. OSCAR ARROYO. Tema 6. Clavicémbalo, clavicordio y fortepiano en el siglo XVIII.

la modesta sencillez que tanto lo emparenta con el lied; el francés, el gusto por el detalle, el carácter juguetón de una sociedad educada y cortesana.

El estilo galante se desarrolló en Alemania y tuvo como principales representantes a C.P.E.Bach y a J.C.Bach. El término galant se empleó para designar la manera cortesana en literatura y después se convirtió en una expresión utilizada para designar todo aquello que se creía moderno, elegante y civilizado. Algunas características de la música de este período son, por ejemplo, los efectos dinámicos más variados (crescendos y diminuendos) en lugar de los planos dinámicos en terrazas propios del Barroco. Esto se debe en gran medida a que el pianoforte ofrecía más posibilidades en ese sentido que el clavecín. Los adornos son ahora menos numerosos y más precisos. El cambio del estilo es más acusado en la música de cámara, destinada a los salones, cuyo aspecto está transformando el estilo rococó, afectando a las denominadas sonatas da camera y no a las da chiesa. Durante este periodo se consolida la forma sonata y comienza a predominar la melodía acompañada sobre el estilo contrapuntístico.

Carl Philip Emmanuel Bach (1714-1788). Trabajó al servicio de la corte de

Federico el Grande en Berlín entre 1740 y 1768. Su obra comprende oratorios, sinfonías, música de cámara y gran cantidad de obras para clave: destacan sus seis sonatas “Prusianas” (1742) y las seis sonatas “de Wurttemberg” (1744). Sus cinco últimas series de sonatas están escritas ya para el pianoforte.

Publicó el conocido “Tratado acerca del verdadero arte de tocar instrumentos

de teclado”, en el cual trata aspectos de la técnica de ejecución, de digitación,

ornamentación, etc. Fue él quien definió el uso del pulgar como eje en escalas y arpegios, colocado generalmente antes de las teclas negras. Este libro influyó decisivamente en el desarrollo de la pedagogía pianística, llamando la atención de

Mozart e incluso de Beethoven. Levaillant señala este tratado como la primera obra

teórica completa sobre la técnica de teclado.

C.P.E Bach alcanzó gran reputación en su época y hasta el XIX eclipsaba el recuerdo de su padre, conocido sólo como un gran especialista en los instrumentos de teclado.

Johann Christian Bach (1735-1782). Completó su formación con su padre y

con su hermano principalmente. Era el más joven de los hijos de Bach. A la muerte de su padre se fue a vivir con Emanuel a Berlin. Más tarde viajó a Italia donde estudió con

Martini. En 1762 se fue a Londres y se dedicó a componer óperas italianas alcanzando

gran éxito, pero sobre todo causó revuelo con algunos de los primeros conciertos para pianoforte. Su obra más representativa incluye más de 40 conciertos para piano y orquesta, y dos grupos de 6 sonatas (op.5 y op.17) destinadas al clavecín o al pianoforte. Fue el primero en adoptar el pianoforte para la ejecución pública de sus conciertos: los 6 del op.7 (1770) tienen el título de Sei concerti per il cembalo o piano e

forte. Mozart lo conoció en Londres y convirtió tres de sus sonatas para teclado en

ANEXO I: REPERTORIO PARA TECLADO DE J.S. BACH.

BWV: Bach Werke Verzeichnis. BWV 772-786 Invenciones a 2 voces

BWV 787-801 Invenciones a 3 voces (Sinfonías) BWV 802-805 Duos (Clavierübung III)

BWV 806-811 Suites inglesas BWV 812-817 Suites francesas BWV 818-824 Otras suites

BWV 825-831 Partitas (Clavierübung I y II) BWV 832-845 Otras obras

BWV 846-869 El clave bien temperado I BWV 870-893 El clave bien temperado II BWV 894-902 Preludios y fugas

BWV 903-909 Fantasías y fugas

BWV 910-923 Tocatas, fantasías y preludios

BWV 924-932 Pequeños preludios para Wilhelm Friedmann BWV 933-938 Pequeños preludios I BWV 939-943 Pequeños preludios II BWV 944-962 Fugas BWV 963-967 Sonatas BWV 968-970 Otras obras BWV 971-987 Conciertos BWV 988-994 Arias y variaciones BIBLIOGRAFÍA.

- Bukofzer, Manfred F: “La música en la época barroca”.

-Chiantore, Lucca: “Historia de la técnica pianística”. Alianza Música. Madrid, 2001. -J. Grout, Donald y V. Palisca, Claude: “Historia de la música occidental”. Vol II. Alianza Música. Madrid, 1997.

-Levaillant, D: “El piano”. Span Press. EE.UU, 1998. -Rattalino, Piero: “El piano”. Span Press. EE.UU, 1997.

-Türeck, Rosalyn: “Introducción a la interpretación de J.S. Bach”. Alpuerto.

TEMARIO DE OPOSICIONES A CONSERVATORIO. ESPECIALIDAD PIANO. OSCAR ARROYO. Tema 7. El clasicismo.

TEMA 7

Sección 1ª: Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental del repertorio para teclado del clasicismo.

Sección 2ª:Características de la interpretación pianística de este repertorio y problemas técnicos específicos.